ASIGNATURA: TEORÍAS ESTÉTICAS
REGIMEN: ANUAL – 3 horas semanales.
Esta asignatura está orientada a la indagación de las
teorías sistemáticas de pensamiento referidas al Arte, a su producción y a sus
características y categorías. La inclusión de la asignatura Teorías Estéticas
en el Plan de estudios de las carreras de Profesorado tiene como finalidad el
desarrollo de un pensamiento que le permita al estudiante, concebir la realidad
artística como una praxis superadora de la dicotomía teoría-práctica. Propone
una visión integradora en la que converge el aspecto reflexivo de la
conceptualización y el aspecto empírico de la producción, apelando a la
consideración epistemológica del concepto de praxis artística y hermenéutica.
La Estética como disciplina autónoma surge en el siglo
XVIII, cuando el Arte se desliga de los discursos religiosos, morales y
filosóficos o de cualquier otro condicionamiento.
Sigue vigente en el Arte actual y ha sufrido
transformaciones y cuestionamientos, que modificaron sus concepciones
tradicionales y provocaron cambios en su seno. Es necesario reflexionar en
principio sobre qué es la Filosofía en general para luego poder contextualizar
las Teorías Estéticas en cada uno de los profesorados de Educación Artística.
Se incluyen contenidos que abarcan desde las primeras nociones de mito, ciencia
y filosofía hasta comprender algunas nociones de la razón en el pensamiento
moderno y los cuestionamientos y críticas que se han realizado desde los
planteos filosóficos contemporáneos.
Asimismo, el fenómeno artístico es estudiado,
interpretado y comprendido desde los códigos culturales, sociales, económicos y
políticos que lo originan y explican desde perspectivas antropológicas y
sociológicas propias de los estudios culturales por este motivo se propicia el
pensamiento relacional y la conexión con otras disciplinas tales como la
antropología, la sociología, la teoría del arte, la historiografía del arte y
la historia del arte.
El docente propone la indagación acerca del origen
histórico de las categorías con las que se ha interpretado el fenómeno
artístico desde la antigüedad hasta la actualidad, en un recorrido comparativo
y transversal.
La reflexión crítico-valorativa sobre el arte
entendido como categoría histórica se realiza desde algunos abordajes
particulares, por ejemplo: la autonomía e institucionalización de lo artístico,
la “etnoestética” (o estudio de las prácticas
sociales que tienen una función ritual, estética o de otra índole, y que son
producidas fuera del concepto de arte occidental).
Se abordan las teorías estéticas en el marco de las
filosofías producidas por países centrales y periféricos, especialmente los
latinoamericanos, comparando por ejemplo la visión de Kant y Heidegger en
relación al concepto de arte europeo y las de otros como Kusch,
Colombres, Acha y Ticio Escobar que desarrollan ideas para una teoría
americana del arte.
El fenómeno artístico se aborda desde distintos
ángulos: como proceso hermenéutico, en relación con las distintas teorías de la
percepción estética (empiristas, gestaltistas y
constructivistas) de interés para la enseñanza escolar. Asimismo se estudia el
arte como lenguaje, focalizando en:
- los aspectos sintácticos, semánticos y pragmáticos
- los contextos de producción y de reconocimiento: la
academia, las industrias culturales y del entretenimiento, las industrias multimediáticas
- la obra de arte vista desde el enfoque
socio-semiótico (como producción de sentido, como texto, contexto, intertexto).
-El siglo XX: las poéticas contemporáneas, el concepto
de formatividad y de obra abierta. Las nuevas
tecnologías y la estetización generalizada de la
cultura
El propósito general de esta materia apunta a que el
estudiante comprenda que toda producción artística resulta de una objetivación
de la actividad del hombre en un contexto determinado, bajo una particular idea
del “mundo”, y que los productos artísticos son estudiados atendiendo al
contexto histórico-político y a las tensiones y criterios presentes en la
cultura (o subcultura) que les dio origen. Es decir, que se comprenda la
producción artística no sólo como una modalidad expresiva, sino
fundamentalmente comunicacional y relacional, que supone todo fenómeno
artístico y que implica una reflexión sobre la función del artista en relación
con el contexto social e ideológico en el cual está inserto.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales
Este seminario es un ámbito para cuestionar y
reflexionar críticamente acerca de las concepciones del arte y los artistas y
su relación con las distintas sociedades a través del tiempo. A su vez, es una
oportunidad para realizar un trabajo en profundidad alrededor de ciertas
temáticas que resultan de interés en la formación de los futuros docentes de
artes. Se indagan en principio las definiciones del arte que dieron origen a
modos de comprender lo artístico y lo estético a través de distintos pensadores
y marcos teóricos. Las definiciones del arte son construcciones y
representaciones sociales que cambiaron y siguen modificándose a través del
tiempo y de las distintas sociedades que les dan sentido.
Las reflexiones sobre el fenómeno artístico en
diferentes contextos y momentos históricos ofrecen un campo extenso para pensar
en distintos problemas que incumben tanto al que produce y crea, como al que lo
disfruta y comprende o al que lo transmite y lo enseña.
La participación en la sociedad implica, entre otras
cuestiones, el acceso a la cultura y el arte. Reflexionar sobre las distintas
formas de entender la actividad artística y la capacidad de simbolizar que
tienen los hombres, es materia de este seminario.
Se propone analizar también los modos de circulación
de bienes culturales producidos por los hombres. En general, las ciudades son
los lugares en los que existe mayor concentración de manifestaciones culturales
provocando contradicciones, choques, fusiones o hibridaciones.
Es importante también incluir como cuestión a analizar
las relaciones entre el arte y la tecnología que han producido en distintos
momentos saltos cualitativos en la manera de concebir y de comprender este
campo artístico.
Los estudiantes, en conjunto con el docente, pueden
seleccionar una o varias de las problemáticas que a continuación se proponen,
como un camino posible para la reflexión de las cuestiones que atraviesa este
seminario contextualizándolo con las características de los contenidos
específicos del profesorado.
Temáticas posibles para desarrollar
• El reconocimiento del contexto multicultural en que
se inscriben las producciones artísticas en la actualidad.
• La experiencia estética como fenómeno social.
Teorías de la recepción.
• El rol de los artistas en la actualidad.
• Arte y política. Arte y memoria.
• Arte y vanguardias del SXX.
• El lugar del arte en la infancia y la educación.
• El arte y el juego.
• Cómo se comprende al arte contemporáneo. La relación
entre la obra y su espectador. Crisis de las categorías tradicionales para
comprender el arte.
• Cómo se forma un espectador. Nuevos paradigmas y
enfoques para comprender e interpretar el arte.
• La cultura visual y su relación con las políticas
culturales.
• El arte a través de los enfoques y planteos de los
estudios culturales.
• Las realizaciones artísticas que combinan elementos
de los diferentes lenguajes artísticos. Fusiones, hibridaciones, mezcla de
lenguajes, etc.
• Impacto de las nuevas tecnologías de reproducción
técnica y comunicacionales en el campo del arte y la cultura.
• Las producciones artísticas y los medios de
comunicación masiva
• Las sociedades, las prácticas artísticas y la
construcción de identidad como concepto relacional.
• Campo cultural actual de Argentina y Latinoamérica.
Cambios a través del tiempo.
• La web: circulación y nueva materialidad de las
manifestaciones artísticas.
• Arte popular, arte de elite, arte de masas. Debates,
choques e hibridaciones.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales
Este espacio curricular es propicio para reflexionar
sobre la cultura y el funcionamiento de los principales sectores culturales. El
propósito principal es brindar la posibilidad a los estudiantes de desarrollar
habilidades de gestión para futuros emprendimientos artísticos y pedagógicos.
La creación/producción de un hecho artístico no
termina en el acto creativo del artista; necesita, para su concreción final, de
la confluencia de una serie de conocimientos vinculados con las políticas
culturales, los principios legales y la gestión económica de bienes culturales
(sea éste un libro, un espectáculo, una exposición, una película, un monumento,
una canción -grabada o no-, etc.) Dentro del ámbito escolar, también se
gestionan productos culturales que necesitan ser compartidos con la comunidad,
y para eso es necesario poseer ciertas habilidades básicas para su
comunicación, organización y promoción. Es parte de la tarea del docente del
área artística ejercer la gestión y el emprendimiento de actividades culturales
dentro del ámbito escolar, como respuesta a la demanda institucional y para
satisfacer las necesidades de la comunidad.
En la medida en que los estudiantes hayan adquirido
estos conocimientos y habilidades prácticas, estarán capacitados para la
gestión estratégica de proyectos culturales, dentro y fuera de las
instituciones educativas en las que se encuentren ejerciendo como docentes,
tanto en entidades públicas como en espacios privados (museos, secretarías de
cultura, entidades intermedias, sociedades de fomento, clubes, etc.).
Durante la cursada, los estudiantes indagan acerca de
la existencia de espacios y ámbitos dedicados a la preservación y promoción del
patrimonio cultural, realizan estudios de casos (entendiendo como “caso” tanto
el estudio de un evento en particular, como de un espacio dedicado a la
promoción cultural, como de una organización), establecen contacto con agentes
responsables de programas y servicios culturales (a través de visitas a
instituciones, entrevistas y/o asistencia a conferencias) y elaboran un
proyecto (programación de un hecho artístico performático)
La evaluación final del proyecto, es un modo de comprobar la aplicación de los
conocimientos adquiridos durante la cursada.
REGIMEN: ANUAL – 3 horas semanales.
La didáctica aborda como objeto de estudio a la
enseñanza en tanto acción práctica y produce conocimiento teórico acerca de
ella. En este sentido, se construyen conocimientos acerca de los procesos de
enseñanza y, por lo tanto, del sentido y significado de la intervención docente
en un contexto educativo particular e inmersa en el campo social. Por tratarse
de una disciplina ligada al campo social, la Didáctica refleja a través de la
historia diversos modos de concebir la enseñanza.
Por un lado, se puede identificar una preocupación
histórica por la cuestión normativa y prescriptiva sobre la enseñanza,
vinculada a la producción de conocimientos que orientan la acción a través de
métodos de enseñanza. Por otra parte, a partir de la década del 70 se ha
avanzado sobre las estructuras teóricas interpretativas y de acción de la
enseñanza como producto de teorías provenientes de otras disciplinas de las
ciencias sociales.
Se propone estudiar la Didáctica no sólo desde una
perspectiva dimensión técnica e instrumental sino también considerando su
dimensión política, ética y social del rol docente y de la educación.
La Didáctica también se materializa en discursos, en
el currículum, programas, contenidos, prácticas e intervenciones pedagógicas en
un ámbito determinado. La intención es favorecer el abordaje con los alumnos de
cuestiones conceptuales y realizar un diagnóstico de los problemas del campo de
la Didáctica para promover el análisis y la reflexión en situaciones
particulares de enseñanza.
Se espera que través de esta asignatura los futuros
docentes puedan:
• Comprender conceptos claves sobre la Didáctica.
• Conocer la problemática actual de la enseñanza
considerando los distintos contextos.
• Comprender las características propias de la
educación artística.
• Conocer distintos enfoques sobre programación
estratégica.
• Aplicar diferentes estrategias de enseñanza de
acuerdo a los contenidos específicos del área artística y diseñar la
evaluación.
En primera instancia, se propone que los alumnos
reconozcan las principales características de la didáctica, contemplando
distintas perspectivas y corrientes de pensamiento en su interior; como así
también, su relación con otras disciplinas en el campo de las ciencias de la
educación y las ciencias sociales considerando la problemática epistemológica.
En segunda instancia, la intención es aportar
distintos enfoques sobre la enseñanza, sus particularidades, los marcos
teóricos sobre los que se han desarrollado y sus prácticas en las aulas. Como
así también, analizar las variables que intervienen en un aula entre el docente
que dicta la clase y enseña y los alumnos que aprenden.
Proyectar sobe la enseñanza nos remite a imágenes
entrecruzadas de alumnos, docentes, aulas, estrategias e interrogantes: para
qué enseñar, cómo enseñar mejor, cómo organizar la clase, cómo se seleccionan
contenidos y muchos más. Se trabajarán conceptos, corrientes de pensamiento y
disciplinas que ayudarán a ordenar y explicar los interrogantes.
Para esto, también se abordarán las relaciones que se
establecen entre los distintos componentes del diseño curricular hasta la
programación en el aula, las relaciones entre las intenciones educativas, los
contenidos -su selección y organización-, las actividades que se proponen, los
instrumentos de evaluación y el rol de la evaluación.
Se recomienda establecer relaciones con cada uno de
los ejes que se exponen e interrelacionarlos y recuperarlos a lo largo de la
cursada estimulando un enfoque reflexivo e integrador para una mejor
comprensión de los distintos componentes del campo de la Didáctica.
En la asignatura se organizan los contenidos
relacionados con:
La didáctica como disciplina. El objeto de conocimiento de la Didáctica. Acerca del origen de la
Didáctica. La cuestión normativa y prescriptiva. Los condicionantes sociohistóricos de la teoría y la práctica. La didáctica y
otros ámbitos de conocimiento:
Psicología, Curriculum y las
didácticas específicas.
Modelos de enseñanza y modelos de aprendizaje. La didáctica y las prácticas de la enseñanza. Las relaciones entre
enseñanza y aprendizaje como problema teórico.
Modelos de aprendizaje. Distintos enfoques sobre la
enseñanza.
Currículo y didáctica. El curriculum como marco de programación de la
enseñanza y la acción docente. La problemática curricular.
La programación didáctica. Relaciones entre objetivos, contenidos y actividades.
Intenciones educativas: propósitos y objetivos. El
contenido educativo. Dimensiones del contenido. Criterios de selección y
organización de contenidos. Las decisiones en torno a los objetivos, contenidos
y actividades de enseñanza. Estrategias de enseñanza y actividades de
enseñanza. Los materiales curriculares en la enseñanza.
Enfoques para la planificación de la enseñanza.
Evaluación de aprendizajes. Las funciones de la evaluación. Evaluación, medición y acreditación.
Escalas de calificación y regímenes de promoción. Estrategias de evaluación. El
profesor como evaluador.
REGIMEN: ANUAL – 3 horas semanales.
Se propone abordar la Pedagogía como campo de
análisis, reflexión y descripción (que simultáneamente implica una delimitación
y demarcación) de la producción de conocimientos sobre la institución escolar
moderna. En este sentido, la Pedagogía aporta un conjunto de saberes y marcos
teóricos que permiten comprender y analizar distintos aspectos de la realidad
educativa actual incluyendo las particularidades de la Educación Artística.
Se puede identificar como los principales dispositivos
del discurso pedagógico moderno: a la infancia, la alianza escuela familia, la
instrucción simultánea, el curriculum unificado, las
utopías, la simultaneidad sistémica, el texto único escolarizado, el lugar del
docente como lugar del saber, la gradualidad. Los mismos deben ser
caracterizados en un contexto histórico y social que conforman lo que hoy
conocemos como escuela moderna y no como categorías abstractas o naturales.
Trabajar con estas categorías resulta pertinente para
comparar histórica y socialmente cómo se conformó el escenario educativo, los
cambios efectuados y la problemáticas actuales. Más allá de los cambios
producidos en los últimos años, es posible identificar a cada uno de ellos en
el escenario educativo actual y además se reconocen en situación de crisis.
Retomando los dispositivos y la situación de crisis
por la que atraviesan, podemos mencionar el “fin de la infancia” o las “nuevas
infancias” corriéndose de la imagen de niño moderno; o el fin de las “utopías
totalizadoras” con pretensión universalizadora, ya
que no existe una sola manera o una sola verdad.
El análisis de las continuidades y discontinuidades de
los principales componentes de la pedagogía ayuda a promover en los futuros
profesores intervenciones reflexivas sobre la realidad educativa.
Se espera que través de esta asignatura los futuros
docentes puedan:
• Analizar el discurso y las prácticas educativas en
un contexto social, político, cultural e histórico.
• Identificar líneas de continuidad y ruptura en los
componentes de la pedagogía moderna y analizar su situación actual.
• Conocer las problemáticas actuales de la pedagogía
desde una perspectiva histórica para constituir una posición reflexiva sobre la
realidad escolar.
La organización de este espacio curricular se realiza
en ejes que colaboran con el análisis de los principales componentes del
discurso pedagógico moderno como proceso histórico que presenta continuidades y
rupturas y a su vez constituyen a la pedagogía como disciplina.
Resulta relevante incluir el análisis del discurso
pedagógico moderno, su origen, su desarrollo, sus debates, sus perspectivas y
evolución en diferentes momentos históricos. En este sentido, la mención
histórica sobre el discurso pedagógico moderno implica recuperar herramientas
teóricas para comprender cómo la escuela, sus métodos, los alumnos, los
maestros, y las relaciones pedagógicas llegaron a ser lo que son y a conformar
la escuela de determinada manera. Recuperar estas producciones facilitará la
construcción de marcos referenciales para la comprensión y análisis de las
problemáticas contemporáneas por las que atraviesa la escuela.
Se recomienda trabajar con textos clásicos (Comenio, Rousseau, Kant) de la Pedagogía situándolos en un
su contexto socio-histórico, textos actuales que recuperen la discusión teórica
y analicen las problemáticas por las que atraviesan las escuelas. Como así
también, favorecer situaciones de trabajo que permitan que los alumnos puedan
distinguir el funcionamiento de determinados dispositivo de la Pedagogía en las
instituciones escolares actuales. Es fundamental que los estudiantes
identifiquen y confronten el marco teórico con la realidad y las prácticas
educativas.
En la asignatura se organizan los contenidos
relacionados con:
Educación y escolarización. La escuela como producto histórico. La pedagogía en el contexto de la
modernidad. La educación como transmisión y mediación entre la cultura y la
sociedad. La educación como práctica social, política, ética y cultural.
La pedagogía y las utopías. Normatividad y normalidad en pedagogía. Dimensiones de las utopías
pedagógicas: utopías sociopolíticas, utopías metodológicas y utopías
institucionales.
Pedagogización de la infancia. El sentimiento
moderno de infancia. Niño y alumno en la pedagogía moderna. El sentimiento
bifronte. Dependencia, heteronomía y obediencia. El
tiempo infantil y la temporalidad pedagógica. Problemas actuales del
sentimiento moderno de infancia. Nuevas infancias y nuevas subjetividades.
La relación entre el Estado, la escuela y la familia. Dispositivo de alianza escuelafamilia.
Constitución histórica y debates actuales.
Instrucción simultánea. La constitución del estatuto del docente. El lugar del docente como
lugar del saber. La institución escolar y las relaciones saber-poder.
Microfísica de la institución escolar. Simultaneidad sistémica y la
conformación de los sistemas educativos estatales. Propuestas históricas y
actuales alternativas a la instrucción simultánea.
El currículum. Curriculum y
método. Curriculum no escrito y curriculum oculto.
Pedagogías invisibles.
Problemáticas actuales. Los sujetos, las relaciones pedagógicas, la autoridad y el conocimiento
escolar. La función del adulto en la cultura. El rol del docente de educación
artística.
ASIGNATURA: PSICOLOGIA DE LA EDUCACIÓN
REGIMEN: ANUAL – 3 horas semanales.
Esta asignatura tiene como propósito comprender el
lugar que ocupan los sujetos de la educación, conocidos como alumnos,
focalizando en los procesos subjetivos y los diferentes modos de aprendizaje en
un contexto educativo particular.
Se trabajan categorías teóricas que permiten pensar a
la escuela como dispositivo que genera efectos en la subjetividad de los
alumnos, es decir, en la posición que ocupan los niños y jóvenes como alumnos.
De esta manera, es necesario construir marcos conceptuales que complejicen la
relación entre el sujeto y el aprendizaje escolar, entre el conocimiento
cotidiano y el escolar, que aporten a la intervención en los diferentes
escenarios educativos mostrando los alcances y límites de los diferentes
modelos psicológicos de aprendizaje y las características específicas del
aprendizaje artístico.
Se espera que través de esta asignatura los futuros
docentes puedan:
• Comprender con una postura crítica y analítica los
debates más importantes en el campo de la psicología, y las derivaciones que se
desprenden de dichos campos para la comprensión de los procesos educativos, particularmente
el aprendizaje.
• Reconocer las diferentes dimensiones que intervienen
en el proceso de aprendizaje de los alumnos.
• Caracterizar las principales líneas acerca del
aprendizaje de los diferentes lenguajes artísticos.
Se presentarán las perspectivas más relevantes de la
psicología, poniendo en consideración las diferencias, similitudes y aportes de
cada una de ellas en la relación entre el sujeto y el aprendizaje.
En los distintos ejes se trabaja la relación
psicología y educación, analizando desde cada perspectiva los alcances y
limitaciones de los instrumentos teóricos y prácticos psico-educativos
para el abordaje los procesos de aprendizaje en el ámbito educativo.
Además se hace referencia a las dimensiones afectiva, cognitiva,
lingüística y social en el contexto.
En la asignatura se organizan los contenidos
relacionados con:
El problema de las relaciones entre psicología y
educación.
La concepción aplicacionista,
el problema epistémico y la crítica histórica.
La naturaleza del aprendizaje escolar. Los procesos de
desarrollo y constitución subjetiva y el problema de la construcción de
conocimientos en contexto escolar.
El desarrollo y el aprendizaje en contextos de
enseñanza.
Perspectivas teóricas. La psicología genética y el
abordaje del aprendizaje escolar. La teoría de Piaget.
Las relaciones entre desarrollo, aprendizaje y enseñanza.
El programa cognitivo, el desarrollo y el aprendizaje
escolar.
Características del programa cognitivo. Mente y
representación. El sujeto de la psicología cognitiva. Discusiones en la
perspectiva cognitiva acerca de los procesos de desarrollo y aprendizaje. Las
ciencias cognitivas y los lenguajes artísticos.
Los enfoques socioculturales del desarrollo y del
aprendizaje.
La psicología socio histórica y la educación como
elemento inherente a los procesos de desarrollo subjetivo. La naturaleza de los
procesos de interiorización. La descontextualización en el uso de los
instrumentos semióticos y el control de sí como vectores de desarrollo. La categoría
de zona de desarrollo próximo.
Instrumentos psicoeducativos
y prácticas educativas.
Instrumentos y técnicas psicoeducativas
para el análisis de los procesos de apropiación de conocimientos en el contexto
escolar. Patología individual y la deficiencia mental leve. El fracaso escolar
masivo.
Los enfoques de la educación artística. La educación por el arte, La enseñanza de las artes.
Las posturas contrapuestas: libre expresión, enseñanza
de técnicas. Las inteligencias múltiples como herramienta para comprender el
aprendizaje artístico. Otros enfoques, investigaciones en proceso.
ASIGNATURA: HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARGENTINA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales.
La enseñanza de esta asignatura es fundamental para
comprender tanto las relaciones entre la sociedad, el Estado y la educación;
como la construcción de la identidad docente y las prácticas educativas en un
espacio escolar determinado y en un momento histórico.
Se propone realizar un trayecto que considere las
funciones y políticas del Estado, la intervención de múltiples actores e
instituciones que apoyan o resisten los cambios, las problemáticas del
contexto, y los sucesos educativos más relevantes. Como así también, comprender
las complejidades y reconocer la coexistencia de diversas perspectivas en el
conocimiento histórico para analizar un mismo problema.
Este espacio curricular también se relaciona con Política
Educativa, ya que aspectos centrales de la misma sólo pueden ser comprendidas
si los enmarcamos en un contexto histórico más amplio.
Se espera que a través de esta materia los futuros
docentes puedan:
• Conocer los procesos históricos y debates en la conformación
del Sistema Educativo Argentino.
• Identificar los cambios más contundentes del sistema
educativo en marco histórico y social.
• Comprender los cambios centrales del sistema
educativo en los últimos años.
• Conocer los procesos y los cambios que se han
desarrollado en el campo de la Educación artística.
Se propone un recorrido por la historia de la
educación argentina poniendo como eje de análisis el rol del Estado en la
configuración del sistema educativo y la promulgación y sanción de leyes que
determinaron su funcionamiento. Los contenidos están organizados de acuerdo a
períodos que se caracterizan por cambios profundos en la sociedad y en la
política. En este sentido, los alumnos podrán comprender cómo el sistema
educativo ha ido acompañando las transformaciones de nuestro país. Es
primordial que los alumnos puedan contextualizar históricamente los cambios,
problemáticas y debates de la educación argentina.
Es importante que a través de los contenidos que se
establecen los alumnos reconozcan las normativas, leyes, regulaciones y
políticas como construcciones sociohistóricas que
responden a paradigmas hegemónicos y a relaciones de poder. Y, por otra parte,
reconozcan tensiones y resistencias entre actores portadores de posiciones
diferentes.
Se sugiere trabajar los contenidos mediante
documentos, análisis de historias escolares, que les permitan a los alumnos
recuperar situaciones del pasado y con autores que tengan distintas posiciones.
En la asignatura se organizan los contenidos
relacionados con:
Educación en América Latina y Argentina entre el siglo
XV y mediados del siglo XIX.
La instauración del orden colonial y el sistema
educativo. La modernización educativa borbónica. Las universidades. Influencia
de la educación liberal europea en los primeros esbozos del sistema escolar
argentino. El método Lancaster. La educación superior.
De la Constitución Nacional a la Ley 1420. El proyecto
pedagógico de la generación de 1837. Educación, sociedad y Estado. Alberdi y
Sarmiento. Normalismo, positivismo y espiritualismo.
Mitre y la enseñanza media. El Congreso Pedagógico de 1882 y el debate de la
ley de educación común. La Ley Avellaneda.
La conformación del sistema educativo nacional
(1884-1916)
Disputas por la hegemonía en la consolidación del
sistema escolar. El Consejo Nacional de Educación. Los proyectos de Reforma Magnasco y Saavedra Lamas.
Desafíos al modelo del sistema escolar (1916-1944).
Las sociedades populares de educación. La política yrigoyenista
y los reclamos de modernización. El movimiento reformista en Argentina y
Latinoamérica. Iglesia y Estado educador. Nacionalismo y educación.
Industrialización y demandas de capacitación laboral. La escuela activa.
Espiritualismo. El pensamiento pedagógico de la
izquierda.
El Estado benefactor en el proyecto peronista
(1944-1955) Las reformas al sistema durante el primer y segundo gobiernos
peronistas. La Constitución de 1949. Los nuevos sujetos pedagógicos. Las
escuelas fábricas, la Universidad Obrera, la educación de la mujer.
Las líneas políticas en educación (1955-1974)
Políticas del Desarrollismo en Educación. Educación y control social. La
educación durante la Revolución "Libertadora". La Reforma
Constitucional de 1957. La lucha "Laica o libre". La herencia
pedagógica de la izquierda argentina y del nacionalismo popular: convergencias
y divergencias. Sindicalización docente.
De la dictadura al neoliberalismo. El proyecto
educativo represivo (1974-1983). El retorno de la democracia. El Segundo
Congreso Pedagógico Nacional. Neoliberalismo y organismos internacionales en la
década de los 90. La Reforma Constitucional de 1994, la Ley Federal de
Educación y la Reforma Educativa de los 90. Crisis de los sistemas educativos
tradicionales.
Políticas culturales y educación artística en la
Argentina a través del tiempo.
ASIGNATURA: POLÍTICA EDUCATIVA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales.
La inclusión de esta asignatura se propone
transmitirles a los alumnos conocimientos vinculados a su posicionamiento como actores
claves del sistema educativo, brindándoles herramientas para comprender el
contexto político educativo actual y puedan construir una visión crítica y
reflexiva para el análisis.
Esto significa, entender a la institución educativa
como parte de un sistema social y político más amplio, que la contiene y la
determina en gran medida. En este sentido, los contenidos de la asignatura
tendrán como finalidad analizar los procesos educativos en el marco de
políticas públicas más amplias y comprender el vínculo entre sociedad, Estado y
educación. Por otra parte, los ejes de contenidos se relacionan con los
propuestos para Historia de la Educación.
La escuela forma parte de un sistema educativo que
está condicionado por las dimensiones políticas, sociales y económicas que
genera la sociedad y el sistema político en su conjunto. Si bien no podemos
decir que es una relación exactamente lineal entre un sistema y otro, y las
políticas no siempre repercuten en la institución escolar tal cual fueron
concebidas; no podemos pensar la institución escolar ni el sistema educativo de
manera aislada. Por otra parte, es necesario que los futuros docentes conozcan,
analicen e identifiquen las intenciones políticas, la toma de decisiones y las
consecuencias de ellas en la realidad educativa.
Por otra parte, los contenidos de esta asignatura
favorecen la comprensión del impacto de las políticas y de la educación en los
sujetos, específicamente en la construcción de sus subjetividades.
Se espera que a través de esta materia los futuros
docentes puedan:
• Integrar y ampliar los conocimientos en relación al
Estado, la sociedad, la política y la educación desde una perspectiva histórica
y actual.
• Comprender la educación en el marco de las políticas
públicas y como parte de un proyecto político de cada época.
• Conocer las nuevas tendencias en políticas
educativas y las reformas educativas operadas en los sistemas educativos en los
últimos años.
• Conocer las propuestas de política cultural de la
enseñanza de las artes.
• Entender el ámbito de trabajo en función a las
problemáticas específicas que plantea la práctica institucional en un contexto
político.
Si bien no se propone un orden lineal detallado, los
contenidos respetan una secuencia temporal desde la constitución del Estado,
para realizar un análisis cuidadoso de cómo se produjeron y acontecieron los
procesos en determinado contexto histórico y alrededor de qué problemáticas y/o
cuestionamientos se han conformado e implementado alrededor de las políticas
educativas. También es necesario hacer mención a los distintos actores
sociales, intereses, enfrentamientos y disputas de poder que entran en juego en
dichos procesos.
Es relevante que los alumnos puedan ampliar la mirada
desde las perspectivas de las relaciones dinámicas entre la prescripción
estatal y la realidad social y pedagógica en la conformación de la enseñanza en
las escuelas y de la docencia. Es importante brindar andamiajes para entender
que tanto las macropolíticas, las construcciones
normativas como las regulaciones son construcciones epocales
vinculadas a procesos mundiales, paradigmas vigentes y relaciones de poder.
En primera instancia, la materia requiere un
conocimiento teórico sobre: Estado, sociedad, política, poder y educación para
comprender la perspectiva histórica y actual de la política educativa. Luego,
partimos de la conformación del Estado y la consolidación de un proyecto
educativo nacional caracterizado por el control y la fuerte regulación de la
tarea de enseñar.
En la década del 70 los Estados Nacionales han
iniciado profundos procesos de transformación en sus estructuras y funciones,
sobre el modo de pensar el Estado, la sociedad y las instituciones, entre ellas
la escuela. En este sentido, se han implementado una serie de políticas. Muchas
de ellas han sido nucleadas en la llamada Reforma Educativa de los ’90, que
determinan un nuevo posicionamiento del Estado en materia educativa, como ser:
la transferencia de los servicios educativos a las jurisdicciones y
modificación en la gestión de las escuelas, la definición de parámetros
curriculares comunes y su evaluación a través de un sistema de evaluación
nacional, la implementación de políticas focalizadas, entre otras. Dichos
cambios también han producido un acervo de conocimientos, debates y categorías
teóricas importantes vinculadas a la política educativa y que se plantean en
los ejes de contenidos.
Se propone que los alumnos trabajen con documentes y
publicaciones oficiales y leyes, como ser la Ley Federal de Educación, La Ley
de Educación Nacional, la Ley de Financiamiento Educativo, Ley de
Transferencia, Textos de aplicación de la Ley Federal, la Ley de Educación
Superior, etc. Como así también, indicadores cuantitativos y cualitativos sobre
el sistema educativo; programas y proyectos pasados y actuales promovidos por
el Ministerio de Educación de la Nación o algún ministerio jurisdiccional.
Finalmente, se sugiere realizar una selección bibliográfica actualizada y con
autores de distintas posturas teóricas, con punto de vista a favor o en contra
sobre determinadas situaciones y temas.
Se recomienda que el docente implemente un abordaje
crítico y reflexivo y no descriptivo o narrativo de la política educativa, que
le permita al futuro profesor profundizar sobre las complejidades que atraviesa
la institución escolar y la situación social y política actual.
En la asignatura se organizan los contenidos
relacionados con:
Estado y Educación. La educación en el marco de las políticas públicas. Las relaciones
entre Estado, sociedad, política, poder y educación. La conformación del Estado
y de los sistemas educativos nacionales.
La consolidación del “Estado Educador”. La consolidación del poder estatal y la educación como monopolio de
Estado. La construcción de un proyecto nacional de educación. La educación como
instrumento para la constitución de un poder centralizado y laico. Regulación y
Centralización de la tarea educativa. Las disputas con la Iglesia y la
configuración de un sistema privado de educación. La constitución de los
diferentes niveles del sistema educativo. Educación y conformación de las
subjetividades. El surgimiento de propuestas alternativas del socialismo y del
anarquismo.
La crisis del Estado. Las críticas a las políticas estatales universales. La tensión entre igualdad
y selectividad. El crecimiento del sector privado.
La Reforma Educativa de los ’90. La reforma en el marco de la reestructuración societal
y las transformaciones en los Estados Nacionales. Los procesos de reforma
educativa y las nuevas formas de regulación estatal. La nueva configuración del
sistema educativo: la transferencia de las escuelas a las jurisdicciones. La
Ley Federal de Educación y la asignación de nuevas funciones para el Ministerio
de Educación Nacional. El concepto de autonomía en la reforma. La unidad
educativa en el marco de las nuevas políticas: el Proyecto Educativo
Institucional. La redefinición de las subjetividades. Debates nacionales e
internacionales sobre desregulación, descentralización, provincialización,
municipalización, privatización y elección de escuelas. Propuestas de autonomía
escolar y autogestión.
Las nuevas condiciones para los sistemas educativos. Nuevas conceptualizaciones sobre la sociedad: la sociedad globalizada,
la sociedad de riesgo, de la sociedad disciplinaria a la sociedad de control.
Los procesos de individualización.
Los cambios en la relación al mercado de trabajo, la
educación y la ciudadanía.
La nueva configuración del Sistema Educativo Nacional.
El gobierno federalizado del sistema. Ley de Educación
Nacional (LEN), Ley de Financiamiento Educativo.
Situación actual del sistema educativo: la relación
entre la nación y las provincias. La Educación artística en la legislación
nacional y jurisdiccional.
Tensiones en el interior de los sistemas educativos. Homogeneidad y heterogeneidad. Integración y exclusión. Unidad y
diferenciación. La enseñanza y la asistencia. Los programas de inclusión
escolar.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales.
Esta asignatura aborda el estudio de la Sociología de
tres maneras:
1- En perspectiva histórica: Se hace un recorrido del
surgimiento de la reflexión acerca de la sociedad, desde el nacimiento de la
Sociología como ciencia. Se traza una recorrida histórica que señala los
avatares de la "evolución" de esta ciencia.
2- En perspectiva sistémica: la Sociología se
caracteriza por armarse en "sistemas". Entonces, se habla de los
sistemas sociológicos o de la Sociología sistemática. Es estudiarla por
"corrientes". Sociología positivista, funcionalista, crítica,
sistémica. etc. La mayoría de las veces, con grandes autores a la cabeza de
estos sistemas: Comte, Durkheim,
Marx, Mills, Spencer, Weber como clásicos y Berger y Lukmann, Bourdieu, Foucault, más
cercanos en el tiempo.
3- En perspectiva de "problemas": se toman
núcleos problemáticos significativos: qué es el conocimiento de la realidad
social; individuo y/versus/o sociedad; el estado; el poder; los vínculos; la
reproducción de la sociedad; dominación y explotación. Entonces, se toma un
fenómeno social y se lo "lee" desde varias sociologías.
La opción de alguno de estos abordajes por parte del
docente implica la adopción de decisiones pedagógicas que guíen su práctica.
Las formas de intervención didáctica están relacionadas con las perspectivas
explicativas y de investigación desarrolladas acerca de esta práctica y con la
apropiación que cada docente hace de ellas.
Las diversas concepciones de la enseñanza se sustentan
en diferentes paradigmas que implican un modo particular de concebir la
relación entre la teoría y la práctica. El modo como se concibe la vida en el
aula tiene implicaciones sobre el modelo de intervención docente.
Se incluyen contenidos relacionados con:
El Pensamiento Sociológico:
El objeto de estudio de la Sociología. Orígenes de la
Sociología. La cuestión social. Modernidad y capitalismo. El pensamiento
sociológico. El Positivismo. Auguste Comte.
Stuart Mill. Herbert
Spencer. La Sociología clásica. Emile Durkheim. Karl Marx. Max
Weber. El estructuralismo. Claude Lévi-Strauss.
El estructural funcionalismo. Parsons.
El sistema social. El racionalismo instrumental vs. la racionalidad crítica. Theodor
Adorno. Herbert Marcuse. Jurgen
Habermas. Pierre Bourdieu. Michel Foucault.
La estructura social y la cultura:
La estructura social. El individuo, la sociedad y las
clases. La división del trabajo social. Las clases y el poder. El status y el
rol. La sociedad tradicional. La sociedad moderna. La sociedad de masas. La
sociedad post industrial. La noción de cultura. El poder y las imágenes
sociales. La noción de relativismo cultural. Cultura dominante.
Hegemonía y cultura. Cultura de masas. Contracultura.
Globalización e identidad cultural
El Estado, el Poder y la Sociedad:
Surgimiento del Estado moderno. La soberanía. La
teoría contractualista. La crítica marxista a las
formas jurídicas. El concepto de ideología. Las relaciones de poder en la
sociedad. Tipos de dominación. Legalidad y legitimidad. Poder y control social.
La sociedad disciplinaria. La sociedad de control y el poder de la
comunicación. La sociedad y la libertad. El Liberalismo. Libertad civil y
libertad política. Libertad e igualdad. Democracia formal y democracia social.
El dogma socialista. Democracia liberal vs. Democracia social. Dictaduras.
Crisis del Estado benefactor. Neoliberalismo.
Movimientos Sociales:
Características de los movimientos sociales.
Movimientos sociales modernos.
Movimiento obrero. Movimientos campesinos. Movimientos
de pueblos originarios.
Movimientos sociales de mujeres. Movimientos por los
Derechos Humanos.
Movimientos ecologistas. Movimientos estudiantiles.
Nuevos movimientos sociales.
Movimientos antiglobalización.
La Sociología y su Didáctica:
La enseñanza de la Sociología y su problemática. El
saber científico y el saber a enseñar. El lugar de la teoría y la práctica. La
intervención docente en las distintos fases del
proceso de enseñanza. Fase preactiva: organización y
programación de la enseñanza. Fines y objetivos; La selección, organización y
secuenciación de los contenidos; estrategias de enseñanza: diseño de contextos,
situaciones, actividades, recursos y su ordenamiento en el tiempo. Los medios
de comunicación y las nuevas tecnologías de la comunicación y la información en
la enseñanza de la Sociología.
Fase interactiva: modos de implementación de lo
previsto en la planificación. Fase post-activa: reflexión a posteriori del
desarrollo de la enseñanza en el aula. La evaluación. Tipos y funciones.
Criterios. Instrumentos.
SEMINARIO: EDUCACIÓN SEXUAL INTEGRAL
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales
La ley 2110/06 de Educación Sexual Integral de la
Ciudad Autónoma de Buenos Aires, instala legalmente el tema de la educación
sexual en el ámbito educativo. La inclusión de la educación sexual en la
escuela, a través de esta ley, conjuntamente con un abanico de leyes y
normativas vigentes en nuestra Ciudad, fueron delineando una política pública
en este tema.
En este contexto, la inclusión de este seminario en el
profesorado hace explícita la necesidad de formar a los futuros profesores en
el tema y brindarles tanto información como escenarios formativos y que la
enseñanza de educación sexual integral se encuadre en un marco de formación que
considere tanto la responsabilidad de la escuela en la protección de los
derechos de los niños/as y adolescentes como su capacidad de generar
condiciones para igualar el acceso a la información y a la formación.
La intención del seminario es seleccionar y
profundizar sobre algunos aspectos que resulten una formación inicial para la
enseñanza de contenidos y formación de actitudes que se basan en la educación
sexual integral teniendo en cuenta sus múltiples aspectos: biológico,
psicológico, sociocultural, ético, jurídico y la comprensión del desarrollo bio-psico-sexual como un proceso
que transcurre en etapas a lo largo de la vida, cuyo resultado es la formación
de un sujeto activo, en interacción con su contexto.
El enfoque adoptado para la enseñanza de la educación
sexual se enmarca en: una concepción integral de la sexualidad, el cuidado y la
promoción de la salud y los derechos humanos. En este sentido, la sexualidad
forma parte de la identidad de las personas: comprende sentimientos,
conocimientos, normas, valores, creencias, actitudes, formas de relacionarse
con los otros, deseos, prácticas, reflexiones, roles, fantasías y toma de
decisiones. Al hablar de sexualidad estamos incluyendo procesos biológicos,
psicológicos, sociales, culturales, éticos, que forman parte de la identidad de
cada sujeto. Se trata de procesos complejos, constituidos por aspectos
diferentes,
que son abordados para su estudio por diversas
disciplinas y que configuran un sistema ya que cada uno de ellos se
interrelaciona con los otros.
Asumir desde el Estado la responsabilidad de ofrecer
contenidos curriculares vinculados con la educación sexual forma parte de un
compromiso con la ciudadanía, con la democracia y con los derechos humanos.
Implica ofrecer a niños, niñas y adolescentes la posibilidad de valorar la
sexualidad como un campo de desarrollo,
crecimiento y realización personal en el marco de
proyectos de vida solidarios, que les permitan disfrutar plenamente de su
sexualidad atendiendo al cuidado de la salud integral propia y de los demás.
Se espera que través de este seminario los futuros
docentes puedan:
• Reconocer la relevancia de la enseñanza de educación
sexual integral en las escuelas, tanto desde el marco conceptual como en el
abordaje del trabajo en prevención y promoción de la salud.
• Adquirir criterios pedagógicos para la selección de
materiales didácticos según las diferentes etapas evolutivas y acordes con el
enfoque de Educación Sexual Integral planteado en la Ley y en los diseños
curriculares.
• Obtener datos conceptuales y herramientas para
intervenir en situaciones donde se vulneren los derechos de los niños, niñas y
adolescentes y para el trabajo conjunto con las familias.
• Generar oportunidades para estimular la reflexión
crítica sobre la propia práctica profesional.
Se recomienda que el docente realice un trabajo
articulado con otras instituciones y recursos de la Ciudad, como ser: sectores
de Salud, Derechos Humanos y el Consejo de los Derechos de niños/as y
adolescentes. Como así también brindar información sobre el marco legal de referencia
para la educación sexual, en el ámbito internacional, nacional y local que
involucra la responsabilidad del Estado en materia de Educación sexual.
SEMINARIO: ENSEÑANZA PARA LA DIVERSIDAD
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 horas semanales
La inclusión del seminario Enseñanza para la
Diversidad tiene como propósito que los futuros profesores adopten un enfoque
para planificar la enseñanza que considere variadas estrategias en respuesta a
las necesidades y posibilidades de los alumnos.
La Enseñanza para la diversidad es un enfoque
socio-humanista de la educación que reconoce y legitima las diferencias
existentes entre los seres humanos. Dicho enfoque, alude a la distinción que se
establece entre personas y grupos; hace referencia a la variedad, abundancia,
pluralidad o heterogeneidad de los mismos, y no infiere valoración alguna que
indique la superioridad o relación jerárquica de unos sobre otros.
El discurso de atención a la diversidad se contrapone
a los criterios que se utilizaron a principios del siglo XX para establecer la
clasificación y la educación diferenciada de grupos homogéneos a lo largo de
todo el proceso de graduación de la enseñanza legitimando la señalización,
etiquetación y separación del alumnado “diferente” del “normal”, que condujo a
un proceso selectivo de escolarización, en el cual sólo los sujetos más
capacitados podían acceder y alcanzar los mayores niveles de educación.
El surgimiento del discurso de atención a la
diversidad en el campo educativo puede ser ubicado recién en las últimas
décadas del siglo XX, en el contexto de los cambios ocurridos en la comprensión
de las diferencias humanas, y en el compromiso asumido por los Estados de
garantizar los derechos de la ciudadanía, entre ellos el derecho de todos los
alumnos a la educación. Uno de los mayores retos con los que se encuentra
actualmente la educación básica es cómo abordar con calidad y equidad la
diversidad creciente del alumnado que acude a las aulas cada día.
Hoy, los profesores se enfrentan a la necesidad de
reestructurar las prácticas escolares, para que éstas puedan atender a la
diversidad del alumnado, porque la diversidad es la regla, y no la excepción. Y
además, porque las dificultades educativas ya no se atribuyen principalmente al
individuo sino a la escuela y al sistema; y en el mismo sentido, el progreso de
cada alumno ya no depende sólo de sus características personales sino del tipo
de oportunidades y apoyos que se le brinden.
Se espera que través de este seminario los futuros
docentes puedan:
• Comprender que el enfoque “Enseñanza para la
Diversidad” ofrece propuestas que, al considerar las diferencias físicas,
psicológicas, sociales y culturales de los alumnos en la formulación de las propuestas
didácticas, dan respuesta a su singularidad, propiciando así que todos ellos
reciban una educación de calidad y con equidad.
• Conocer los fundamentos teóricos de la “Enseñanza
para la Diversidad” y desarrollar estrategias de enseñanza para planificar,
organizar, llevar a la práctica y evaluar la enseñanza atendiendo a la
diversidad del alumnado.
Se organiza el seminario a través de contenidos que
contemplen:
La Enseñanza para la Diversidad como un enfoque
socio-humanista de la educación.
El “aula heterogénea” como núcleo básico de la
educación para la diversidad
La creación de entornos educativos que propician el
aprendizaje de todos los alumnos considerados en su singularidad.
La planificación y la organización flexible de la
enseñanza para la atención a la diversidad.
7.3.2 Espacios curriculares del campo de la formación
general específicos de los profesorados de Artes Visuales
SEMINARIO DE APRECIACIÓN ESTÉTICA
REGIMEN: ANUAL – 3 horas semanales
Este seminario propone estimular la percepción y
comprensión sensible (auditiva, visual) y reconocer aspectos constitutivos de
los lenguajes de las diversas expresiones artísticas: música, danza,
performance, teatro, cine y video, así como manifestaciones de la cultura
urbana y folklórica. Tener aproximación básica a la historia de las distintas
expresiones (música, danza, cine, etc.) y establecer relaciones entre las artes
visuales y otras áreas artísticas desde distintos abordajes.
Promover la familiarización con expresiones estéticas
y artísticas de distinta índole y alentar hacia estas tanto una actitud
fruitiva como cognitiva
Frente a la dominante panestetización
que -según afirman teóricos de la cultura como Frederic
Jameson-, afecta el mundo contemporáneo se torna
indispensable multiplicar las herramientas para la apreciación de la ecología
objetual así como para el desciframiento y la decodificación de distintas
disciplinas y géneros artísticos.
Se trabajarán contenidos relacionados con:
Recursos perceptivos y conceptuales para la
apreciación del sonido y sus fuentes las voces y sus instrumentos. Nociones de
ritmos, motivos, temas, aspectos armónicos.
Aproximación a los géneros musicales y la historia
musical. Producción de la música y la producción de formas y géneros.
Sintaxis del montaje musical. Géneros y puesta en
escena, opera, comedia musical, y representaciones.
Herramientas perceptivas conceptuales para el análisis
de los espectáculos, de la puesta en escena y sus sentidos. El espacio,
escenografía, iluminación, utilería y el vestuario, música, actuación. El
cuerpo cómo soporte y medio. Los movimientos corporales y la gestualidad como
expresión y producción de sentido. Tanto en expresiones de la danza teatrales y
performáticas. Introducción breve al panorama de la
danza: clásica, moderna, danza teatro
Medios audiovisuales: cine, video y video-arte. El
cine como arte .El discurso fílmico y el cine de autor. La imagen fílmica y su
composición: elementos básicos escenas, secuencias códigos y unidades significativas;
encuadres. El sonido y la luz y el color en la construcción de sentidos.
Aproximación histórica crítica
Se trabajará con la modalidad de aula taller en la
praxis de observación, y audición de obras de los distintos géneros y asistencia
a ver espectáculos en cartel durante la cursada.
7.4 Descripción de los espacios curriculares del CAMPO
DE LA FORMACIÓN ESPECÍFICA
7.4.1 Espacios curriculares del campo de la formación
específica comunes a todos los Profesorados de Música con Orientación en
Instrumento (Guitarra, Piano, Percusión, Flauta Traversa, Violín, Viola,
Violonchelo, Contrabajo, Clarinete, Trompeta, Trombón, Bandoneón)
INSTRUMENTO I, II, III y IV
REGIMEN: ANUAL – 16 HS. SEMANALES (6 hs presenciales +
10 hs de trabajo autónomo)
Esta asignatura se propone como un eje transversal a
lo largo de toda la formación.
Las cátedras de Instrumento presentan
diferencias de carga horaria de acuerdo al plan de estudios de los respectivos
profesorados, porque se enfatiza en la pedagogía musical o en la enseñanza del
instrumento de acuerdo a la orientación elegida.
El proceso formativo tiene como finalidad la
preparación de docentes-músicos para el desempeño en distintos niveles y
modalidades de la educación musical. Los conocimientos del instrumento se
relacionan con los contextos socioculturales e históricos en los que se
generaron las diversas estéticas y poéticas musicales y sonoras.
La práctica del instrumento se orienta hacia una
producción que, más allá de la lectura de la partitura, conciba la música como
un hecho artístico completo, en el sentido de apertura hacia un camino creativo
y de búsqueda estética. El dominio técnico sobre el instrumento o la voz, se
convierte en herramienta para que los estudiantes alcancen una interpretación
fluida de obras de diversas épocas, géneros y estilos, incluyendo las
performances de los siglos XX y XXI. Acorde a las exigencias contemporáneas, se
abordan cuestiones vinculadas con la puesta en escena y el empleo del audio
(analógico y/o digital) en interacción con el instrumento acústico. Las nuevas
tecnologías se han convertido en una herramienta indispensable para la
inserción del músico en el ámbito profesional.
La reflexión en torno a las estrategias específicas
aplicadas en la resolución de problemas musicales (técnicos, expresivos,
estilísticos) permite a los estudiantes apropiarse de dichas estrategias,
posibilitando la transposición didáctica necesaria para el trabajo docente.
A lo largo de toda la carrera, se gestionará
institucionalmente la difusión de las actividades artísticas y pedagógicas.
Para los espacios de instrumento se deberá adecuar la carga horaria en
función de la atención de los alumnos en forma individual y/o en pequeños
grupos.
La enseñanza se organiza alrededor de los siguientes
ejes de contenidos:
• Técnica del instrumento
• Interpretación
• Improvisación
• Repertorio
Criterios para la secuenciación de contenidos de Iº a
IVº año
La secuenciación y progresión de los contenidos será
objeto de desarrollo particular, graduándoselos de acuerdo a la evolución de
las habilidades técnicas correspondientes a cada etapa. El docente acuerda con
cada estudiante un repertorio de obras que se adecue a las características
particulares, edad, intereses y experiencia previa y que posibilite el
cumplimiento de los requisitos de superación creciente de las destrezas
interpretativas, técnicas y expresivas.
Además del estudio de obras del "repertorio universal",
se incluyen composiciones de autores latinoamericanos y argentinos, enfatizando
el conocimiento de aquellas músicas que generalmente no han sido contempladas
en los programas tradicionales de la asignatura.
Asimismo, el docente propicia situaciones que motiven
a los estudiantes para que se aproximen al repertorio musical contemporáneo,
conozcan y comprendan sus poéticas, reflexionando sobre los aspectos referidos
al contexto histórico, sociocultural y artístico en el que se ubica cada obra y
autor particular.
En cada año de la carrera se enfatizan diferentes
aspectos:
• En 1º año se construyen conocimientos a partir de la
ampliación de recursos técnico-instrumentales e interpretativos adquiridos con
anterioridad. Se considera el manejo intuitivo del instrumento en relación a la
exploración, la creación y la improvisación sonora –musical.
• En 2º año se desarrollan cuestiones vinculadas con
la interpretación y la comunicación artística. Se abordan aspectos
concernientes al género y estilo del repertorio musical de tradición académica
y de tradición popular (europea, argentina y latinoamericana).
• En 3º año se profundizan los saberes trabajados
anteriormente ampliando sus habilidades para la improvisación y la
interpretación de repertorio de música popular y/o contemporánea. También se
hace énfasis en el desarrollo de los aspectos performáticos
(lo verbal, gestual, corporal, teatral, tecnológico), implicados en el dominio
técnico del Instrumento y en la interpretación de obras en un sentido amplio.
• En 4º año se interpretan fluidamente obras de nivel
superior con dominio de la técnica instrumental. Se pondrá el énfasis en la
capacidad comunicativa tanto en situaciones de enseñanza como en situaciones de
concierto.
MÚSICA DE CÁMARA I, II, III y IV
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Esta asignatura se relaciona con otras del área de la
producción transitada durante la formación del docente-músico. La Música de
cámara constituye un eje privilegiado para recuperar las experiencias
previas de práctica musical grupal, profundizarlas y potenciar el intercambio
de ideas ampliando el horizonte del estudiante, transformando esta experiencia
en una vivencia placentera. La dinámica de esta propuesta promueve el saber
escuchar al otro y a sí mismo dentro de un producto sonoro común, liberando al
estudiante de un pensamiento estático en el que frecuentemente se ve encerrado
ante la intensa práctica individual que su formación, como músico instrumentista/cantante,
le exige. Por el contrario, esta práctica, desde el inicio de la formación,
entrena al músico en uno de los logros más difíciles que tiene que alcanzar en
su trayectoria: comunicar su propia interpretación en el diálogo con otros.
El recorrido además supone la reflexión y la
exploración colectiva sobre los aspectos fundamentales que hacen al armado
global de la obra e intervienen en una concertación ajustada (afinación,
rítmico, armónico, acústico, escénico).
En este espacio curricular se integran contenidos
relativos al lenguaje musical, la interpretación discursiva y la
contextualización socio-histórica de las obras, sin olvidar que el eje central
consiste en trabajar los contenidos concernientes a la concertación, desarrollo
de la autonomía, la exploración profunda de las fuentes y materiales sonoros y
la toma de decisiones grupales. Se ponen en juego distintos recursos técnicos e
interpretativos adquiridos en las cátedras de Instrumento/Canto, elementos
técnicos y prácticas de conjunto realizadas en el nivel que antecede. Los
alumnos tienen, a lo largo de los cuatro años, diversas oportunidades para
asumir diferentes roles (intérprete, director, transcriptor, arreglador) y
explorar los aspectos performáticos
(corporales/gestuales, fonales/ vocales, dramáticos y
coreográficos) para gestionar sus propios proyectos de conjunto.
Si bien la denominación Música de cámara remite
al repertorio clásico romántico, se alienta el trabajo con obras contemporáneas
(incluyendo la utilización de medios electroacústicos)
y ensambles que incluyan instrumentos de otras culturas y tradiciones
musicales.
También se explican los procedimientos de análisis
musical que facilitan la comprensión de las diversas configuraciones
discursivas que implican un progresivo conocimiento de las notaciones musicales
tradicionales y de aquellas usadas en la música contemporánea, así como también
supone la inclusión de arreglos cifrados, de concertaciones orales o mixtas.
Con el fin de vincular conceptos propios de la
práctica de la concertación con la realidad actual el docente puede elaborar
materiales escritos y organizar experiencias pedagógicas (asistencia a
conciertos, conferencias).
La enseñanza se organiza alrededor de los siguientes
ejes de contenidos:
• Empleo de recursos técnicos para resolver la
interpretación de conjunto. (manejo del tempo, afinación, articulaciones,
etc.).
• Actitudes y modos de interacción en los conjuntos
musicales
• Las decisiones grupales: selección del repertorio,
coordinación de ensayos, coevaluación de los procesos
• Criterios para la secuenciación de contenidos de Iº
a IVº año.
• Durante los cuatro años se trabaja sobre el
desarrollo progresivo de la capacidad de concertación de los alumnos. Esto se logra
a partir de complejizar las experiencias atendiendo a:
-el tipo de ensamble (solista y acompañante, dúos,
tríos, etc)
-el número de obras trabajadas y la complejidad de las
mismas
-el logro fluido del “estilo” dentro del repertorio
seleccionado
-el grado de autonomía de los alumnos en el armado de
los ensambles
En los dos últimos años de la carrera se incluyen
contenidos vinculados con la dirección/coordinación, la géstica
corporal, la planificación de ensayos y la dinámica de los grupos musicales.
El repertorio debe presentar dificultades técnicas e
interpretativas acordes al nivel instrumental de los alumnos, priorizando en la
selección la música latinoamericana y argentina.
ASIGNATURA: ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA MÚSICA
ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA MÚSICA I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
El músico-docente debe ser capaz de realizar una
lectura detallada del discurso musical analizando sus componentes para
re-integrarlos en una mirada conceptual sobre las producciones sonoras y
musicales. Se promueve una concepción superadora de la praxis fragmentaria,
donde el todo (la obra) es más que la suma de las partes (los niveles de
formación y el análisis de los elementos y técnicas compositivas).
Esta asignatura brinda a los estudiantes herramientas
para la comprensión de la música producida por diferentes culturas y en
diferentes contextos, y para la realización de producciones musicales
necesarias en su tarea como intérprete o como educador (arreglos,
transcripciones, instrumentaciones, etc.).
En las distintas instancias o situaciones de
aprendizaje (análisis auditivo, arreglos y composición de obras contemplando:
estructuras, forma, armonía, procedimientos compositivos, recursos expresivos,
instrumentación y orquestación) se abordan los lenguajes compositivos a partir
de la armonía romántica y post-romántica, transitando también el siglo XX y
XXI.
Se concibe la obra musical como un todo orgánico que
guía el trabajo en la asignatura.
Tanto en el aspecto analítico como en las producciones
musicales de los alumnos (que no son meras ejercitaciones) se aborda cada
aspecto (armonía, contrapunto, forma, instrumentación, etc.) sin perder de
vista la totalidad de la que forman parte y las relaciones de los diferentes
aspectos entre sí.
Se espera que los alumnos reconozcan los elementos
compositivos y discursivos en obras musicales y sonoras de diversos géneros y
estilos, y se inicien en la composición de arreglos musicales para conjuntos
instrumentales, vocales y mixtos incorporando instrumentos electroacústicos
y nuevas tecnologías. Asimismo, a través de ejercicios de transcripción y
creación se incorporan nociones vinculadas con la escritura y la notación
musical para distintos instrumentos.
Al vincular los conceptos referidos a los elementos
técnicos con los contextos sociales, culturales e históricos, el hecho
artístico es concebido en forma integral, por eso es oportuno incluir el
análisis de aquellas obras que forman parte del repertorio en estudio en los
espacios de Instrumento y Música de cámara.
En los dos años se abordan contenidos relacionados con
obras y autores representativos de los principales períodos y movimientos
estéticos musicales occidentales de fines del siglo XIX, y S XX (comienzos de
disolución de la tonalidad, cromatismo, politonalidad,
atonalismo, serialismo,
música concreta, abstracta y aleatoria, minimalismo, otras experiencias sonoras
con proyección en el SXXI).
ASIGNATURA: HISTORIA Y ESTÉTICA DE LA MÚSICA
HISTORIA Y ESTÉTICA DE LA MÚSICA I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
La asignatura está orientada hacia la indagación
general de los contextos y condiciones en los que se generaron las principales
corrientes estéticas y musicales de diversas sociedades, épocas, continentes y
culturas. El propósito de esta cátedra es plantearse preguntas acerca del mundo
actual y establecer relaciones con el pasado.
Se apunta a la construcción de marcos conceptuales
claros y precisos relacionados con el pensamiento filosófico de autores
relevantes de Europa, Latinoamérica y Argentina, a partir de los cuales se
facilite la comprensión de los lenguajes artísticos en general y de las
especificidades de las producciones artísticas y las teorías estéticas. La
reflexión se dirige a establecer relaciones y distinciones entre ciertos
conceptos fundamentales que están presentes en el horizonte de esta visión abarcativa.
Desde una perspectiva antropológica, se evita la
formulación de juicios fundados en el pensamiento etnocéntrico,
o de aquellos basados en una consideración evolutiva, jerárquica y
"lineal" del arte, por considerar que las expresiones artísticas y
estéticas pertenecen a situaciones históricas, sociales y culturales muy
diversas, que han de apreciarse desde las cosmovisiones y categorías propias de
cada cultura. Se incluyen problemáticas propias de la hermenéutica y de teorías
estéticas diversas. También se promueve la reflexión sobre la valoración y
apreciación de las diversas expresiones artísticas.
En el aspecto histórico el énfasis está puesto en el
estudio del arte producido en Argentina y en el continente americano, desde la
música y los instrumentos prehispánicos hasta la actualidad. La llamada
"Historia de la Música Universal" (que comprende desde la antigüedad
hasta el siglo XX) se aborda en forma global, mediante la definición de grandes
ciclos y núcleos temáticos como una estrategia que permite establecer
relaciones sincrónicas y diacrónicas entre diferentes sociedades y tiempos.
Cada obra musical es manifestación de un hombre, que vive en un contexto
cultural determinado, en una sociedad con rasgos particulares y en un lugar
geográfico; lo que implica una pertenencia a una cultura y micro cultura
mostrándose en concordancia con ésta.
Al finalizar la cursada de dos años, los estudiantes
podrán entender la diversidad de relaciones entre el fenómeno musical y los
desarrollos en las demás artes, analizar los diversos criterios de
periodización de la historia social y de la historia de la música, y reconocer
la permanencia, cambio o desaparición en el tiempo del uso de determinados
rasgos estilísticos.
También estarán en condiciones de comprender que las
obras que son interpretadas en la actualidad de una determinada manera no
fueron concebidas de igual modo en el pasado. Desde el presente se vuelven a
reinventar y recrear según las posibilidades estilísticas, estéticas y
tecnológicas.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LA MÚSICA
Didáctica de la música I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Caracterización general de la instancia curricular
En esta asignatura, que se articula con la Didáctica
General del campo de la Formación General, los estudiantes adquieren una visión
global del estado de situación de la didáctica contemporánea en el ámbito de la
educación musical.
A través de la revisión y análisis crítico de
bibliografía específica, se abordan dos núcleos para la conceptualización de la
materia:
• el concepto de conocimiento musical (que refiere al
desarrollo de capacidades comprometidas al cantar, tocar, escuchar o
crear/componer)
• el conocimiento acerca de la música (datos e
informaciones del hecho musical), como ejes organizadores del objeto a enseñar.
El proceso de enseñanza y el enfoque disciplinar de la
Didáctica de la música
Se presta especial atención al concepto de
transposición didáctica, con el objeto de establecer las diferencias existentes
entre el objeto de conocimiento propio del campo de la música y el objeto a
enseñar, y las implicancias que este proceso dinámico tiene para la tarea
profesional del docente.
Se espera que los estudiantes realicen una síntesis
personal de los lineamientos metodológicos que más se ajustan a las necesidades
profesionales, al analizar críticamente las producciones de los diversos pedagogos
musicales, identificando las problemáticas centrales que cada uno de sus
modelos intentó resolver a través del desarrollo de una metodología particular.
La planificación, la evaluación y los recursos
didácticos
Se espera que los futuros docentes adquieran
habilidades para la planificación y evaluación en los diversos niveles
educativos y produzcan recursos didácticos pertinentes para su uso en el aula,
al mismo tiempo que construyan criterios de selección de recursos musicales
adecuados para cada propuesta de trabajo áulico.
A lo largo de la cursada, los estudiantes realizan
actividades que les permiten adquirir un cuerpo de conocimientos sólidos en
torno a la didáctica específica, por ejemplo familiarizándose con los
documentos curriculares vigentes, elaborando propuestas didácticas, discutiendo
la eficacia de diversos instrumentos de evaluación, participando del análisis y
evaluación crítica de proyectos áulicos .
Didáctica de la música I
En este espacio, se realiza una reflexión crítica de
las propuestas de pedagogos musicales del siglo XX: Zoltan
Kodály, Carl Orff, Émile Jaques-Dalcroze, Maurice Martenot, Edgar Willems, Shin’ichi Suzuki, John Paynter, Francoise Dellalande, Murray Schafer, Violeta de Gainza y
Silvia Malbrán, entre otros.
Respecto de la metodología se profundiza: qué, cómo,
cuándo y a quiénes enseñar música, reconociendo las particularidades de la
enseñanza en los distintos niveles y modalidades educativas, analizando
objetivos y contenidos, elaborando propuestas de actividades a partir del
planteo de instrumentos que respondan a criterios de evaluación específicos.
Para dicha elaboración, se capitalizan los conocimientos adquiridos en los
espacios de la práctica docente (Proyecto de práctica I a IV).
Las intervenciones pedagógicas propuestas en la
asignatura “espacio de la práctica III” se planifican teniendo en cuenta las
necesidades de los destinatarios y los requerimientos del sistema educativo.
Complementariamente, se elaboran los recursos didácticos necesarios para la
puesta en marcha de dichas intervenciones.
Se enfatiza la lectura crítica de los diseños
curriculares vigentes de nivel inicial y primario. Asimismo, se reflexiona
acerca de la construcción del espacio artístico en el ámbito escolar, a partir
del planteo de estrategias de participación en la elaboración del PE.
Didáctica de la música II
Esta asignatura propone un análisis crítico de las
experiencias acumuladas en las diversas intervenciones pedagógicas realizadas
hasta el momento, para la elaboración de los proyectos de la futura residencia
docente.
La elaboración de recursos didácticos, y la selección
de recursos musicales como material para el trabajo de aula será el eje
principal de la materia. No obstante, se enfatiza el abordaje de la
organización y secuenciación de contenidos para los distintos niveles de
educación formal (inicial, primaria, especial, escuelas de música, media).
Se propone la lectura crítica de los programas y/o
diseños curriculares vigentes, en particular los correspondientes al nivel
medio. También se promueve que los estudiantes elaboren algún proyecto de
enseñanza musical, posible de llevar a cabo en alguna instancia de educación no
formal.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DEL INSTRUMENTO
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
En este espacio curricular se abordan los aspectos
metodológicos, los recursos didácticos y la evaluación del repertorio acordes a
la finalidad que la enseñanza del instrumento tiene en los distintos niveles y
modalidades del sistema educativo.
La reflexión en torno a los procesos de enseñanza y
aprendizaje del instrumento abarca tanto cuestiones técnicas y estilísticas
para la interpretación de las obras como también las cuestiones vinculadas al
estudio eficaz. El sentido es integrar distintos enfoques didácticos y
estrategias metodológicas.
La intervención del docente ofrece un andamiaje
intelectual y operativo que permite direccionar la acción y pensar acerca de
los problemas generales y particulares de la didáctica específica. El
aprendizaje es un proceso que implica al alumno, la didáctica entonces, es la
conceptualización de dicho proceso que involucra la utilización de una serie de
recursos técnicos para dirigir y facilitar el aprendizaje.
En principio, se busca la identificación de los
paradigmas filosóficos estéticos en los que se enmarcan las diferentes
“escuelas” o métodos de enseñanza del instrumento sobre los que se construye la
propia praxis. A partir de allí, el docente plantea una reflexión
crítica para la valoración de las fortalezas y debilidades de esos modelos
tradicionales.
El planeamiento de la práctica del instrumento
requiere de un análisis consciente de todos los factores que intervienen en la
misma: la regularidad y extensión del tiempo de estudio, las estrategias de
precalentamiento y resolución de problemas, la escucha previa de diferentes
versiones de las obras escogidas, el entrenamiento de la memoria, la lectura a
primera vista, la preparación emotiva para afrontar la situación de
interpretación (frente al público y /o grabación en estudio), entre otras. Este
análisis contribuye al desarrollo de estrategias metacognitivas,
y abre posibilidades para la formulación de nuevos modos de enseñanza que
refuercen una práctica más eficaz e inclusiva.
El estudiante, debe comprender que su intervención
pedagógica tiene por finalidad integrar cuestiones vinculadas con lo corporal,
las características acústicas de su instrumento y el comportamiento del sonido,
el análisis de las obras y principalmente, las características singulares de
cada uno de sus futuros alumnos (sus saberes previos, sus necesidades e
intereses, su contexto de pertenencia, etc.). El profesor de instrumento debe
adquirir estrategias didácticas para desarrollar un vínculo ameno con sus alumnos
y a la vez, ayudarlos a construir una relación positiva con la música. Una de
las estrategias de la etapa inicial consiste en un trabajo de aproximación
auditiva y motriz con el instrumento, que genere respuestas intuitivas en el
estudiante.
La reflexión en clase también aborda cuestiones
vinculadas a los ámbitos de la enseñanza instrumental: las características de
la enseñanza en las escuelas de música, en las orquestas infanto-juveniles, en
el nivel medio artístico, entre otros en los que los estudiantes desarrollarán
a futuro su práctica profesional.
El trabajo en las clases presenciales se completa con
el análisis y comentario de tratados y bibliografía pedagógica específica para
la enseñanza del instrumento, y el abordaje contextual de la obra. En este
espacio curricular se contempla también la observación de clases de
instrumento, la participación en clases magistrales, la preparación de
conciertos de alumnos y el análisis crítico de material audiovisual. Se espera
que los estudiantes logren una síntesis de los aportes del campo de la
formación específica, de la formación general y de la formación en la práctica
docente.
ASIGNATURA: TALLER DE GRABACION / EDICIÓN DEL SONIDO
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Este taller plantea una aproximación a las
herramientas de audio digital y analógico disponibles. Los estudiantes aprenden
a manejar las aplicaciones más frecuentes de los distintos software utilizados
para la grabación, mezcla, masterización y edición de
música en forma autónoma, utilizando la PC u otros medios (telefonía celular) y
formatos (mp3, mp4).
También le aporta al intérprete un saber tecnológico
que le permite potenciar el efecto sonoro de su interpretación. Para tal fin,
se incluye el abordaje de contenidos básicos de acústica, tales como: las
propiedades del sonido (frecuencia, amplitud, timbre, envolvente dinámica,
fase, longitud de onda) y el comportamiento del sonido (absorción, reflexión,
difusión y reverberación) en ámbitos físicos diferentes.
Hay que ofrecer oportunidades para que los estudiantes
diseñen el sonido de espectáculos al aire libre y en interiores diversos
poniendo en juego sus conocimientos técnicos adquiridos. A partir del análisis
y la comprensión de las características del audio “en vivo” los alumnos
contemplan dos variables en simultáneo: el comportamiento del grupo de músicos
en el escenario y la planificación, descripción, elección, armado y
distribución de sistemas de audio en función del espacio escénico (micrófonos,
cableado, consola, amplificador, retornos, etc.). De esta forma, los
estudiantes construyen criterios para el diseño técnico de espectáculos como
dimensión esencial del fenómeno artístico.
7.4.2 Espacios curriculares del campo de la formación
específica del Profesorado de Música con orientación en Canto
ASIGNATURA: CANTO
(CANTO I, CANTO II, CANTO III y CANTO IV)
REGIMEN: ANUAL – 16 HS. SEMANALES (6 hs presenciales +
10 hs de trabajo autónomo)
Esta asignatura se propone como un eje transversal a
lo largo de toda la formación.
Las cátedras de Canto presentan diferencias de carga
horaria de acuerdo al plan de estudios de los respectivos profesorados, porque
se enfatiza en la pedagogía musical o en la enseñanza del instrumento/canto de
acuerdo a la orientación elegida.
El proceso formativo tiene como finalidad la
preparación de docentes-músicos para el desempeño en distintos niveles y
modalidades de la educación musical. Los conocimientos del canto se relacionan
con los contextos socioculturales e históricos en los que se generaron las
diversas estéticas y poéticas musicales y sonoras.
La práctica del canto se orienta hacia una producción
que, más allá de la lectura de la partitura, conciba la música como un hecho
artístico completo, en el sentido de apertura hacia un camino creativo y de
búsqueda estética. El dominio técnico sobre el instrumento o la voz, se
convierte en herramienta para que los estudiantes alcancen una interpretación
fluida de obras de diversas épocas, géneros y estilos, incluyendo las
performances de los siglos XX y XXI. Acorde a las exigencias contemporáneas, se
abordan cuestiones vinculadas con la puesta en escena y el empleo del audio
(analógico y/o digital) en interacción con el instrumento acústico. Las nuevas
tecnologías se han convertido en una herramienta indispensable para la
inserción del músico en el ámbito profesional.
La reflexión en torno a las estrategias específicas
aplicadas en la resolución de problemas musicales (técnicos, expresivos,
estilísticos) permite a los estudiantes apropiarse de dichas estrategias,
posibilitando la transposición didáctica necesaria para el trabajo docente.
A lo largo de toda la carrera, se gestionará
institucionalmente la difusión de las actividades artísticas y pedagógicas.
Para los espacios de canto se deberá adecuar la carga horaria en función de la
atención de los alumnos en forma individual y/o en pequeños grupos.
La enseñanza se organiza alrededor de los siguientes
ejes de contenidos:
• Técnica vocal
• Interpretación
• Improvisación
• Repertorio
Criterios para la secuenciación de contenidos de Iº a
IVº año
La secuenciación y progresión de los contenidos será
objeto de desarrollo particular, graduándoselos de acuerdo a la evolución de
las habilidades técnicas correspondientes a cada etapa. El docente acuerda con
cada estudiante un repertorio de obras que se adecue a las características
particulares, edad, intereses y experiencia previa y que posibilite el
cumplimiento de los requisitos de superación creciente de las destrezas
interpretativas, técnicas y expresivas.
Además del estudio de obras del "repertorio
universal", se incluyen composiciones de autores latinoamericanos y
argentinos, enfatizando el conocimiento de aquellas músicas que generalmente no
han sido contempladas en los programas tradicionales de la asignatura.
Asimismo, el docente propicia situaciones que motiven
a los estudiantes para que se aproximen al repertorio musical contemporáneo,
conozcan y comprendan sus poéticas, reflexionando sobre los aspectos referidos
al contexto histórico, sociocultural y artístico en el que se ubica cada obra y
autor particular.
En cada año de la carrera se enfatizan diferentes
aspectos:
• En 1º año se construyen conocimientos a partir de la
ampliación de recursos técnicos vocales e interpretativos adquiridos con
anterioridad. Se considera el manejo intuitivo del canto en relación a la
exploración, la creación y la improvisación sonora –musical.
• En 2º año se desarrollan cuestiones vinculadas con
la interpretación y la comunicación artística. Se abordan aspectos
concernientes al género y estilo del repertorio musical de tradición académica
y de tradición popular (europea, argentina y latinoamericana).
• En 3º año se profundizan los saberes trabajados
anteriormente ampliando sus habilidades para la improvisación y la
interpretación de repertorio de música popular y/o contemporánea. También se
hace énfasis en el desarrollo de los aspectos performáticos
(lo verbal, gestual, corporal, teatral, tecnológico), implicados en el dominio
técnico del Canto y en la interpretación de obras en
un sentido amplio.
• En 4º año se interpretan fluidamente obras de nivel
superior con dominio de la técnica vocal. Se pondrá el énfasis en la capacidad
comunicativa tanto en situaciones de enseñanza como en situaciones de
concierto.
ASIGNATURA: MÚSICA DE CÁMARA
(MÚSICA DE CÁMARA I, MÚSICA DE CÁMARA II, MÚSICA DE
CÁMARA III y
MÚSICA DE CÁMARA IV)
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Esta asignatura se relaciona con otras del área de la
producción transitada durante la formación del docente-músico. La Música de
cámara constituye un eje privilegiado para recuperar las experiencias previas
de práctica musical grupal, profundizarlas y potenciar el intercambio de ideas
ampliando el horizonte del estudiante, transformando esta experiencia en una
vivencia placentera. La dinámica de esta propuesta promueve el saber escuchar
al otro y a sí mismo dentro de un producto sonoro común, liberando al estudiante
de un pensamiento estático en el que frecuentemente se ve encerrado ante la
intensa práctica individual que su formación, como músico cantante, le exige.
Por el contrario, esta práctica, desde el inicio de la
formación, entrena al músico en uno de los logros más difíciles que tiene que
alcanzar en su trayectoria: comunicar su propia interpretación en el diálogo
con otros.
El recorrido además supone la reflexión y la
exploración colectiva sobre los aspectos fundamentales que hacen al armado
global de la obra e intervienen en una concertación ajustada (afinación,
rítmico, armónico, acústico, escénico).
En este espacio curricular se integran contenidos
relativos al lenguaje musical, la interpretación discursiva y la
contextualización socio-histórica de las obras, sin olvidar que el eje central
consiste en trabajar los contenidos concernientes a la concertación, desarrollo
de la autonomía, la exploración profunda de las fuentes y materiales sonoros y
la toma de decisiones grupales. Se ponen en juego distintos recursos técnicos e
interpretativos adquiridos en las cátedras de Canto, elementos técnicos y
prácticas de conjunto realizadas en el nivel que antecede. Los alumnos tienen,
a lo largo de los cuatro años, diversas oportunidades para asumir diferentes
roles (intérprete, director, transcriptor, arreglador) y explorar los aspectos performáticos (corporales/gestuales, fonales/
vocales, dramáticos y coreográficos) para gestionar sus propios proyectos de
conjunto.
Si bien la denominación Música de cámara remite al
repertorio clásico romántico, se alienta el trabajo con obras contemporáneas
(incluyendo la utilización de medios electroacústicos)
y ensambles que incluyan instrumentos de otras culturas y tradiciones musicales.
También se explican los procedimientos de análisis
musical que facilitan la comprensión de las diversas configuraciones
discursivas que implican un progresivo conocimiento de las notaciones musicales
tradicionales y de aquellas usadas en la música contemporánea, así como también
supone la inclusión de arreglos cifrados, de concertaciones orales o mixtas.
Con el fin de vincular conceptos propios de la
práctica de la concertación con la realidad actual el docente puede elaborar
materiales escritos y organizar experiencias pedagógicas (asistencia a
conciertos, conferencias).
La enseñanza se organiza alrededor de los siguientes
ejes de contenidos:
• Empleo de recursos técnicos para resolver la
interpretación de conjunto. (manejo del tempo, afinación, articulaciones,
etc.).
• Actitudes y modos de interacción en los conjuntos
musicales
• Las decisiones grupales: selección del repertorio,
coordinación de ensayos, coevaluación de los procesos
Criterios para la secuenciación de contenidos de Iº a
IVº año.
Durante los cuatro años se trabaja sobre el desarrollo
progresivo de la capacidad de concertación de los alumnos. Esto se logra a
partir de complejizar las experiencias atendiendo a:
• el tipo de ensamble (solista y acompañante, dúos,
tríos, etc)
• el número de obras trabajadas y la complejidad de
las mismas
• el logro fluido del “estilo” dentro del repertorio
seleccionado
• el grado de autonomía de los alumnos en el armado de
los ensambles
En los dos últimos años de la carrera se incluyen
contenidos vinculados con la dirección/coordinación, la géstica
corporal, la planificación de ensayos y la dinámica de los grupos musicales.
El repertorio debe presentar dificultades técnicas e
interpretativas acordes al nivel vocal de los alumnos, priorizando en la
selección la música latinoamericana y argentina.
ASIGNATURA: ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA MÚSICA
(ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA MÚSICA I y II)
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
El músico-docente debe ser capaz de realizar una lectura
detallada del discurso musical analizando sus componentes para re-integrarlos
en una mirada conceptual sobre las producciones sonoras y musicales. Se
promueve una concepción superadora de la praxis fragmentaria, donde el todo (la
obra) es más que la suma de las partes (los niveles de formación y el análisis
de los elementos y técnicas compositivas).
Esta asignatura brinda a los estudiantes herramientas
para la comprensión de la música producida por diferentes culturas y en
diferentes contextos, y para la realización de producciones musicales
necesarias en su tarea como intérprete o como educador (arreglos,
transcripciones, instrumentaciones, etc.).
En las distintas instancias o situaciones de
aprendizaje (análisis auditivo, arreglos y composición de obras contemplando:
estructuras, forma, armonía, procedimientos compositivos, recursos expresivos,
instrumentación y orquestación) se abordan los lenguajes compositivos a partir
de la armonía romántica y post-romántica, transitando también el siglo XX y XXI.
Se concibe la obra musical como un todo orgánico que
guía el trabajo en la asignatura.
Tanto en el aspecto analítico como en las producciones
musicales de los alumnos (que no son meras ejercitaciones) se aborda cada
aspecto (armonía, contrapunto,
forma, instrumentación, etc.) sin perder de vista la
totalidad de la que forman parte y las relaciones de los diferentes aspectos
entre sí.
Se espera que los alumnos reconozcan los elementos
compositivos y discursivos en obras musicales y sonoras de diversos géneros y
estilos, y se inicien en la composición de arreglos musicales para conjuntos
instrumentales, vocales y mixtos incorporando instrumentos electroacústicos
y nuevas tecnologías. Asimismo, a través de ejercicios de transcripción y
creación se incorporan nociones vinculadas con la escritura y la notación
musical para distintos instrumentos.
Al vincular los conceptos referidos a los elementos
técnicos con los contextos sociales, culturales e históricos, el hecho
artístico es concebido en forma integral, por eso es oportuno incluir el
análisis de aquellas obras que forman parte del repertorio en estudio en los
espacios de Instrumento y Música de cámara.
En los dos años se abordan contenidos relacionados con
obras y autores representativos de los principales períodos y movimientos
estéticos musicales occidentales de fines del siglo XIX, y S XX (comienzos de
disolución de la tonalidad,
cromatismo, politonalidad, atonalismo, serialismo, música
concreta, abstracta y aleatoria, minimalismo, otras experiencias sonoras con
proyección en el SXXI).
ASIGNATURA: HISTORIA Y ESTÉTICA DE LA MÚSICA
(HISTORIA Y ESTÉTICA DE LA MÚSICA I y II)
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
La asignatura está orientada hacia la indagación
general de los contextos y condiciones en los que se generaron las principales
corrientes estéticas y musicales de diversas sociedades, épocas, continentes y
culturas. El propósito de esta cátedra es plantearse preguntas acerca del mundo
actual y establecer relaciones con el pasado.
Se apunta a la construcción de marcos conceptuales
claros y precisos relacionados con el pensamiento filosófico de autores
relevantes de Europa, Latinoamérica y Argentina, a partir de los cuales se
facilite la comprensión de los lenguajes artísticos en general y de las
especificidades de las producciones artísticas y las teorías estéticas. La
reflexión se dirige a establecer relaciones y distinciones entre ciertos
conceptos fundamentales que están presentes en el horizonte de esta visión abarcativa.
Desde una perspectiva antropológica, se evita la
formulación de juicios fundados en el pensamiento etnocéntrico,
o de aquellos basados en una consideración evolutiva, jerárquica y
"lineal" del arte, por considerar que las expresiones artísticas y
estéticas pertenecen a situaciones históricas, sociales y culturales muy
diversas, que han de apreciarse desde las cosmovisiones y categorías propias de
cada cultura. Se incluyen problemáticas propias de la hermenéutica y de teorías
estéticas diversas. También se promueve la reflexión sobre la valoración y
apreciación de las diversas expresiones artísticas.
En el aspecto histórico el énfasis está puesto en el
estudio del arte producido en Argentina y en el continente americano, desde la
música y los instrumentos prehispánicos hasta la actualidad. La llamada
"Historia de la Música Universal" (que comprende desde la antigüedad
hasta el siglo XX) se aborda en forma global, mediante la definición de grandes
ciclos y núcleos temáticos como una estrategia que permite establecer
relaciones sincrónicas y diacrónicas entre diferentes sociedades y tiempos.
Cada obra musical es manifestación de un hombre, que vive en un contexto
cultural determinado, en una sociedad con rasgos particulares y en un lugar
geográfico; lo que implica una pertenencia a una cultura y micro cultura
mostrándose en concordancia con ésta.
Al finalizar la cursada de dos años, los estudiantes
podrán entender la diversidad de relaciones entre el fenómeno musical y los
desarrollos en las demás artes, analizar los diversos criterios de
periodización de la historia social y de la historia de la música, y reconocer
la permanencia, cambio o desaparición en el tiempo del uso de determinados
rasgos estilísticos.
También estarán en condiciones de comprender que las
obras que son interpretadas en la actualidad de una determinada manera no
fueron concebidas de igual modo en el pasado. Desde el presente se vuelven a
reinventar y recrear según las posibilidades estilísticas, estéticas y
tecnológicas.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LA MÚSICA
(Didáctica de la música I y Didáctica de la música II)
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Caracterización general de la instancia curricular
En esta asignatura, que se articula con la Didáctica
General del campo de la Formación General, los estudiantes adquieren una visión
global del estado de situación de la didáctica contemporánea en el ámbito de la
educación musical.
A través de la revisión y análisis crítico de
bibliografía específica, se abordan dos núcleos para la conceptualización de la
materia:
• el concepto de conocimiento musical (que refiere al
desarrollo de capacidades comprometidas al cantar, tocar, escuchar o
crear/componer)
• el conocimiento acerca de la música (datos e
informaciones del hecho musical), como ejes organizadores del objeto a enseñar.
El proceso de enseñanza y el enfoque disciplinar de la
Didáctica de la música
Se presta especial atención al concepto de
transposición didáctica, con el objeto de establecer las diferencias existentes
entre el objeto de conocimiento propio del campo de la música y el objeto a
enseñar, y las implicancias que este proceso dinámico tiene para la tarea
profesional del docente.
Se espera que los estudiantes realicen una síntesis
personal de los lineamientos metodológicos que más se ajustan a las necesidades
profesionales, al analizar críticamente las producciones de los diversos
pedagogos musicales, identificando las problemáticas centrales que cada uno de
sus modelos intentó resolver a través del desarrollo de una metodología
particular.
La planificación, la evaluación y los recursos
didácticos
Se espera que los futuros docentes adquieran
habilidades para la planificación y evaluación en los diversos niveles
educativos y produzcan recursos didácticos pertinentes para su uso en el aula,
al mismo tiempo que construyan criterios de selección de recursos musicales
adecuados para cada propuesta de trabajo áulico.
A lo largo de la cursada, los estudiantes realizan
actividades que les permiten adquirir un cuerpo de conocimientos sólidos en
torno a la didáctica específica, por ejemplo familiarizándose con los
documentos curriculares vigentes, elaborando propuestas didácticas, discutiendo
la eficacia de diversos instrumentos de evaluación, participando del análisis y
evaluación crítica de proyectos áulicos .
Didáctica de la música I
En este espacio, se realiza una reflexión crítica de
las propuestas de pedagogos musicales del siglo XX: Zoltan
Kodály, Carl Orff, Émile Jaques-Dalcroze, Maurice Martenot, Edgar Willems, Shin’ichi Suzuki, John Paynter, Francoise Dellalande, Murray Schafer, Violeta de Gainza y
Silvia Malbrán, entre otros.
Respecto de la metodología se profundiza: qué, cómo,
cuándo y a quiénes enseñar música, reconociendo las particularidades de la
enseñanza en los distintos niveles y modalidades educativas, analizando
objetivos y contenidos, elaborando propuestas de actividades a partir del
planteo de instrumentos que respondan a criterios de evaluación específicos.
Para dicha elaboración, se capitalizan los conocimientos adquiridos en los
espacios de la práctica docente (Proyecto de práctica I a IV).
Las intervenciones pedagógicas propuestas en la
asignatura “espacio de la práctica III” se planifican teniendo en cuenta las
necesidades de los destinatarios y los requerimientos del sistema educativo.
Complementariamente, se elaboran los recursos didácticos necesarios para la
puesta en marcha de dichas intervenciones.
Se enfatiza la lectura crítica de los diseños
curriculares vigentes de nivel inicial y primario. Asimismo, se reflexiona
acerca de la construcción del espacio artístico en el ámbito escolar, a partir
del planteo de estrategias de participación en la elaboración del PE.
Didáctica de la música II
Esta asignatura propone un análisis crítico de las experiencias
acumuladas en las diversas intervenciones pedagógicas realizadas hasta el
momento, para la elaboración de los proyectos de la futura residencia docente.
La elaboración de recursos didácticos, y la selección
de recursos musicales como material para el trabajo de aula será el eje
principal de la materia. No obstante, se enfatiza el abordaje de la
organización y secuenciación de contenidos para los distintos niveles de
educación formal (inicial, primaria, especial, escuelas de música, media).
Se propone la lectura crítica de los programas y/o
diseños curriculares vigentes, en particular los correspondientes al nivel
medio. También se promueve que los estudiantes elaboren algún proyecto de
enseñanza musical, posible de llevar a cabo en alguna instancia de educación no
formal.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DEL CANTO
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
En este espacio curricular se abordan los aspectos
metodológicos, los recursos didácticos y la evaluación del repertorio acordes a
la finalidad que la enseñanza del canto tiene en los distintos niveles y
modalidades del sistema educativo.
La reflexión en torno a los procesos de enseñanza y
aprendizaje del canto abarca tanto cuestiones técnicas y estilísticas para la
interpretación de las obras como también las cuestiones vinculadas al estudio
eficaz. El sentido es integrar distintos enfoques didácticos y estrategias
metodológicas.
La intervención del docente ofrece un andamiaje
intelectual y operativo que permite direccionar la acción y pensar acerca de
los problemas generales y particulares de la didáctica específica. El
aprendizaje es un proceso que implica al alumno; la didáctica entonces, es la
conceptualización de dicho proceso que involucra la utilización de una serie de
recursos técnicos para dirigir y facilitar el aprendizaje.
En principio, se busca la identificación de los
paradigmas filosóficos estéticos en los que se enmarcan las diferentes
“escuelas” o métodos de enseñanza del canto sobre los que se construye la
propia praxis. A partir de allí, el docente plantea una reflexión crítica para
la valoración de las fortalezas y debilidades de esos modelos tradicionales.
El planeamiento de la práctica del canto requiere de
un análisis consciente de todos los factores que intervienen en la misma: la
regularidad y extensión del tiempo de estudio, las estrategias de
precalentamiento y resolución de problemas, la escucha previa de diferentes
versiones de las obras escogidas, el entrenamiento de la memoria, la lectura a
primera vista, la preparación emotiva para afrontar la situación de
interpretación (frente al público y /o grabación en estudio), entre otras. Este
análisis contribuye al desarrollo de estrategias metacognitivas,
y abre posibilidades para la
formulación de nuevos modos de enseñanza que refuercen
una práctica más eficaz e inclusiva.
El estudiante, debe comprender que su intervención
pedagógica tiene por finalidad integrar cuestiones vinculadas con lo corporal,
las características acústicas de la voz y el comportamiento del sonido, el
análisis de las obras y principalmente, las características singulares de cada
uno de sus futuros alumnos (sus saberes previos, sus necesidades e intereses,
su contexto de pertenencia, etc.). El profesor de canto debe adquirir
estrategias didácticas para desarrollar un vínculo ameno con sus alumnos y a la
vez, ayudarlos a construir una relación positiva con la música. Una de las
estrategias de la etapa inicial consiste en un trabajo de aproximación auditiva
y
corporal con la voz (su instrumento), que genere
respuestas intuitivas en el estudiante.
La reflexión en clase también aborda cuestiones
vinculadas a los ámbitos de la enseñanza vocal: las características de la
enseñanza en las escuelas de música, en el nivel medio artístico, entre otros en
los que los estudiantes desarrollarán a futuro su práctica profesional.
El trabajo en las clases presenciales se completa con
el análisis y comentario de tratados y bibliografía pedagógica específica para
la enseñanza del canto, y el abordaje contextual de la obra. En este espacio
curricular se contempla también la observación de clases de canto, la
participación en clases magistrales, la preparación de conciertos de alumnos y
el análisis crítico de material audiovisual. Se espera que los estudiantes logren
una síntesis de los aportes del campo de la formación específica, de la
formación general y de la formación en la práctica docente.
ASIGNATURA: TALLER DE GRABACION / EDICIÓN DEL SONIDO
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Este taller plantea una aproximación a las
herramientas de audio digital y analógico disponibles. Los estudiantes aprenden
a manejar las aplicaciones más frecuentes de los distintos software utilizados
para la grabación, mezcla, masterización y edición de
música en forma autónoma, utilizando la PC u otros medios (telefonía celular) y
formatos (mp3, mp4).
También le aporta al intérprete un saber tecnológico
que le permite potenciar el efecto sonoro de su interpretación. Para tal fin,
se incluye el abordaje de contenidos básicos de acústica, tales como: las
propiedades del sonido (frecuencia, amplitud, timbre,
envolvente dinámica, fase, longitud de onda) y el
comportamiento del sonido (absorción, reflexión, difusión y reverberación) en
ámbitos físicos diferentes.
Hay que ofrecer oportunidades para que los estudiantes
diseñen el sonido de espectáculos al aire libre y en interiores diversos
poniendo en juego sus conocimientos técnicos adquiridos. A partir del análisis
y la comprensión de las características del audio “en vivo” los alumnos
contemplan dos variables en simultáneo: el comportamiento del grupo de músicos
en el escenario y la planificación, descripción,
elección, armado y distribución de sistemas de audio
en función del espacio escénico (micrófonos, cableado, consola, amplificador,
retornos, etc.). De esta forma, los estudiantes construyen criterios para el
diseño técnico de espectáculos como dimensión esencial del fenómeno artístico.
7.4.3 Espacios curriculares del campo de la formación
específica del Profesorado de Música con orientación en Educación Musical
INSTRUMENTO I, II, III y IV
REGIMEN: ANUAL – 10 HS. SEMANALES (4 hs presenciales +
6 hs de trabajo autónomo)
Esta asignatura se propone como un eje transversal a
lo largo de toda la formación.
Las cátedras de Instrumento / Canto presentan
diferencias de carga horaria de acuerdo al plan de estudios de los respectivos
profesorados, porque se enfatiza en la pedagogía musical o en la enseñanza del
instrumento / canto de acuerdo a la orientación elegida.
El proceso formativo tiene como finalidad la
preparación de docentes-músicos para el desempeño en distintos niveles y
modalidades de la educación musical. Los conocimientos del instrumento/canto se
relacionan con los contextos socioculturales e históricos en los que se
generaron las diversas estéticas y poéticas musicales y sonoras.
La práctica del instrumento / canto se orienta hacia
una producción que, más allá de la lectura de la partitura, conciba la música
como un hecho artístico completo, en el sentido de apertura hacia un camino
creativo y de búsqueda estética. El dominio técnico sobre el instrumento o la
voz, se convierte en herramienta para que los estudiantes alcancen una
interpretación fluida de obras de diversas épocas, géneros y estilos,
incluyendo las performances de los siglos XX y XXI. Acorde a las exigencias
contemporáneas, se abordan cuestiones vinculadas con la puesta en escena y el
empleo del audio (analógico y/o digital) en
interacción con el instrumento acústico. Las nuevas tecnologías se han
convertido en una herramienta indispensable para la inserción del músico en el
ámbito profesional.
La reflexión en torno a las estrategias específicas
aplicadas en la resolución de problemas musicales (técnicos, expresivos,
estilísticos) permite a los estudiantes apropiarse de dichas estrategias,
posibilitando la transposición didáctica necesaria para el trabajo docente.
La enseñanza se organiza alrededor de los siguientes
ejes de contenidos:
• Técnica del instrumento / Técnica vocal
• Interpretación
• Improvisación
• Repertorio
El estudiante, durante los cuatro años de cursada,
desarrolla habilidades para interpretar con la mayor riqueza posible obras de distintos
géneros y estilos, incluyendo el repertorio popular argentino, latinoamericano,
jazz y/u otros; improvisar melodías sobre un bajo dado, o improvisar armonías
sobre una melodía dada; acompañar ejecuciones de distintas formaciones
instrumentales de un grupo de alumnos; hacer una rápida transposición de
materiales, que permita adecuarlos a las voces y/o instrumentos disponibles,
entre otras. Esta descripción responde a los
desempeños que un docente versátil debe poseer.
A lo largo de toda la carrera, se gestionará
institucionalmente la difusión de las actividades artísticas y pedagógicas.
Criterios para la secuenciación de contenidos de Iº a
IVº año
La secuenciación y progresión de los contenidos será
objeto de desarrollo particular, graduándoselos de acuerdo a la evolución de
las habilidades técnicas correspondientes a cada etapa. El docente acuerda con
cada estudiante un repertorio de obras que se adecue a las características
particulares, edad, intereses y experiencia previa y que posibilite el cumplimiento
de los requisitos de superación creciente de las destrezas interpretativas,
técnicas y expresivas.
Además del estudio de obras del "repertorio
universal", se incluyen composiciones de autores latinoamericanos y
argentinos, enfatizando el conocimiento de aquellas músicas que generalmente no
han sido contempladas en los programas tradicionales de la asignatura.
Asimismo, el docente propicia situaciones que motiven
a los estudiantes para que se aproximen al repertorio musical contemporáneo,
conozcan y comprendan sus poéticas, reflexionando sobre los aspectos referidos
al contexto histórico, sociocultural y artístico en el que se ubica cada obra y
autor particular.
En cada año de la carrera se enfatizan diferentes
aspectos:
• En 1º año se construyen conocimientos a partir de la
ampliación de recursos técnico-instrumentales e interpretativos adquiridos con
anterioridad. Se considera el manejo intuitivo del instrumento/canto en
relación a la exploración, la creación y la improvisación sonora –musical.
• En 2º año se desarrollan cuestiones vinculadas con
la interpretación y la comunicación artística. Se abordan aspectos
concernientes al género y estilo del repertorio musical de tradición académica
y de tradición popular (europea, argentina y latinoamericana).
• En 3º año se profundizan los saberes trabajados
anteriormente ampliando sus habilidades para la improvisación y la
interpretación de repertorio de música popular y/o contemporánea. También se
hace énfasis en el desarrollo de los aspectos performáticos
(lo verbal, gestual, corporal, teatral, tecnológico), implicados en el dominio
técnico del Instrumento / Canto y en la interpretación
de obras en un sentido amplio.
• En 4º año se interpretan fluidamente obras de nivel
superior con dominio de la técnica instrumental / vocal. Se pondrá el énfasis
en la capacidad comunicativa tanto en situaciones de enseñanza como en
situaciones de concierto.
ASIGNATURA: TALLER DE INSTRUMENTOS
TALLER DE INSTRUMENTOS I (Aerófonos)
TALLER DE INSTRUMENTOS II (cordófonos)
TALLER DE INSTRUMENTOS III (idiófonos
y membranófonos)
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Caracterización general de la instancia curricular Los
talleres se proponen como un espacio para que los alumnos desarrollen
conocimientos acerca de las posibilidades de ejecución/interpretación y
creación (técnicas, rítmicas, expresivas y estilísticas) de una variada gama de
instrumentos. En la práctica grupal se atienden tanto cuestiones técnicas de la
interpretación individual como las capacidades de interacción necesarias para
formar parte de proyectos colectivos (concertación).
En la práctica grupal se capitalizan también los
conocimientos adquiridos respecto de los instrumentos principales de cada
alumno, para formar diversidad de ensambles.
Siendo este espacio el único que atiende a la práctica
de conjunto, se trabajan las capacidades vinculadas con la realización de más
de una tarea simultáneamente:
cantar y tocar, tocar y escuchar, tocar y gesticular para
buscar acuerdos de concertación, leer a primera vista (ya que implica adelantar
con la vista y superponer a acciones que corresponden a lo que ya se leyó),
entre otras.
Cada taller en particular, enfatiza la exploración y
conocimiento de las posibilidades tímbricas y musicales de un grupo de
instrumentos. Se centra la tarea en el desarrollo de destrezas técnicas de
ejecución, de posibilidades expresivas y su capitalización en las prácticas de
conjunto (en las que intervendrán también otros instrumentos) abordando un
repertorio argentino y latinoamericano.
En el taller se generan situaciones para que los
estudiantes conozcan de manera práctica diferentes técnicas de improvisación
musical que se ponen en juego de acuerdo con las características particulares
de cada instrumento y aprovechando los dispositivos de modificación y
amplificación del sonido.
Si bien la luthería es
considerada como un oficio artesanal, transmitido por tradición de maestro a
aprendiz, que se adquiere con trabajo sostenido y que conlleva un alto grado de
especialización, conocimiento e investigación, los estudiantes tendrán un
acercamiento a estos saberes, que les permitan explorar las posibilidades
sonoras de diversos materiales e incrementar el espectro de capacidades
vinculadas con el cuidado de los instrumentos y la elaboración de materiales
didácticos para su futuro accionar docente.
Taller de instrumentos I aerófonos
En primer año, el trabajo enfatiza la adquisición de
habilidades interpretativas y expresivas de algunos instrumentos aerófonos de
diversas culturas, priorizando el instrumental de la cultura andina. Se realiza
un trabajo que propicia el dominio progresivo de las llaves de sustentación, la
postura, emisión, respiración y digitación del instrumento.
La aproximación al instrumento se realiza mediante el
repertorio tradicional, por ejemplo el huayno resulta el género más adecuado
para una iniciación al pincullo, quena, anata y siku.
Se espera que conozcan al menos un instrumento de cada familia.
Estas prácticas también están dirigidas a la reflexión
didáctica acerca del uso de los instrumentos aerófonos en las actividades
escolares.
Taller de instrumentos II cordófonos
En segundo año, el trabajo enfatiza la exploración de
las posibilidades interpretativas, expresivas, y acústicas de algunos
instrumentos de cuerda de diversas culturas, así como las posibilidades de
aplicación de dichos instrumentos en las actividades escolares.
La exploración de las posibilidades acústicas y
musicales de diversos instrumentos de cuerda (desde el berimbao
hasta el violín), permite construir un conocimiento acerca de las posibilidades
de los mismos (heurístico) que, más allá de la interpretación del repertorio,
lleva también a un proceso de creación musical.
Taller de instrumentos III idiófonos
y membranófonos
En tercer año, el trabajo enfatiza la exploración de
las posibilidades interpretativas, expresivas y acústicas de algunos
instrumentos de percusión de diversas culturas, así como las posibilidades de
aplicación de dichos instrumentos en las actividades escolares.
Se clasifican los instrumentos musicales y objetos
sonoros desde el punto de vista organológico y funcional. La adquisición de
ciertas destrezas técnicas que implican coordinación, disociación, velocidad,
toque y sostén, uso de mediadores y modificadores del sonido, cuestiones
posturales, etc para el manejo de los instrumentos
(bombo, cajón peruano, bongó, accesorios), se capitalizan luego en la práctica
de improvisación sonoro-musical que se realiza en el taller.
ASIGNATURA: CONJUNTOS INSTRUMENTALES ESCOLARES
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Este espacio curricular está dedicado a la elaboración
de arreglos instrumentales, vocales y mixtos. Los estudiantes ponen en juego
los conocimientos adquiridos en otras instancias, tales como los talleres de
instrumentos, dirección coral, elementos técnicos y las didácticas específicas.
Las actividades giran en torno del análisis de un
amplio repertorio de rimas, recitados, textos, canciones, microformas
y obras instrumentales, que se recrean al elaborar los arreglos. Se espera que
en este proceso apliquen criterios vinculados con el estilo del material
musical de base, la cantidad y las posibles combinaciones de fuentes sonoras
diversas, el nivel de resolución esperable en los potenciales destinatarios, la
distribución de partes en grupos numerosos, entre otros.
La selección de repertorio, estrategias y ensambles
han de contemplar la diversidad de situaciones áulicas que pueden presentarse
considerando los grados de desempeño esperables en los alumnos de cada nivel
escolar.
Esta propuesta se caracteriza por su dinámica y
flexibilidad en la reorganización de grupos, planificación y resolución de actividades.
El docente guía al alumnado proporcionando pautas para una efectiva detección
de elementos que indican los grados de dificultad creciente en los aspectos
técnicos, expresivos y de ensamblado de una obra.
Asimismo, el estudiante presenta trabajos prácticos
que incluyen búsqueda de material didáctico, elaboración de partituras y el
armado de los mismos en la clase. La creación de soportes gráficos sirve como
ayuda memoria para las ejecuciones en vivo y la dirección de dichos arreglos,
atendiendo a la coherencia entre discurso, estética y estilo.
La práctica se complementa con la reflexión colectiva
acerca de la eficacia didáctica de los proyectos de instrumentación, en los que
se atienda a la obtención de logros satisfactorios en el menor tiempo, contemplando
la pertinencia de los contenidos a enseñar en cada grado y nivel educativo. Es
decir que, en la elaboración de estos materiales (que se convierten en recursos
didácticos), se apunta al armado de secuencias didácticas que permitan abordar
progresivamente los modos de conocimiento musical. Algunos indicadores que
permiten dicha secuenciación y organización dependen de: las características
discursivas y formales, métricas y de tempo, de los diseños rítmicos, melódicos
y armónicos de la obra, y del grado de complejidad del juego concertante
definido en los arreglos.
EDUCACIÓN VOCAL I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Este espacio curricular está dirigido a todos los
estudiantes. Tiene como objetivo principal ofrecer herramientas a los futuros
docentes para el correcto uso de la voz, tanto para la interpretación cantada
de obras, como para el control y cuidado de la voz hablada.
Propone un tiempo de reflexión, observación, descripción
y experimentación con la voz, de manera tal que posibilite la comprensión y el
mejoramiento de la función vocal del futuro docente.
Se espera que los alumnos adquieran, por un lado,
habilidades y destrezas en torno a la postura, la respiración, la fonación en
el canto y en el habla, la articulación del texto, la expresión y la emoción,
para lograr una comunicación fluida en la interpretación artística de obras
cantadas.
Por otro lado, se procura que los futuros docentes
adquieran conocimientos sobre las posibilidades vocales del niño y el
adolescente, construyan criterios realistas de la evaluación de la voz, basados
en su funcionamiento como instrumento, y sean capaces de elaborar
ejercitaciones que tiendan al mejor rendimiento vocal de sus futuros alumnos.
Si bien este espacio en el programa de estudios está
dirigido a todos los estudiantes, los alumnos que cursen Canto como eje
troncal, estarán eximidos de cursarlo, dado que existe superposición de
contenidos. Dichos estudiantes complementarán su formación cursando un nivel de
instrumento armónico complementario de la formación de base que acreditaran a
través del examen de ingreso.
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Esta materia se orienta hacia la comprensión del hecho
folklórico como un producto social y cultural dinámico, en constante
transformación. El enfoque contempla tanto las expresiones folklóricas
tradicionales como las modernas, producidas en el seno de sociedades urbanas,
vinculadas a las instituciones educativas, industrias discográficas o del
espectáculo y los mass- media. Por lo tanto el
repertorio incluirá obras anónimas y de autor, en versiones de proyección
folklórica y fusión con otros géneros.
La práctica áulica comprende actividades de
apreciación musical, interpretación y análisis de los elementos técnicos y
estilísticos de cada género, entendiendo por géneros a los elementos poéticos,
musicales, coreográficos, performáticos, que integran
ese texto complejo y multidimensional. La práctica se complementa con la
reflexión sobre diversas teorías del Folklore, contextualización sociohistórica de las mismas y el reconocimiento de
aquellos elementos que intervienen en un “hecho folklórico”.
Los estudiantes interpretarán en sus respectivos
instrumentos/canto un repertorio variado, que contenga los géneros más
representativos de la Argentina: huayno, carnavalito, bailecito, cueca o zamba,
gato, chacarera y canto con caja. Además, los estudiantes tendrán la
oportunidad de conocer y ejecutar el instrumental del ámbito criollo (quena,
charango, otros).
Asimismo, aquellos crearán y recrearán repertorio en
forma individual y grupal utilizando los contenidos estudiados (elementos
técnicos compositivos, gestuales y sonoros, rasgos estilísticos, formaciones
instrumentales tradicionales y modernas, elementos coreográficos básicos), y el
docente contemplará la adecuación de los arreglos a los distintos niveles
educativos.
ASIGNATURA: TANGO (MÚSICA CIUDADANA)
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Esta asignatura se orienta hacia la práctica
instrumental del tango entendido como complejo genérico que, -además del tango
y la milonga tradicionales-, abarca otros subgéneros como el tango canción y
los que resultan de la fusión entre el tango y otras músicas populares y
masivas, como el rock, pop y techno.
El enfoque didáctico y la sistematización de la
enseñanza respetarán las pautas del armado del ensamble, la escritura y la
interpretación del género, que ya han sido definidas por instituciones
especializadas en música popular (orquestas, sindicatos de músicos, etc.).
Teniendo en cuenta que en la ciudad de Buenos Aires se encuentran reconocidos
maestros y existen movimientos de renovación continua del tango, se les
brindará a los estudiantes la oportunidad de probar nuevos desarrollos
compositivos y de orquestación, incluyendo las nuevas tecnologías.
El abordaje se realiza desde la práctica instrumental
solista y de conjunto, y se refuerza con actividades de apreciación y análisis
discursivo que promueven la reflexión colectiva y el intercambio de opiniones.
Por lo tanto, para la elaboración de arreglos y la composición de canciones se
aprovechan los saberes estudiados en otras asignaturas (instrumento
principal/canto, elementos técnicos, dirección coral, taller de instrumentos,
historia y estética de la música contemporánea).
El docente contextualiza la práctica reflexionando
sobre aquellos hechos sociales, culturales, históricos, políticos y económicos,
más representativos de la historia argentina y latinoamericana, que han
influido en el proceso de creación, difusión y consumo de las músicas
populares. La definición de ejes temáticos se acompaña con apuntes teóricos de
elaboración y/o recopilación del docente responsable de la cátedra.
Se puede complementar la cursada con la asistencia a
conciertos o planificando los espacios de definición institucional con visitas
de músicos, bandas u orquestas, entre otros proyectos.
ASIGNATURA: ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA MÚSICA
ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA MÚSICA I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
El músico-docente debe ser capaz de realizar una
lectura detallada del discurso musical analizando sus componentes para re-integrarlos
en una mirada conceptual sobre las producciones sonoras y musicales. Se
promueve una concepción superadora de la praxis fragmentaria, donde el todo (la
obra) es más que la suma de las partes (los niveles de formación y análisis de
los elementos compositivos).
Esta asignatura brinda a los estudiantes herramientas
para la comprensión de la música producida por diferentes culturas y en
diferentes contextos, y para la realización de producciones musicales
necesarias en su tarea como intérprete o como educador (arreglos,
transcripciones, instrumentaciones, etc.).
En las distintas instancias o situaciones de
aprendizaje (análisis auditivo, arreglos y composición de obras contemplando:
estructuras, forma, armonía, procedimientos compositivos, recursos expresivos,
instrumentación y orquestación) se abordan los lenguajes compositivos a partir
de la armonía romántica y post-romántica transitando también el siglo XX y XXI.
Se concibe la obra musical como un todo orgánico que
guía el trabajo en la asignatura.
Tanto en el aspecto analítico como en las producciones
musicales de los alumnos (que no son meras ejercitaciones) se aborda cada
aspecto (armonía, contrapunto,
forma, instrumentación, etc.) sin perder de vista la
totalidad de la que forman parte y las relaciones de los diferentes aspectos
entre sí.
Se espera que los alumnos reconozcan los elementos
compositivos y discursivos en obras musicales y sonoras de diversos géneros y
estilos, y se inicien en la composición de arreglos musicales para conjuntos
instrumentales, vocales y mixtos incorporando instrumentos electroacústicos
y nuevas tecnologías. Asimismo, a través de ejercicios de transcripción y
creación se incorporan nociones vinculadas con la escritura y la notación
musical para distintos instrumentos.
Al vincular los conceptos referidos a los elementos
técnicos con los contextos sociales, culturales e históricos, el hecho
artístico es concebido en forma integral, por eso es oportuno incluir el
análisis de aquellas obras que forman parte del repertorio en estudio en los
espacios de Instrumento/Canto y Talleres de instrumentos.
En los dos años se abordan contenidos relacionados con
obras y autores representativos de los principales períodos y movimientos
estéticos musicales occidentales de fines del siglo XIX, y S XX (comienzos de
disolución de la tonalidad, cromatismo, politonalidad,
atonalismo, serialismo,
música concreta, abstracta y aleatoria, minimalismo, otras experiencias sonoras
con proyección en el SXXI).
ASIGNATURA: HISTORIA Y ESTÉTICA DE LA MÚSICA
HISTORIA Y ESTÉTICA DE LA MÚSICA I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
La asignatura está orientada hacia la indagación
general de los contextos y condiciones en los que se generaron las principales
corrientes estéticas y musicales de diversas sociedades, épocas, continentes y
culturas. El propósito de esta cátedra es plantearse preguntas acerca del mundo
actual y establecer relaciones con el pasado.
Se apunta a la construcción de marcos conceptuales
claros y precisos relacionados con el pensamiento filosófico de autores
relevantes de Europa, Latinoamérica y Argentina, a partir de los cuales se
facilite la comprensión de los lenguajes artísticos en general y de las
especificidades de las producciones artísticas y las teorías estéticas. La
reflexión se dirige a establecer relaciones y distinciones entre ciertos
conceptos fundamentales que están presentes en el horizonte de esta visión abarcativa.
Desde una perspectiva antropológica, se evita la
formulación de juicios fundados en el pensamiento etnocéntrico,
o de aquellos basados en una consideración evolutiva, jerárquica y
"lineal" del arte, por considerar que las expresiones artísticas y
estéticas pertenecen a situaciones históricas, sociales y culturales muy diversas,
que han de apreciarse desde las cosmovisiones y categorías propias de cada
cultura. Se incluyen problemáticas propias de la hermenéutica y de teorías
estéticas diversas. También se promueve la reflexión sobre la valoración y
apreciación de las diversas expresiones artísticas.
En el aspecto histórico el énfasis está puesto en el
estudio del arte producido en Argentina y en el continente americano, desde la
música y los instrumentos prehispánicos hasta la actualidad. La llamada
"Historia de la Música Universal" (que comprende desde la antigüedad
hasta el siglo XX) se aborda en forma global, mediante la definición de grandes
ciclos y núcleos temáticos como una estrategia que permite establecer
relaciones sincrónicas y diacrónicas entre diferentes sociedades y tiempos.
Cada obra musical es manifestación de un hombre, que vive en un contexto
cultural determinado, en una sociedad con rasgos particulares y en un lugar
geográfico; lo que implica una pertenencia a una cultura y micro cultura
mostrándose en concordancia con ésta.
Al finalizar la cursada de dos años, los estudiantes
podrán entender la diversidad de relaciones entre el fenómeno musical y los
desarrollos en las demás artes, analizar los diversos criterios de
periodización de la historia social y de la historia de la música, y reconocer
la permanencia, cambio o desaparición en el tiempo del uso de determinados
rasgos estilísticos.
También estarán en condiciones de comprender que las
obras que son interpretadas en la actualidad de una determinada manera no
fueron concebidas de igual modo en el pasado. Desde el presente se vuelven a
reinventar y recrear según las posibilidades estilísticas, estéticas y
tecnológicas.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LA MÚSICA
Didáctica de la música I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Caracterización general de la instancia curricular
En esta asignatura, que se articula con la Didáctica
General del campo de la Formación General, los estudiantes adquieren una visión
global del estado de situación de la didáctica contemporánea en el ámbito de la
educación musical.
A través de la revisión y análisis crítico de
bibliografía específica, se abordan dos núcleos para la conceptualización de la
materia:
el concepto de conocimiento musical (que refiere al
desarrollo de capacidades comprometidas al cantar, tocar, escuchar o
crear/componer)
el conocimiento acerca de la música (datos e
informaciones del hecho musical), como ejes organizadores del objeto a enseñar.
El proceso de enseñanza y el enfoque disciplinar de la
Didáctica de la música
Se presta especial atención al concepto de
transposición didáctica, con el objeto de establecer las diferencias existentes
entre el objeto de conocimiento propio del campo de la música y el objeto a enseñar,
y las implicancias que este proceso dinámico tiene para la tarea profesional
del docente.
Se espera que los estudiantes realicen una síntesis
personal de los lineamientos metodológicos que más se ajustan a las necesidades
profesionales, al analizar críticamente las producciones de los diversos
pedagogos musicales, identificando las problemáticas centrales que cada uno de
sus modelos intentó resolver a través del desarrollo de una metodología
particular.
La planificación, la evaluación y los recursos
didácticos
Se espera que los futuros docentes adquieran
habilidades para la planificación y evaluación en los diversos niveles
educativos y produzcan recursos didácticos pertinentes para su uso en el aula,
al mismo tiempo que construyan criterios de selección de recursos musicales
adecuados para cada propuesta de trabajo áulico.
A lo largo de la cursada, los estudiantes realizan
actividades que les permiten adquirir un cuerpo de conocimientos sólidos en
torno a la didáctica específica, por ejemplo familiarizándose con los
documentos curriculares vigentes, elaborando propuestas didácticas, discutiendo
la eficacia de diversos instrumentos de evaluación, participando del análisis y
evaluación crítica de proyectos áulicos .
Didáctica de la música I
En este espacio, se realiza una reflexión crítica de
las propuestas de pedagogos musicales del siglo XX: Zoltan
Kodály, Carl Orff, Émile Jaques-Dalcroze, Maurice Martenot, Edgar Willems, Shin’ichi Suzuki, John Paynter, Francoise Dellalande, Murray Schafer, Violeta de Gainza y
Silvia Malbrán, entre otros.
Respecto de la metodología se profundiza: qué, cómo,
cuándo y a quiénes enseñar música, reconociendo las particularidades de la
enseñanza en los distintos niveles y modalidades educativas, analizando
objetivos y contenidos, elaborando propuestas de actividades a partir del
planteo de instrumentos que respondan a criterios de evaluación específicos.
Para dicha elaboración, se capitalizan los conocimientos adquiridos en los
espacios de la práctica docente (Proyecto de práctica I a IV).
Las intervenciones pedagógicas propuestas en la
asignatura “espacio de la práctica III” se planifican teniendo en cuenta las
necesidades de los destinatarios y los requerimientos del sistema educativo.
Complementariamente, se elaboran los recursos didácticos necesarios para la
puesta en marcha de dichas intervenciones.
Se enfatiza la lectura crítica de los diseños
curriculares vigentes de nivel inicial y primario. Asimismo, se reflexiona
acerca de la construcción del espacio artístico en el ámbito escolar, a partir
del planteo de estrategias de participación en la elaboración del PE.
Didáctica de la música II
Esta asignatura propone un análisis crítico de las
experiencias acumuladas en las diversas intervenciones pedagógicas realizadas
hasta el momento, para la elaboración de los proyectos de la futura residencia
docente.
La elaboración de recursos didácticos, y la selección
de recursos musicales como material para el trabajo de aula será el eje
principal de la materia. No obstante, se enfatiza el abordaje de la
organización y secuenciación de contenidos para los distintos niveles de
educación formal (inicial, primaria, especial, escuelas de música, media).
Se propone la lectura crítica de los programas y/o
diseños curriculares vigentes, en particular los correspondientes al nivel
medio.
También se promueve que los estudiantes elaboren algún
proyecto de enseñanza musical, posible de llevar a cabo en alguna instancia de
educación no formal.
DIRECCIÓN CORAL I y II
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
En este espacio los estudiantes desarrollan las
capacidades necesarias para resolver la enseñanza y dirección de una obra
cantada a un grupo dentro de la futura práctica docente. Las herramientas
básicas necesarias para la dirección de grupos en el ámbito escolar están
vinculadas con: el conocimiento y manejo de referentes gestuales, la resolución
de problemas propios de la concertación, el canto y las estrategias para lograr
una interpretación musical expresiva acorde al estilo y carácter de cada obra.
Se trata de un espacio en el que confluyen
conocimientos obtenidos en otros espacios curriculares, especialmente los
aprendidos en las cátedras de técnica vocal y elementos técnicos. Con una
metodología basada en la práctica, los estudiantes cumplirán el rol de
cantante-miembro del grupo y, en forma alternada, el rol de director. Si bien
los conocimientos específicos a adquirir son los vinculados con la géstica, éstos se desarrollan a medida que se aborden las
obras.
Por tal motivo, el repertorio se compone de músicas
diversas, originales para coro o arreglos corales/vocales, que presenten
distintos tratamientos musicales (desde el punto de vista de la armonía, las relaciones
de simultaneidad y sucesión de partes, modos de concertación, etc.) de forma
tal que requieran diversas estrategias de resolución para los problemas
musicales que puedan presentar, y el uso de distintos referentes gestuales para
comunicarse con el grupo. Los estudiantes aprenden referentes gestuales para
indicar: inicios y cierres (de una obra, de una sección, o de una parte en
particular), el tempo y los cambios de velocidad y dinámica graduales o
contrastantes de una obra.
Tan importante como la adquisición de un repertorio de
gestos para comunicarse con el grupo, es la adquisición de habilidades
vinculadas con la escucha, dado que la resolución de problemas depende (en
parte) de la detección auditiva de los mismos cuando se presentan en el transcurso
del armado y ensayo de obras, y del propio dominio de la afinación,
respiración, etc.
Al finalizar el segundo año se espera que los
estudiantes adquieran también habilidades vinculadas con la organización de
ensayos grupales, la construcción de criterios de selección de repertorios
adecuados para los diversos grupos, el manejo de un instrumento armónico como
apoyo para la etapa de enseñanza de obras, así como el desarrollo de una
audición interna, que le permita trabajar sin instrumento.
7.4.4 Espacios curriculares del campo de la formación
específica del Profesorado de Arte Cerámico
REGIMEN: ANUAL – DIBUJO I, II, III y IV – 3 horas
semanales
El dibujo es una creación directa y única. Al ser desarrollado
en cualquiera de sus procedimientos, propone múltiples caminos expresivos,
acrecienta la agudeza visual del alumno para el conocimiento de la forma
bidimensional y tridimensional, así como su capacidad creativa en lo que
respecta a su representación por medio de los elementos gráficos.
El dibujo constituye un soporte indispensable para la
concepción y realización de la obra cerámica ya que permite el desarrollo de la
capacidad analítica y de observación de formas tridimensionales y su representación
en la bidimensión. Asimismo, permite abordar las
distintas posibilidades expresivas de la línea con un valor estético propio, y
también se utiliza para la aplicación en el diseño cerámico en las distintas
técnicas de decoración, serigrafía, bajorrelieves, cuerda seca, etcétera.
Esta asignatura educa en la observación del modelo, la
imagen, su descripción, representación, configuración y expresión formal,
abordando los elementos estructurantes y
compositivos. También se crean las condiciones para que los alumnos conozcan
las propiedades de los diversos materiales que intervienen en la realización
del dibujo y se promueve el uso de soportes de diversos tipos (calidades,
tamaños, materiales, etcétera).
Se abordan en este espacio curricular, los distintos elementos
del Lenguaje Visual y sus relaciones compositivas incorporando los códigos y
vocabulario específico.
Dibujo I
Dibujo I es una materia introductoria al estudio de
los elementos conceptuales y técnicos del dibujo, que permite abordar la
observación y representación de las estructuras básicas de las formas
bidimensionales y tridimensionales. Se estudia la estructura interna de la
forma, teniendo en cuenta los ejes, ángulos, perpendicularidad y simetría.
Asimismo, se trabaja la organización y el análisis del espacio y su relación
con las formas
El carácter y función de la línea, la trama y el valor
son contenidos a trabajar. La naturaleza y expresión de materiales y
superficies portantes, son objeto de exploración, uso y conceptualización. La
problemática de la luz en el dibujo y su representación se introduce mediante
distintos procedimientos, como, por ejemplo, las posibilidades de modelado por
claroscuro.
El docente ofrece dibujos de análisis con modelos
individuales, para los distintos miembros del grupo, planteando ejercicios
diversos con el mismo modelo: modificando la iluminación, el punto de vista,
utilizando otros materiales, etcétera.
Dibujo II
Los contenidos de Dibujo II, están orientados al
estudio de los objetos profundizando contenidos de Dibujo I e incorporando
nuevos conocimientos así como la observación y representación de objetos de
mayor complejidad. Desde lo conceptual se trabaja la relación parte- todo
dentro del objeto en sí, como así también la representación del objeto como
parte integrante de la composición.
Se promueve la revisión del carácter y función de la
línea en el dibujo como elemento de expresión y representación, generando por
su intermedio espacios, equilibrio, ritmo, sugerencia de planos y volúmenes. El
carácter y las relaciones de los ejes para dibujar una estructura y las
relaciones entre puntos, ejes, cuadrantes y diagonales para establecer las
proporciones de las formas son parte de los contenidos.
La propuesta es trabajar sobre soportes de distintas
medidas y proporciones, estableciendo relaciones entre la representación y las
características del soporte.
Se retoma el uso del claroscuro y el empleo de valores
como posibilidad para la representación del volumen o sugerencia de tridimensión. Se promueve el estudio y ensayo de la
perspectiva a mano alzada, a partir del dibujo de muebles, sillas, caballetes,
espacios arquitectónicos, etcétera. Se introduce a los alumnos en el estudio de
cabeza ósea en distintas posiciones, observando su relación estructural.
Dibujo III
Los contenidos de Dibujo III, están orientados a un
primer abordaje de la figura humana, observando sus proporciones, su estructura
interna / externa y la relación parte – todo en el planteo de la totalidad. Se
estudian sus detalles a partir de la observación de modelo vivo, vestida y
desnuda, analizando ejes, direcciones, sistemas de ajuste y corrección, en la
realización de diversos ejercicios.
Se propone el pasaje de la forma humana a la geometrización de las formas, la representación del
movimiento, las secuencias de poses captadas con mayor síntesis y expresión. El
docente retoma el trabajo con el valor, sus escalas y claves, en función de la
representación de la figura humana. Se promueve la utilización de distintos
procedimientos y materiales del dibujo (lápiz, carbonilla, tinta/aguada,
sanguina, etcétera).
Se propicia la realización de proyectos
personales/grupales que relacionen los conocimientos adquiridos en Dibujo para
la concreción de obras cerámicas.
Dibujo IV
Los contenidos de Dibujo IV, continúan y profundizan
el abordaje de la figura humana, con fines escultóricos. En este último año se
trabaja en el estudio del desnudo, su estructuración formal, el intervalo
existente entre sus partes, sugiriendo el movimiento o tensión dinámica del
desnudo; como así también la relación del modelo con otros objetos presentes en
el espacio circundante. Nuevamente se utiliza el valor, las relaciones
formales, de intervalo, de gradación, semejanza y contraste; siempre
relacionadas con el abordaje de la figura humana con fines escultóricos. Además
de trabajar con la figura humana, se dan oportunidades para explorar la
abstracción, sirviéndose de la línea y el valor, partiendo de una imagen
figurativa.
Se propicia la realización de proyectos
multidisciplinarios, de compromiso estético, como síntesis del trabajo anual.
REGIMEN: ANUAL – MOLDERIA I y II – 4 horas semanales
La Moldería es un procedimiento del que se vale el
artista o el artesano, para reproducir sus piezas u objetos de forma más rápida
y abaratar gastos y generar una mayor cantidad de producción.
Esta asignatura permite incorporar contenidos de la
moldería para un dominio personal y para el ejercicio de la producción cerámica.
También propone capacitar a los alumnos para la elaboración de cerámica
utilitaria, funcional, arquitectónica y ambiental, desde la creación de los
diseños hasta los procesos de producción en serie artesanales y mecánicos,
perfilando una salida laboral.
Esta asignatura está vinculada con el modelado
cerámico, la alfarería y la decoración cerámica y tiene como metodología de
trabajo la interrelación de la moldería contemplando el proceso cerámica como
un todo. Abarca el diseño de las formas y el tratamiento de las superficies, la
preparación de los materiales con conocimiento tecnológico, las técnicas de
construcción cerámica artesanal y mecánica (modelado, decoración, alfarería,
moldería, manejo de torno moldero o alfarero, diseño)
contemplando los posibles perfiles que brinda la cerámica (artesanal, artística
y de
producción). Los alumnos se forman en los procesos
cerámicos en toda su dimensiona técnica (artística y artesanal) para la
concreción de objetos de creación propia.
En el primer año esta asignatura desarrolla el estudio
de los métodos tradicionales de la moldería para realizar un proyecto grupal o
personal, que contemple el diseño, la construcción de la forma en torno moldero, la realización del molde, la colada y la
decoración. Se reflexiona sobre conceptos y procesos desarrollados y su
vinculación con la propia producción.
En el segundo año se focaliza el aprendizaje en la
realización del molde para la producción de uno o varios objetos cerámicos con
fin utilitario, de carácter escultórico o aplicado a la arquitectura.
En esta asignatura es imprescindible la reflexión
pedagógica sobre los contenidos específicos para poder ponerlos en juego de
acuerdo con cada nivel de enseñanza.
REGIMEN: ANUAL - ALFARERÍA I, II, III y IV – 4 horas
semanales
La alfarería designa a los distintos objetos de barro
cocido de origen popular – recipientes, vasijas – con o sin vidriado,
realizados a mano, pudiendo ser su uso utilitario y/o decorativo. Su producción
puede ser de tipo manual o realizada con torno, en esta materia se trabaja la
producción de piezas por torneado. El torneado produce en el objeto una
cualidad estética especial, un carácter único.
La alfarería en torno es un arte táctil, vinculado a
lo físico y sensorial; a través del tacto y la manipulación del material se
hace realidad una idea o forma. Se trata de un proceso rítmico y fluyente, en
el que se establece un diálogo entre el alfarero y la arcilla, con las manos
como nexo; en el que el cuerpo y la mente están implicados.
Esta disciplina propicia la exploración y el estudio
de distintas pastas para alfarería, la práctica de amasado, batido y
preparación del material, el respeto de sus características y de sus
condiciones mecánicas. Los alumnos aprenden hábitos de limpieza, uso y
conservación de herramientas y maquinarias.
A lo largo de los diferentes tramos de esta materia se
favorecen los procesos de ideación y creación artísticos, trabajando a partir
de bocetos y en la resolución de los distintos aspectos técnicos que se
plantean. Se pone el acento en la funcionalidad, condición fundamental de un
buen diseño.
Se trabaja a partir de la lectura de obras cerámicas
de todos los tiempos, alentando la capacidad de análisis, la actitud crítica de
los alumnos e incorporando los códigos del lenguaje visual y su vocabulario
específico.
Alfarería I
Los contenidos de Alfarería I están orientados al
conocimiento y preparación del material, especialmente a los procesos de
amasado y batido. Se trabaja la elevación de formas cilíndricas y los procesos
de centrado y torneado en distintos ejercicios introductorios en torno
alfarero. Se promueve la aplicación del dibujo técnico en diseños de formas
alfareras, según diseño personal y teniendo en cuenta las proporciones de las
piezas. Asimismo los alumnos se adentran en la técnica de colado y prensado de
moldes simples, así como también en la elaboración de pastas para prensado y el
uso de desgrasantes.
Alfarería II
Los contenidos de Alfarería II están orientados a
complejizar los conocimientos que los alumnos traen e incluyen nuevos
contenidos como por ejemplo las formas abiertas, las formas complejas y
esféricas según diseño. También se trabaja el retorneado, acabado y pulido así
como la realización de junquillo y el manejo de sus herramientas específicas.
Esta materia introduce a los alumnos en la fabricación de utilitarios en torno
alfarero con plantilla. Se propone, como proyecto personal, la realización de
un juego utilitario con un diseño funcional propio.
Alfarería III
Los contenidos de Alfarería III están orientados al
abordaje del torneado en secciones.
Se trabaja el encastre para grandes dimensiones y el
ensamble de formas abiertas con fin utilitario y/o decorativo. En este tramo de
la disciplina los alumnos indagan las distintas posibilidades de intervención
de las piezas torneadas buscando diversos modos de intervención - por ejemplo
haciendo picos, asas y mangos - en jarras y tazas, modelando o torneando por
separado las diferentes partes para luego ensamblarlas en teteras y botijos,
etcétera. Se producen también piezas torneadas según las posibilidades que
brinda el torno alfarero y de acuerdo a diseño de boceto previamente realizado.
Alfarería IV
Los contenidos de Alfarería IV están orientados a la
relación de la alfarería con el espacio público, mediante el desarrollo de los
distintos aspectos que permiten la realización de formas alfareras para su
posterior ensamblaje, con vistas a la conformación de un conjunto con unidad
visual y significación. Se realiza un proyecto personal / grupal, dirigido al
espacio público que abarque el diseño, los bocetos, las distintas resoluciones
y la ejecución como síntesis del trabajo anual.
En esta asignatura es imprescindible la reflexión
pedagógica sobre los contenidos específicos para poder ponerlos en juego de
acuerdo con cada nivel de enseñanza.
REGIMEN: ANUAL - MODELADO CERÁMICO I, II, III y IV – 4
horas semanales
El modelado cerámico es uno de los primeros procesos
técnicos utilizados por el hombre, que se remonta a los principios de la
humanidad. Se llama así al proceso realizado con pastas de arcilla en forma
manual (es decir sin torno ni molde), siendo la cocción en el fuego el último
paso determinante para que el modelado se convierta en cerámica. Implica tanto
la escultura como la realización de objetos utilitarios o decorativos.
En todos los casos, en este tipo de procedimiento se
trabaja por adición y/o sustracción del material, cuyas características
implican una serie de limitaciones y potencialidades expresivas y técnicas que
se abordan a lo largo de la cursada en los cuatro años.
Esta materia permite a los alumnos abordar los procesos
y fases de la cerámica, como por ejemplo los de construcción, conservación,
secado y horneado, estimulando la exploración y el conocimiento de los
materiales, sus propiedades, posibilidades y limitaciones. Asimismo y en forma
conjunta, se forma a los alumnos en el manejo de herramientas, equipos y
maquinarias. Los alumnos pueden resolver obstáculos formales y tecnológicos,
acrecientan sus posibilidades de creación formal y logran materializar un
trabajo que los compromete estéticamente.
Se trabaja a partir de la lectura de obras cerámicas
de todos los tiempos, alentando la capacidad de análisis, la actitud crítica;
se incorporan los códigos del lenguaje visual y su vocabulario específico.
Asimismo, se propicia la realización de proyectos personales, educativos,
artísticos y técnicos, que integran conocimientos adquiridos.
Modelado Cerámico I
Modelado Cerámico I es una materia introductoria de la
problemática de la imagen tridimensional. Sus contenidos están orientados al
abordaje de los elementos estructurantes y
compositivos más significativos de la forma tridimensional. Se parte de
observar y analizar el objeto a modelar desde el punto de vista de su
estructura interna. Los alumnos se inician en la realización de trabajos
previamente bocetados.
Se desarrollan conceptos básicos de la forma y el
espacio tridimensional, tales como simetría, equilibrio, proporciones,
direcciones, volumen real y virtual, etcétera. Se aborda la relación del
espacio con el volumen y la relación entre el todo y sus partes.
Como proceso de modelado se pone el acento en técnicas
de construcción mediante hueco indirecto. Se realiza lectura de obras cerámicas
de las diversas culturas, inclusive contemporáneas.
Modelado Cerámico II
Los contenidos de Modelado Cerámico II, están orientados
a profundizar los conceptos trabajados anteriormente e incorporan nuevos,
mediante el contacto con formas orgánicas y el estudio de formas zoomorfas y
antropomorfas. La construcción del concepto de organicidad permite abordar
diferentes aspectos como la relación del todo y sus partes, el análisis de
texturas, estructura, espacios cóncavos y convexos, simetría/ asimetría,
etcétera. Se promueve la observación de distintos elementos naturales, la
realización de modelados a partir de dichas observaciones, y se encaran
procesos de geometrización, estilización y síntesis
de las formas. Como proceso de modelado se pone el acento en técnicas de
construcción mediante hueco directo. Se trabaja en la lectura de obras
cerámicas de diversas culturas, inclusive contemporáneas.
Modelado Cerámico III
Los contenidos de Modelado Cerámico III, están
orientados al abordaje del universo escultórico, tanto a su conformación
conceptual como a la realización de distintos tipos de escultura. Se trabaja la
figura humana; su observación, la representación mediante el modelado
escultórico, proporciones y cánones, ejercicios de geometrización
y estilización de las formas, análisis del movimiento (equilibrio y tensiones),
ejercicios de abstracción, etcétera. Como proceso de modelado se pone el acento
en la combinación con otras técnicas cerámicas (colado, prensado, alfarería),
modelado y ensamble. Se realizan proyectos personales previamente bocetados. Se
toma contacto con distinto tipo de esculturas (de bulto, relieves) y con diferentes
escultores y sus obras.
Modelado Cerámico IV
Los contenidos de Modelado Cerámico IV, están
orientados a la vinculación del modelado cerámico con la arquitectura. Se
propone la realización de proyectos que incluyan fundamentación, diseño, y
realización de objetos urbanos. Se trabaja el Mural cerámico, teniendo en
cuenta sus dimensiones y escalas, así como el estudio del entorno en el que
será emplazado (el espacio, la luz, la circulación, etc.). Se desarrolla el
concepto de relieve, sus planos y la distribución de superficies planas,
cóncavas y convexas. Otro contenido significativo es el aporte del modelado
cerámico al espacio público, y se trabaja en la resolución de fuentes,
asientos, solados, muros, maceteros, etc. tomando en cuenta su emplazamiento e
instalación. Se trabaja con bocetos, resolución de problemas, revisión y
control de conocimientos previos. Como proceso de modelado se pone el acento en
la combinación con otros elementos no cerámicos.
En esta asignatura es imprescindible la reflexión pedagógica
sobre los contenidos específicos para poder ponerlos en juego de acuerdo con
cada nivel de enseñanza.
ASIGNATURA: DECORACIÓN CERÁMICA
REGIMEN: ANUAL - DECORACIÓN CERÁMICA I, II, III y IV –
3 horas semanales
La asignatura tiene como objetivo la exploración y el
conocimiento de los diversos recursos y procedimientos decorativos existentes,
para enriquecer un objeto cerámico único o de producción serial. Esta
disciplina conlleva una vasta práctica que tiene como fin anticipar situaciones
y resolver los errores que puedan surgir en la práctica.
Aporta los conocimientos teóricos y prácticos de las
diferentes técnicas decorativas desarrolladas a lo largo de la historia de la
cerámica y los aproxima al uso de nuevos aportes tecnológicos en el campo de la
decoración cerámica, especialmente en este momento en que las diversas
tecnologías se han desarrollado tan plenamente y resulta prioritario e
imprescindible que los alumnos puedan apropiarse y experimentar todo aquello
que está disponible, para enriquecer y ampliar el conocimiento y aplicación de
la decoración cerámica.
Decoración cerámica I
En este nivel se revisan y resignifican
conceptos ya conocidos por los alumnos y adquiridos en recorridos académicos
anteriores, particularmente sobre las relaciones que se establecen ente la
forma y el uso para el cual están concebidos los objetos cerámicos y los
debates sostenidos en torno a los conceptos ornamento y decoración.
Se analizan los elementos plásticos visuales y estéticos
propios de los diversos acabados cerámicos (forma, color, textura) y se trabaja
sobre las decoraciones realizadas sobre piezas en distintos estados de humedad:
estado de cuero, crudo seco y bizcochado. Se trabaja en la realización de
proyectos personales y grupales, en el marco del análisis e interpretación
personal de las técnicas y procedimientos decorativos.
Decoración cerámica II
Se trabaja con distintos materiales decorativos como óxidos,
pigmentos, vidriados y esmaltes, utilizando distintos procedimientos
decorativos. Se reflexiona acerca de sus características, propiedades,
etcétera. A los métodos tradicionales de aplicación (esmaltado por baño, con
soplete y a pincel) se le suman propuestas de trabajo en las que se promueven
procesos de experimentación con técnicas decorativas combinadas. Los
conocimientos adquiridos se utilizan para la concreción de un trabajo por
proyecto personal/grupal.
Decoración cerámica III
En este nivel se plantea el estudio en profundidad de
los estilos decorativos históricos, centrándose en el análisis de los
materiales y de las técnicas utilizadas en cada uno de ellos. Se propone una
aproximación a la decoración cerámica contemporánea. Los conocimientos adquiridos
se utilizan para la concreción de un trabajo por proyecto personal/grupal en el
que se promueve, además, la transferencia de aprendizajes realizados en el
campo de la asignatura Tecnología Cerámica.
Decoración cerámica IV
En este nivel se plantea la exploración y el
aprendizaje de técnicas que permiten la decoración de producciones cerámicas
seriadas tales como la serigrafía, los calcos y la fotocerámica.
Se estudian las posibilidades de aplicación de estos procedimientos decorativos
a la diversidad de cuerpos cerámicos, adaptando a los mismos los materiales y
las técnicas de impresión cerámica que resulten más adecuados. Los
conocimientos adquiridos se utilizan para la concreción de un trabajo por
proyecto personal/grupal en el que se promueve, además, la transferencia de
aprendizajes realizados en el campo de la asignatura Tecnología Cerámica
En esta asignatura es imprescindible la reflexión
pedagógica sobre los contenidos específicos para poder ponerlos en juego de
acuerdo con cada nivel de enseñanza.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LAS ARTES VISUALES
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
La asignatura apunta la construcción de conocimientos
didáctico-pedagógicos específicos y a la comprensión del proceso de enseñanza
de la Cerámica dentro del marco de las Artes Visuales.
Resulta relevante que los alumnos conozcan y
reflexionen acerca de los diferentes enfoques didácticos en la enseñanza de las
Artes Visuales en general y de la Cerámica Artística en particular (tecnicista, expresivista,
cognitivista, etc.), de qué manera estos modelos subyacen a los procesos de
enseñanza y qué tipo de aprendizajes promueven.
Se apunta a que los alumnos puedan conocer y analizar
aspectos referidos a la transposición didáctica, al planteo de situaciones
problemáticas y desarrollo de propuestas de trabajo en el aula como así también
a la evaluación de los procesos de enseñanza aprendizaje.
Es conveniente que al abordar estos conceptos se
trabajen en relación con las características y problemáticas específicas que se
plantean en los distintos niveles, ciclos y modalidades del Sistema Educativo,
en Educación Artística y Educación no formal.
CICLO COMPLEMENTARIO DE FORMACIÓN ARTÍSTICA
ASIGNATURA: QUÍMICA APLICADA A LA CERÁMICA
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
La química aplicada a la cerámica es una asignatura
que se centraliza en el estudio de la naturaleza de los materiales cerámicos y
los cambios físico químicos que tienen lugar en los diversos procesos de
manufactura no industrial.
La química, está en todas partes. Los seres humanos
son sistemas bioquímicos que, están conformados por biomateriales. Las acciones
cotidianas vinculadas con la alimentación, la higiene personal o calefacción de
ambientes están relacionadas con la química. El mundo inorgánico también está
gobernado por procesos químicos.
En el ámbito de los materiales del arte,
particularmente en los cerámicos, acontecen múltiples cambios químicos y se opera
con algunos materiales sintéticos, producidos en los laboratorios. El
aprendizaje de conceptos físico- químicos básicos permite superar el
conocimiento cotidiano adquirido, fundamentalmente, a base de ensayo y error, y
posibilita una aproximación a la indagación característica de las ciencias
experimentales y la construcción de modelos explicativos que permiten
interpretar tanto los fenómenos de la vida cotidiana como los diversos procesos
cerámicos.
Esta disciplina permite a los alumnos abordar con mayor
seguridad los procesos creativos relacionados con los diversos quehaceres
cerámicos, tanto al controlar la producción de los objetos, como en el cuidado
de la salud de quienes realizan esta actividad y brinda las pautas para evitar
la contaminación ambiental. Los contenidos de esta materia están orientados a
la reflexión sobre la concepción de Ciencia y la construcción del carácter
experimental de la química, como así también sobre las dificultades que se
plantean a la hora de enseñarla.
Se profundizan los conceptos físicos químicos
construidos en niveles de aprendizaje anteriores y se amplían las nociones de
cambio químico, la conservación de la materia y la energía asociadas a éste; la
estructura atómica, las uniones químicas, las fuerzas intramoleculares
y las fuerzas intermoleculares. El aprendizaje se centra en el estudio del
estado sólido, particularmente del silicio y sus compuestos. Se amplía el
concepto de mezcla analizando dispersiones groseras, suspensiones y coloides
cerámicos e introduciendo los conceptos de propiedades coligativas
y mezclas eutécticas. Las soluciones se analizan como un tipo particular de
mezclas de proporciones definidas.
Los contenidos se abordan partiendo de observaciones
fenomenológicas macroscópicas y microscópicas (a simple vista y haciendo uso de
instrumentos) y luego se introducen modelos explicativos del nivel submicroscópico, para interpretar las propiedades y las
transformaciones de la materia y de la energía, en el marco del Teoría
corpuscular.
Los cambios físicos que operan sobre los materiales
cerámicos durante los procesos de secado y en las diversas cocciones cerámicas
son también objeto de estudio. Para trabajar la construcción del concepto de
cambio químico se elaboran pigmentos cerámicos, como ejemplo concreto de los
procesos de sintetización. Se introduce el
aprendizaje del Método de Seger para la formulación
de vidriados y esmaltes cerámicos y de estrategias generales para la resolución
de problemas del quehacer cerámico.
Se promueve el análisis metacognitivo,
y se analizan las ventajas y desventajas de los modelos didácticos empleados
para trabajar los contenidos de química, el planteo de situaciones
problemáticas característico de las ciencias experimentales; la progresión de
aprendizajes, la formulación de preguntas, el planteo de hipótesis como
explicaciones provisorias y de diseños experimentales sencillos, las
limitaciones del uso de los sentidos como fuente de información y la existencia
de ciertos marcos teóricos asociados a toda observación.
ASIGNATURA: HISTORIA DEL ARTE CERÁMICO
REGIMEN: ANUAL - HISTORIA DEL ARTE CERÁMICO I, II y
III – 2 horas semanales
En esta disciplina se incluyen los contenidos
relacionados con el estudio específico de la historia de la cerámica, desde su
aparición hasta la actualidad y como parte de lo que se hoy se conoce como
Artes del Fuego enfocada desde una perspectiva multidisciplinaria. Se promueve
una aproximación a la investigación histórica centralizada en el desarrollo de
la cerámica, dentro de un marco pedagógico, histórico y antropológico.
Se propone un recorrido histórico acerca de los
saberes, prácticas y producciones en las diferentes etapas de la cerámica de
todos los tiempos. Se destacan algunos momentos históricos, tipologías,
categorizaciones, objetos y obras interrelacionándolos con las Artes del Fuego,
las otras Artes, y la evolución cultural del hombre.
La finalidad de esta disciplina es la de aportar
sentido formativo, informativo y crítico, articulando los aspectos técnicos,
antropológicos e históricos y atendiendo a la formación conceptual y cultural
de un futuro profesional de las Artes del Fuego.
Historia del arte cerámico I:
Se desarrollan los contenidos ligados al inicio de la
producción cerámica, tomando los períodos correspondientes a la Prehistoria y
la Edad Antigua. Se aborda la producción cerámica en América precolombina, las
distintas culturas, distintos arqueológicos, períodos y estilos cerámicos. Como
parte de los contenidos de este tramo, se analizan las técnicas de manufactura
y los distintos usos de la alfarería.
Historia del arte cerámico II:
Este tramo de la Historia de la cerámica aborda las
producciones, tecnologías y prácticas de Oriente y Occidente, sus similitudes,
diferencias. y las mutuas influencias. Se adopta un enfoque social y
antropológico. Asimismo se desarrollan contenidos referidos a la Edad Media en
Europa hasta el siglo XIX, los cambios, avances e innovaciones en la producción
de la cerámica. Se retoma una visión de América a partir de la conquista y el
modo en que se desarrolla el contacto de culturas en lo que hace a la
producción y tecnología cerámica.
Historia del arte cerámico III
Este tramo de la Historia de la Cerámica abarca la
Revolución Industrial europea y su influencia en la realización y desarrollo
tecnológico de la cerámica. Se estudia el artesanado y la industria en el siglo
XIX, las tensiones entre realización manual y la utilización de la máquina.
Los alumnos se ponen en contacto con el movimiento de
las artes aplicadas y la influencia de la Bauhaus y
el movimiento Arts and Crafts.
La mirada al siglo XX atiende a la aparición de nuevos productos y nuevas
estéticas en relación con la cerámica, las artes del fuego y la ornamentación.
Asimismo, se desarrollan contenidos tendientes a
analizar los espacios nacionales en lo relacionado con la producción,
distribución, consumo de la producción cerámica. Se trabaja también las
distintas Exposiciones Internacionales
ASIGNATURA: ARTE Y CERÁMICA CONTEMPORÁNEA
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
Esta disciplina permite el análisis y la resignificación del concepto del Arte en general y su
vinculación con el arte cerámico en particular, a partir de la contemporaneidad
abarcando el tránsito por las vanguardias, las nuevas tendencias, la
posmodernidad y los impactos del fenómeno de la globalización en la actualidad.
Mediante el análisis de los cambios que se produjeron
en la civilización visual postindustrial y la construcción del concepto de
diseño, se promueve la reflexión sobre funcionamiento de los fenómenos
artísticos en el seno del campo estético-cultural y las reformulaciones que se
dan actualmente.
Se trabaja problematizando las distintas concepciones
artísticas contemporáneas, analizando la construcción de diferentes
producciones y discursos artísticos de las décadas del 60, 70, 80 y 90 y del
siglo XXI, mediante una comparación entre los mismos y en contacto con fuentes
y documentos originados por artistas, escritores, teóricos y otros
protagonistas de la época (creadores, conservadores, críticos, espectadores,
marchantes, galeristas, compradores, coleccionistas) e instituciones (museos,
colecciones públicas y privadas, revistas especializadas, catálogos, ferias,
bienales, etc.).
El estudio, análisis y conocimiento de los objetos de
las Artes del Fuego en el siglo XX en las diversas culturas de Oriente y
Occidente son también objeto de estudio de esta asignatura. A través de
diversas propuestas de investigación se estudian las Artes del Fuego de la
Argentina Contemporánea, desde 1960 hasta la actualidad.
El enfoque de los contenidos y la concepción histórica
se construye desde un marco socio-cultural, antropológico y pedagógico,
estableciendo múltiples conexiones desde diferentes discursos y teorías que
atraviesan el hecho artístico y el arte contemporáneo.
ASIGNATURA: SERIALIZACIÓN CERÁMICA
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
Nuestra sociedad post industrial se nutre cotidianamente
de los resultados de la serialización y su finalidad
es la producción de objetos que debe responder a una necesidad social y del
mercado.
La serialización cerámica
consiste en un proceso que permite reproducir objetos, con una serie de pautas
de diseño, de técnicas y de pasos de reproducción puntuales.
Esta materia propone la integración de otras
disciplinas cerámicas, se nutre de ellas y está en sintonía directa para lograr
un resultado óptimo. Aporta productos necesarios para la práctica de la
Decoración Cerámica, brinda objetos para ser transformados en Modelado
Cerámico, toma de la Alfarería la práctica del torno chablon
y necesita de la Moldería para la reproducción.
También en un encuadre actual social político y
económico aporta la investigación del mercado económico y sus necesidades para
la realización de un proyecto que ofrezca la posibilidad de ingreso económico a
la institución y que a su vez aporte al alumno herramientas para su producción
personal, orientándolo para desempeñarse en la realidad en la que se encuentra
inserto. Se aborda la investigación de nuevos materiales y tecnologías, así
como los circuitos de producción, distribución y consumo.
Siguiendo las pautas del Diseño para la elaboración de
una producción de objetos cerámicos artesanales esta asignatura permite la
especialización en la matricería del molde para la
reproducción seriada de objetos de diseño para comercializar. Desde la
Tecnología cerámica se investiga la posibilidad y uso de materiales acordes a
la función del objeto. Se introducen prácticas con el torno chablón
para acelerar y ofrecer un acercamiento a los procesos industriales.
Se propone la realización de un trabajo individual y/o
grupal orientado al ejercicio del trabajo diario y sus posibilidades de desarrollo
económico.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL - LENGUAJE VISUAL I y II – 3
horas semanales
Esta disciplina incluye el conocimiento acerca de la imagen
y ayuda a los estudiantes a comprender y profundizar los saberes acerca de la
misma, convirtiéndose en una herramienta para interpretar o para comunicar
visualmente.
Desde una visión actual del Lenguaje Visual, se
incluye el estudio de las nuevas tecnologías, la imagen digital y la multimedial, conformando una diversificación de la realidad
contemporánea que ofrece un campo ampliado a la imagen visual.
Asimismo se trabajan distintos conceptos relacionados
con como la semiótica en lo referido a la comprensión de los códigos visuales
complejos, como por ejemplo los mecanismos de la retórica, las modalidades
narrativas, emblemáticas y enigmáticas de las imágenes, etcétera. Se apunta con
ello a vincular la mirada estética y los conceptos semióticos, permitiendo a
los alumnos construir conocimientos relacionados con los elementos de la
plástica desde una perspectiva abierta que, sin desconocer la tradición
estética, pueda incorporar los conceptos y planteos de la contemporaneidad y
posmodernidad.
Esta asignatura es de carácter teórico-practico y propone analizar, y comprender aspectos
concernientes a la plástica. Se propone enriquecer la producción de imágenes
visuales y hacer una lectura de las mismas, combinando criterios tradicionales
con los más actuales y propios del pensamiento más contemporáneo.
Lenguaje visual I
Se desarrollan los conceptos básicos referidos al
Lenguaje Visual tales como punto, línea, textura, forma, plano, volumen, color,
espacio. Se aborda la organización visual y las relaciones que dichos elementos
establecen entre sí en la imagen. Asimismo, se profundiza el análisis visual,
relacionando los conceptos del sistema de composición y la interpretación de la
imagen. Se tienen en cuenta los medios materiales y los procesos técnicos.
Lenguaje visual II
Se trabajan contenidos orientados a ampliar los
conocimientos, mediante la incorporación de conceptos relacionados con la
imagen en la contemporaneidad y la posmodernidad. Se incorporan distintos
conceptos relacionados con la Teoría de la Comunicación y su significación en
lo referido al análisis sintáctico y semántico de la imagen visual. Se trabaja
la intencionalidad, la subjetividad y el paradigma sociohistórico,
abarcando la imagen fotográfica, publicitaria, digital y multimedial.
Se
incorporan conocimientos de la retórica de la imagen,
profundizando en el uso de las figuras retóricas, tales como hipérbole,
sinécdoque, repetición, metáfora y metonimia.
ASIGNATURA: TECNOLOGÍA CERÁMICA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL - TECNOLOGÍA CERÁMICA I y II –
3 horas
semanales
La Tecnología Cerámica establece una vinculación
comprensiva y crítica entre los alumnos y los procesos técnicos cerámicos.
Involucra el fundamento de todos los métodos y procedimientos propios de la cerámica,
así como dota a los alumnos del lenguaje técnico específico.
Básicamente el estudio se centra en el uso del propio
cuerpo (manos, pies) y el avance que supone el uso de herramientas y
tecnologías que involucran artefactos como por ejemplo las máquinas que
facilitan la tarea de elaboración de pastas como molinos, amasadoras,
extrusoras, etc.; e instrumental que posibilita la automatización de los
procesos de cocción como por ejemplo el uso de termocuplas
y pirómetros. Se estudian las propiedades de los materiales cerámicos, lo que
posibilita la comprensión de ciertas tecnologías cerámicas industriales
automatizadas, en las que se acortan tiempos de producción como por ejemplo el
prensado en seco, el uso de hornos túnel.
Se promueve la toma de conciencia sobre la necesidad
de planificar, controlar y sistematizar los procesos de producción artesanal.
Se introducen nociones sobre historia de la Tecnología
Cerámica que permiten construir la idea del condicionamiento material y espacio
temporal en la concreción y desarrollo de las mismas.
Esta disciplina capacita a los alumnos a llevar
adelante proyectos de investigación ampliando sus conocimientos y destrezas.
Los modelos y analogías utilizadas en la enseñanza de la Tecnología Cerámica
promueven una alfabetización científicotecnológica
que tiende a formar usuarios informados y críticos.
Tecnología cerámica I
Tecnología Cerámica I plantea una reflexión sobre la
naturaleza de la tecnología y sobre los debates y controversias en torno a su
definición y campo de aplicación. El estudio se focaliza en la caracterización
de la corteza terrestre, la diversidad de suelos, de rocas y minerales
presentes en ella, como así también en la descripción y comparación de la
tecnología industrial, la tecnología artesanal y la posible transposición de
los procesos tecnológicos cerámicos a las condiciones de trabajo escolar.
El aprendizaje se inicia con la construcción del
concepto de caja negra. La reflexión sobre cómo construir el concepto de pasta cerámica
y los métodos de elaboración conforme a su aplicación (para torno, prensado o
colado) y sobre las cocciones cerámicas y la diversidad de hornos, permite
recuperar los saberes adquiridos en niveles de aprendizaje anteriores. Se
estudian los cuerpos cerámicos porosos con y sin revestimiento y el estado
vítreo (sólidos no cristalinos).
Este tramo de la disciplina está orientado a
profundizar las nociones construidas en niveles de formación anteriores sobre
la naturaleza de la luz y los fenómenos lumínicos que se producen en su
interacción con los materiales: brillo y transparencia; absorción y reflexión.
Se amplían los conceptos de vidriado y esmalte cerámico al realizar cálculos y
ensayos de laboratorio para la obtención de los mismos conforme a ciertas
características predeterminadas y su caracterización como esmaltes para losa y
terracota. Se construyen los conceptos de esmaltes de tercer fuego,
craquelados, venturinas y nodulizados. El diseño de
vidriados y esmaltes cerámicos se realiza empleando las llamadas fórmulas
límite.
El concepto básico de engobe cerámico se amplía
construyendo la noción de engobe coloidal (terra sigillatta). Se promueve la producción de diseños
experimentales sencillos y la elaboración de ensayos a escala de laboratorio
sobre la modificación de vidriados y esmaltes comerciales. El análisis de los
posibles defectos y correcciones de las muestras amplía la práctica
tecnológica.
Desde esta asignatura se promueve la producción de
informes escritos y defensa oral del Proyecto de investigación grupal.
Tecnología cerámica II
Tecnología Cerámica II es una asignatura cuyos
contenidos se centran en el estudio de los cuerpos cerámicos compactos con y
sin revestimiento. Está orientada a profundizar las nociones construidas en
niveles de formación anteriores sobre las llamadas altas temperaturas,
particularmente sobre las características del gres y las porcelanas.
Se analizan, desde el punto de vista tecnológico, los
procesos de termofusión vítrea. En relación con los
materiales cromóforos utilizados en la cerámica, se
estudia su acción en la coloración de los esmaltes cerámicos de baja y media
temperatura y en la elaboración de crayones cerámicos. A través del análisis de
los dispositivos que permiten medir y controlar las temperaturas de cocción se
hace un recorrido histórico de los avances asociados a estos objetos
tecnológicos.
En relación con las atmósferas de cocción, el estudio
se centra en los llamados esmaltes artísticos obtenidos en atmósferas oxidantes
y en atmósferas reductoras como así también en el análisis de los procesos de
reducción general o localizada.(reflejos metálicos y lustres). Se promueve la
producción de diseños experimentales sencillos y la elaboración de ensayos a
escala de laboratorio sobre esmaltes artísticos. El análisis de los posibles
defectos y correcciones de las muestras amplía la práctica tecnológica. La
serigrafía, los calcos y la fotocerámica se analizan
como avances en las técnicas de impresión en producciones cerámicas seriadas.
Desde esta asignatura se promueve la producción de
informes escritos y defensa oral del proyecto de investigación individual.
7.4.5 Espacios curriculares del campo de la formación
específica del Profesorado de Danza Clásica y Contemporánea
ASIGNATURA: TÉCNICA DE LA DANZA CLÁSICA
REGIMEN: ANUAL – 8 HS. SEMANALES
(TÉCNICA DE LA DANZA CLÁSICA I, II, III y IV)
La formación profesional del nivel superior tiene como
finalidad formar docentes. En las clases de Técnica de la Danza Clásica se
propone un alto nivel de exigencia en las técnicas ya abordadas en el nivel
medio (o acreditadas en el ingreso) con la finalidad de que los alumnos logren
entender la lógica y el sentido de técnica para poder transmitirla en un
futuro.
La técnica de la danza clásica es una,
independientemente de los diferentes estilos como la escuela rusa, la escuela
francesa, la italiana o la danesa. En la Argentina se han formado bailarines
que recorrieron estas escuelas y vertientes a partir de la enseñanza de
diferentes maestros. Esta amplia formación permite a los intérpretes adaptarse
a las diferentes compañías del mundo.
La reflexión y concientización de la técnica se
realiza sobre la propia tarea y sobre la de los otros, ya que se le ofrecen
situaciones para detectar los errores técnicos y espacios y tiempos para
encontrar maneras de solucionarlos.
La metodología de la enseñanza de la danza clásica se
halla en constante evolución, surgen cambios permanentes para la práctica y el
entrenamiento teniendo en cuenta formas más saludables y eficaces. El docente
debe ser capaz de explicitar los modos de abordar la técnica clásica de la
manera más eficiente para lograr que otros a su vez la incorporen de manera
permanente y previniendo posibles lesiones. Actualmente es fundamental el cuidado
del cuerpo del bailarín desde un estudio previo de la anatomía del movimiento y
de la biomecánica humana.
Se divide el profesorado en dos tramos de dos años
cada uno para caracterizar algunos aspectos a tener en cuenta y profundizaren
cada año.
TRAMO I
DC 1: Profundizar sobre el dominio de la técnica
mejorando la ejecución y el desarrollo de secuencias más complejas y poniendo
el acento en la expresividad.
DC 2: Acentuar el dominio del trabajo de punta. Ejecución
con calidades y dinámicas de los saltos pequeños y batería, giros y grandes
saltos, así como también el equilibrio, balance y elevación de posiciones
TRAMO II
DC 3 y 4: Tomar conciencia y reflexionar sobre la
ejecución y el desarrollo de los movimientos; atendiendo a la organización de
las secuencias como una totalidad y no una suma de pasos. Propiciar espacios
para el desarrollo de estrategias metodológicas para el abordaje y enseñanza de
la técnica.
ASIGNATURA: TÉCNICA DE LA DANZA CONTEMPORANEA
REGIMEN: ANUAL – 8 HS. SEMANALES (4 horas A / 4 horas
B)
(T.D.CONTEMPORÁNEA. I, II, III y IV A–B)
Los alumnos ingresantes al profesorado deben estar en
condiciones de abordar la clase de danza contemporánea en forma consciente,
pudiendo resolver con su cuerpo los diferentes planteos de movimientos. En el
profesorado se brindan las herramientas necesarias para reconocer las
características y ejecución de las distintas técnicas y estilos de la danza
contemporánea.
La danza contemporánea está en permanente cambio. Esto
constituye su característica primordial: la exploración y la investigación de
nuevas maneras de moverse. El proceso de investigación del movimiento responde
por lo general a necesidades técnicas de los coreógrafos que crean nuevos
lenguajes y necesitan contar con bailarines dúctiles a las nuevas propuestas
que utilizan en sus coreografías. De esta manera, surgen, en el siglo XX,
diferentes estilos o técnicas que se difunden por el mundo.
En el profesorado se promueve el conocimiento y la
práctica de diferentes técnicas, poniendo el acento en las características,
diferencias o similitudes de las mismas. Las técnicas presentadas se consideran
un medio para el reconocimiento del movimiento del cuerpo.
Para la diferenciación de los distintos estilos y
técnicas se propone en la asignatura de Danza Contemporánea una división dentro
de cada año para permitir a los alumnos abordar dos estilos de danza por año.
T.D.CONTEMPORÁNEA I
A: Con elementos de técnica Graham
Técnica de movimiento creada por la coreógrafa,
bailarina y maestra norteamericana Martha Graham en los años ’50. Su propuesta
se basa en el opuesto dinámico de contracción–release
que surge como consecuencia de exacerbar el principio de la respiración inspirar-exhalar.
El eje de la disciplina esta puesto en la correcta alineación, y en desarrollar
gran conciencia del centro del cuerpo para logar moverse con unidad y soltura.
Este concepto del centro del cuerpo coincide con el aplicado tanto en ballet
clásico como en otras técnicas de danza moderna y contemporánea, incluso con
las artes marciales, y habilita para lograr tanto el equilibrio estático como
dinámico. El trabajo es complejo en cuanto a las posibilidades de movilidad y
torsiones del tronco, reconociéndolo como tema central y motor del movimiento.
A partir de la pelvis surge la contracción y el espiral, que junto al “pecho al
techo” constituyen los elementos centrales hacia el desarrollo de la técnica.
El trabajo es esencialmente de suelo, desplegando las
posibilidades de la estructura osteo-articular y
muscular; la movilidad de la espalda y el desarrollo de su potencial expresivo.
También se consideran trabajo de las extremidades desde el centro del cuerpo,
los diferentes puntos de apoyo, planos inclinados, traslados espaciales de la
contracción; cambios de frente. Luego este trabajo de piso es llevado a ponerse
de pie y finalmente a traslados en la diagonal combinado con giros, saltos,
bajadas y caídas.
El triplet es uno de los
traslados característicos de la técnica con y sin espiral, con y sin giro.
Diferentes caminatas en rotación y con pies paralelos con y sin flexión de
rodillas con determinada densidad en el avance y retroceso, con variación de
direcciones, con torsos en oposición, consecuencia del uso consciente del
espiral, que surge de exacerbar la oposición natural del torso en el caminar
cotidiano y que puede provocar el giro. Una de las particularidades de la
técnica es la tensión expresiva que se genera a partir del trabajo con el
tronco y las extremidades como fuerzas opuestas.
B: Con elementos de Muller
El trabajo que desarrolla esta coreógrafa no puede
denominarse técnica sino estilo coreográfico, ya que el mismo se basa en la
fusión de lenguajes con una impronta particular centrada en las calidades
dinámicas. Jennifer Muller, coreógrafa, bailarina y
maestra norteamericana, desarrolló en los años ’70 su propio estilo de
movimiento a partir de ser discípula de Doris Humphrey. Su propuesta se basa en
el opuesto dinámico de caída y recuperación, y suspensión, fusionado con los
elementos provenientes del ballet. Es decir, incorpora en su entrenamiento la
barra del ballet, y
todo el profundo trabajo que la misma proporciona,
sumándole la búsqueda y creatividad de torsos y brazos y de calidades de
movimiento. El eje en las dinámicas, la fluidez y la circularidad de los
movimientos, el uso del peso son su aporte central. La clase consta de tres
partes claramente diferenciadas. La primera parte, donde se desarrolla la
conciencia corporal del peso de la cadera, los isquiones
sobre talones, y la alineación. Se desarrolla un trabajo expresivo del torso,
de los brazos y de la cabeza, constituyendo largas frases de movimiento con
mayores niveles de dificultad.
La segunda parte consiste en combinar la tradicional
barra de la técnica clásica, con toda su progresión desde el demi plié hasta el gran battement incorporando los torsos, las diferentes dinámicas
y los cambios de frente. En esta parte se pretende entrar en calor la
musculatura, flexibilizar las articulaciones y elongar
el cuerpo en su totalidad, es decir preparar el cuerpo para bailar, pero
bailando y transitando los diferentes puntos de apoyo, planos inclinados y los
cambios de frente.
La tercera parte consiste en secuencias de torso y brazos
que se complejizan dando lugar a pequeñas danzas que se trasladan en el espacio
combinando con giros, saltos, bajadas y caídas.
Como en muchas otras técnicas de danza contemporánea
se utilizan imágenes sensoriales como inspiración para desarrollar la
imaginación y la creatividad. La reflexión sobre estas cuestiones permitirá
integrar alguno de estos elementos en sus futuras prácticas docentes
especialmente con alumnos de las escuelas comunes que no buscan una formación
artística.
T.D.CONTEMPORÁNEA II
A: Con elementos de técnica Graham
Se continúa y profundiza la técnica Graham. Se
elaboran secuencias, desde los alumnos, con elementos adquiridos de la técnica.
Se busca complejizar las variantes utilizadas y la combinación de las mismas en
diferentes contextos.
Los alumnos pueden completar su formación con el
trabajo sobre un fragmento de alguna coreografía de Martha Graham para
comprender el aporte de esta coreógrafa en toda su dimensión.
B: Con elementos de técnica Humphrey/ Limon
Los principios de esta técnica se basan en la caída-
recuperación. Doris Humphrey
reduce su técnica a dos actos: apartarse de una
posición de equilibrio y volver a ella.
Caer y recuperarse (fall-recovery)
constituye la esencia misma del movimiento, surgiendo de este principio un
ritmo y un diseño espacial.
José Limón, alumno de Doris Humphrey, transmitió estos
principios incorporando su propio estilo, enfatizando sobre las posiciones de
líneas curvas, péndulos, giros, dinámicas flexibilidad y coordinación. ,
Se trabaja sobre los elementos para la transformación
de las cualidades del movimiento con el uso consciente de los principios del
enlace en forma natural, la energía potencial de la suspensión transformándola
en energía cinética de la caída para después con el rebote lograr la
recuperación del eje y nuevamente volver a suspender, creando ciclos rítmicos
en los que el movimiento fluye con una sensación natural de libertad.
Los contenidos y los principios de esta técnica no son
posibles de aislar, ni tampoco de programar en orden progresivo para su
enseñanza-aprendizaje. Esta técnica basa su método de enseñanza en la
experiencia donde los ejercicios, secuencias y frases de movimiento contribuyen
de tal manera que el alumno logra sentir el diseño, el ritmo y la dinámica del mismo
como parte primordial del aprendizaje.
En las clases los alumnos tienen oportunidades de
explorar una serie de secuencias de movimientos originadas en los principios
básicos de esta técnica: caídarecuperación,
respiración, rebote, suspensión, sucesión, oposición, energía potencial y
energía cinética.
T.D.CONTEMPORÁNEA. III,
A: Con elementos de Cunningham
Uno de los aportes de Merce Cunningham a la danza contemporánea fue explorar el espacio
como un campo de posibilidades ilimitadas. Para él todas las zonas del espacio
son igualmente fuertes y están determinadas por el cuerpo del bailarín en
movimiento.
Fue un coreógrafo que localizó el movimiento en la
columna vertebral y causó una revolución al mezclar la técnica de Graham con el
ballet tradicional. Así su técnica genera infinitos radios, tomando muchos
elementos del Ballet clásicos y reescribiéndolos en infinitas y diferentes
direcciones. De esta manera, el trabajo de las piernas, que en el ballet
clásico genera virtualmente una cruz (delante, costados y atrás), en su técnica
desarrolla una infinidad de diagonales incluidas en los espacios de esta misma
cruz. Este mismo trabajo de centro y radios lo realiza con los brazos y el
torso para luego combinar ambos generando una mayor dificultad. A un conjunto
de movimientos (secuencia) le cambia el punto de su visión creando una
multiplicidad de espacios. Los principios de la técnica de danza contemporánea Cunningham se basan en la esencia de los ejercicios de
espalda, continuando con un calentamiento de centro, movimientos lentos,
combinaciones a través del suelo y pequeños y grandes saltos. Cunningham propone una danza abstracta cercana al
virtuosismo académico.
Con esta técnica se cultiva la precisión, la
articulación y la fuerza, otorgando un amplio rango de posibilidades de
movimiento, a la vez que una mente flexible, otorgando una práctica física
musical y de alineamiento
En cuanto a su metodología de trabajo dio un lugar muy
importante al azar y se propuso despojar a la danza de la estructura narrativa
y de su dependencia de la música. Cunningham no
estaba interesado en contar historias, o explorar la psicología humana. El tema
de su danza es la danza misma. Música, vestuario, escenografía, iluminación y
coreografía tienen su propia identidad y su propia lógica cada uno por
separado.
Merce Cunningham aportó al desarrollo del arte
contemporáneo en la segunda mitad del siglo XX, superando el límite estricto de
la danza. La música y la pintura contemporánea se han beneficiado con las
propuestas que Cunningham ha realizado con grandes
artistas del SXX como Robert Rauschenberg Jasper Johns o el músico John Cage.
Es por eso que, la visión artística y la concepción radicalmente diferente de
la danza invitaron a grandes artistas plásticos a formar parte de sus proyectos
y a investigar el proceso creativo de forma interdisciplinaria. Fue uno de los
pioneros en indagar la relación entre la coreografía y el video.
B: Con elementos de técnica Release
La fundamentación de ésta técnica se basa en la
conciencia profunda del cuerpo, a través del conocimiento de las estructuras
ósea y muscular, para optimizar el uso de la energía y no sobreexigirlo
al ejercitar
Propone ser más efectivo con menos esfuerzo, saber
cuándo tensar y cuándo relajar, contraer o soltar, y dejarse ir aprovechando la
inercia del movimiento, permitiendo que éste simplemente aparezca. Se trabaja
con las alineaciones de la estructura ósea, desde la clavícula hasta la punta
del pie, entendiendo que cada postura tiene una posición correcta que hace más
fácil el trabajo. Puede parecer que en el release los
movimientos son laxos, en realidad responden a una organización precisa y
utilizan puntos de dirección específicos. Es esencial manejar la noción de peso
corporal, potenciando el flujo del movimiento en vez de la contracción o fuerza
muscular.
Por su parte, las secuencias coreográficas crecen
volumétricamente en forma tridimensional al incorporar la sensación espacial de
esfera. Las secuencias de movimiento se trabajan como acumulaciones, es decir,
construyendo frases con estructura propia que pueden reordenarse de diversas
formas.
T.D.CONTEMPORÁNEA. IV,
A: Con elementos de Contact-Improvisación
El Contact Improvisación es
una danza relacional que se crea desde la improvisación con las posibilidades
que ofrece el contacto con otro cuerpo. Es una forma de danza que promueve la
comunicación y el diálogo, va desde un estado de quietud hasta una máxima
destreza, realizada con tranquilidad orgánica. La forma cambia y evoluciona
permanentemente, sin modelos ni estructuras fijas.
En el Contact, dos o más
personas se mueven juntas, manteniendo un espontáneo diálogo físico, tomando
inspiración del contacto consigo mismo y el contacto con el otro, con la tierra
y con el espacio. Se usan diferentes elementos y recursos, entre ellos: el
contacto, el toque, la fuerza de gravedad, el peso, la capacidad perceptiva,
las sensaciones y las diferentes cualidades de movimientos. Estimula un estado
de alerta para abrir el camino hacia la improvisación.
A través de la práctica de Contact
improvisación se podrá:
• Desarrollar y experimentar la percepción de uno
mismo y del otro a través de un entrenamiento físico, sensorial y lúdico.
• Conocer, ampliar y fortalecer habilidades físicas,
tales como sostener-ser sostenido, dar-recibir peso, guiar y ser guiado.
• Cultivar la observación y la escucha, y lograr un
estado de "atento-alerta"
• Estimular la improvisación a través de un espacio de
investigación y comunicación.
Se combina el trabajo pautado y pequeñas frases o
secuencias de movimientos, con exploración, improvisación y creación de
material propio. Por otra parte, y a la vez combinado con la danza se realizan
destrezas individuales y en parejas. En cuanto a los elementos se incluyen los
más técnicos (peso, contrapeso, equilibrio y desequilibrio, rodar y deslizar,
ceder y resistir, los impulsos, los apoyos, las inversiones, el uso de la
gravedad, la inercia, el espacio circular) y los más sutiles
(conciencia corporal, escucha propia y del compañero,
fluidez, sorpresa, creatividad).
Estos elementos se complementan con ejercicios de
exploración de la danza y el movimiento, creaciones e improvisaciones pautadas,
y trabajo corporal creativo.
La incorporación de los elementos de esta técnica
permite diseñar una secuencia para proponer su práctica en cualquier grupo de
alumnos dispuestos a moverse y bailar a partir de sus posibilidades.
B: Con elementos de Flying Low
Ésta técnica revisa y actualiza conceptos, abordajes y
prácticas de las técnicas de nueva danza. Toma elementos de Release
y de la técnica Cunningham y propone actualizar la
experiencia técnica de materiales conocidos abordando nuevas necesidades
acordes a exigencias diferentes.
Con patrones sencillos de movimiento que involucran la
respiración, la velocidad y el fluir de la energía a través de todo el cuerpo
se pretende activar la relación entre el centro y las extremidades. Mediante el
trabajo de los principios físicos básicos se busca desarrollar los mecanismos
para que el cuerpo establezca una mayor conexión con el suelo y el espacio
circundante.
Esta técnica se basa en la estructura ósea como
herramienta para conseguir una mejor percepción, estado de alerta y
predisposición al movimiento. La alineación de la estructura ósea permite
soltar el exceso de tensión en los músculos más superficiales para encontrar el
soporte muscular más profundo. Observar, percibir y reactualizar la entrega de
peso y el flujo de la respiración posibilita la liberación de tensión innecesaria,
permitiendo la alineación, y la apertura de las articulaciones (abrir, vaciar,
dejar fluir, conectar). Se trabaja sobre las superficies de base (pies,
caderas) buscando volumen y estabilidad, haciendo foco en los apoyos tanto de
suelo como en
la verticalidad. Los brazos, las piernas, los codos,
las rodillas, son extensiones del centro del cuerpo. Se trabaja en la búsqueda
de conexión entre nuestro centro y nuestras extremidades con la imagen de abrir
espacios entre articulaciones.
Los conceptos que se manejan son la cohesión y
expansión. Se pone atención en la proyección de los movimientos y del cuerpo en
el espacio-tiempo (direcciones, intención, uso y percepción del espacio).
Buscando entrar y salir del piso con gran fluidez como un objetivo a alcanzar,
esta técnica se basa en los espirales preexistentes en el cuerpo y el espacio y
la relación entre ambos. Se explora la relación del bailarín con el suelo en
sus tres niveles (bajo, medio y alto) a través de
rodadas, desplazamientos, caídas, etc. y también la
percepción del movimiento y energía de los otros compañeros.
El cambio es fundamental en esta técnica y se propone
nuevas exploraciones de la manera de usar la energía y la comunicación, Los
alumnos con este tipo de práctica aprenden a ser más flexibles al comunicase a
través de su propio movimiento, con los otros intérpretes en el espacio que
comparten.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LA DANZA CLÁSICA Y CONTEMPORÁNEA
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Las transformaciones que se han producido en la
realidad socio- cultural contemporánea y que han supuesto un cambio importante
en el panorama educativo,
demandan del mismo modo, un fuerte replanteo de los
fundamentos científicotécnicos- pedagógicos en la formación
de profesores especializados en un área artística determinada.
El objetivo de la asignatura es proporcionar a los
estudiantes la formación inherente a su función profesional en relación con la
enseñanza de las Danza Clásica y Contemporánea desarrollando el conocimiento
teórico – práctico sobre los elementos y componentes fundamentales del proceso
de enseñanza – aprendizaje de esta área, según su aplicación en los diferentes
ciclos y modalidades del sistema educativo o en diversas realidades sociales.
El abordaje de la materia requiere de los saberes
construidos en el campo de las asignaturas específicas, de los provenientes de
la Didáctica General y de las experiencias realizadas durante las instancias de
Proyecto de Práctica I, II, III y IV.
Estos espacios constituyen soportes de Proyecto de
Práctica V, en el que tiene lugar la práctica pedagógica concreta de los
alumnos a través de la Residencia.
La Didáctica especializada en consecuencia es la
disciplina que sistematiza los conocimientos de los otros campos formativos y
promueve la reflexión y la adquisición de una mirada crítica que permiten a los
futuros docentes reconstruir conscientemente sus acciones e identificar las
intenciones educativas que pretenden.
El logro del saber enseñar danza clásica y
contemporánea requiere del manejo preciso de los contenidos disciplinares de la
especialidad y la interpretación de la problemática de enseñanza aprendizaje
que se plantea en la realidad del aula. Estos aspectos se asocian con el
conocimiento de las características de los alumnos a quienes va dirigida la
práctica y el reconocimiento del contexto en el que se produce la acción
docente.
La planificación didáctica, la elaboración del diseño
de la enseñanza en cuanto a objetivos, selección y secuenciación de los
contenidos y organización de actividades, la problemática de la transposición
didáctica, las metodologías y recursos, los modos de evaluación, contenidos
trabajados en el campo de formación docente componen el marco
teórico-conceptual, que debe articularse con el universo artístico cultural de
la danza clásica y contemporánea.
CICLO COMPLEMENTARIO DE FORMACIÓN ARTÍSTICA
ASIGNATURA: ANATOMIA FUNCIONAL Y BIOMECÁNICA PARA DANZA CLÁSICA Y
CONTEMPORÁNEA
REGIMEN: ANUAL 3 HORAS
Esta asignatura pretende sentar los conocimientos y la
comprensión básica acerca de las posibilidades anatómico-funcionales del
movimiento humano, sus estructuras, sistemas y funciones específicamente del
aparato locomotor. Por este motivo, requiere abordar el estudio de las leyes
que rigen el movimiento humano partiendo del desarrollo normal y con un
tratamiento teórico práctico en el que se incluye la adquisición de un lenguaje
técnico específico.
Analizar el movimiento de la danza desde los enfoques
anatómico funcional y biomecánico permite conocer y
comprender la eficiencia y economía del movimiento saludable, y las leyes que
conducen el movimiento humano voluntario.
Se propone la observación, la exploración y el
análisis del movimiento ofreciendo al futuro docente, las herramientas
conceptuales necesarias para el cuidado del propio cuerpo y el de sus alumnos.
Se estudia el desarrollo evolutivo del ser humano y su implicancia en los
procesos de enseñanza y aprendizaje de la danza. Es imprescindible una
permanente retroalimentación con las otras asignaturas prácticas de Danza
Clásica y Contemporánea.
Dentro de los contenidos a desarrollar se incluyen los
relacionados con el aparato locomotor teniendo en cuenta sus características
morfo-funcionales y el desarrollo evolutivo; los cambios y adaptaciones de todo
tipo que ocurren durante el movimiento (la circulación sanguínea, la
contracción muscular, la elongación, el equilibrio, la coordinación, entre
otros), los sistemas que se interrelacionan:(el sistema nervioso central y
periférico), el sistema sensorial, los sentidos somáticos (táctil y de
posición, termorreceptores y de dolor) y las
sensaciones somáticas (exterorreceptivas, propioceptivas, viscerales, profundas).
También se incluyen las leyes del movimiento
considerando los principios de inercia, de masa, de acción y reacción, la ley
de gravedad, la base de sustentación y los movimientos de rotación y
traslación. Se propone el estudio de la estructura biomecánica: con los
sistemas de referencias dados por los planos y los ejes y la postura y el
esquema corporal.
En este estudio deben incluirse también los contenidos
relacionados con las cualidades físicas (fuerza, resistencia, flexibilidad,
velocidad, reacción), con la ergonomía (esfuerzos al realizar palancas,
tracción, torsión) y las alteraciones anatómicas y biomecánicas durante el
desarrollo del cuerpo humano.
ASIGNATURA: EDUCACIÓN PARA LA SALUD Y LA DANZA
REGIMEN: ANUAL - 2 HS SEMANALES
Esta materia propone a los alumnos comprender la
relación estrecha e imprescindible entre la danza y la salud concibiendo a la
danza como generadora de salud. Por este motivo, un docente de danza es un
profesional que se asume como agente de salud.
En el desarrollo de la materia se promueve el cuidado
del propio cuerpo atendiendo a las condiciones para sostener una buena calidad
de vida. Las prácticas de prevención se construyen a través de implementar
hábitos corporales sanos y la conciencia de la necesidad de una preparación
psicofísica de la persona que danza.
Se abordan los conceptos de salud que propone la
Organización Mundial de la Salud junto con consideraciones sobre la importancia
de una buena nutrición para el desarrollo de cualquier actividad física y en
especial para aquellos que eligen la danza como profesión. Se presta especial
atención a los diversos trastornos y alteraciones de la alimentación y las
maneras de detectarlos y prevenirlos.
También se incluyen los aspectos que previenen y
atienden las lesiones más frecuentes en la práctica de la danza como las
tendinitis, los esguinces, las patologías crónicas y, las lesiones por
sobreesfuerzos. Por eso, también se atiende a la relajación y a una buena
utilización de la energía y el tono muscular.
Pensar en una materia de danza y salud implica
concebir al cuerpo como una unidad en la que se integran factores psicológicos,
biológicos y sociales. Las emociones y las características personales son los
puntos de partida para comprender la función que puede cumplir la práctica de
la danza en el desarrollo de cada persona. Se tiene en cuenta permanentemente
la responsabilidad de los futuros docentes en relación a la prevención y los
cuidados que implica la práctica de cualquier danza. Están incluidos también
los aportes de las neurociencias y de la psiconeurobiología.
ASIGNATURA: APRECIACIÓN MUSICAL PARA LA DANZA
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Apreciación musical I, Apreciación musical II
El reconocimiento de elementos técnicos musicales y
expresivos en obras del repertorio musical producido en distintas épocas y
culturas, consiste en la identificación auditiva de los mismos y la posibilidad
de diferenciar (a través de la escucha y la representación corporal) patrones
estructurales. El repertorio abarca tanto las formas musicales del barroco,
clasicismo, romanticismo y post-romanticismo europeo (sonatas, sinfonías,
conciertos, poemas sinfónicos, ballet, etc.) como también aquellas producciones
del siglo XX, de la música popular, masiva y académica.
La metodología sugerida para esta asignatura parte del
contacto con la música en forma empírica, usando el cuerpo, la voz, objetos e
instrumentos. La apropiación de los patrones y las formas musicales se logra a
través de una acción donde se integran el cuerpo, la mente y la percepción,
evitando una práctica centrada en el conteo de tiempos y en el análisis
meramente morfológico. La estructura métrica, los ritmos, los cambios de tempo,
las texturas, melodías, cadencias, son elementos del discurso. La combinación
de dichos elementos permite una comprensión más acabada del hecho musical.
La internalización global e integrada de los elementos
técnico-musicales y discursivos, colaboran con la efectiva comprensión de la
obra, y se convierten en “señales” para la composición coreográfica.
A lo largo de los dos años de cursada, los estudiantes
tienen acceso a un repertorio variado, que les posibilita la construcción de
criterios musicales para la selección de obras. La adquisición de criterios
para la selección de un repertorio de obras musicales para la danza permitirá
que, ante la instancia de elaborar una propuesta coreográfica, por ejemplo,
estén en condiciones de elegir una obra atendiendo a: la riqueza discursiva
(reconocida a través del análisis de la estructura y el modo en que se
presentan los elementos del discurso musical), el género, la procedencia, la
representatividad de un período histórico (a través del reconocimiento de
rasgos estilísticos), entre otras variables. De este modo, podrán fundamentar
sus decisiones en torno de una propuesta coreográfica desde un conocimiento más
profundo del material musical de base.
La audición es un proceso de complejización
progresiva, porque avanza, por un lado, hacia la discriminación de diferencias
y matices cada vez más sutiles, y por el otro, se pasa de la atención selectiva
de componentes aislados del discurso musical a la consideración de elementos
que se combinan, superponen y yuxtaponen. Esta característica propia del
proceso de la audición musical, puede servir como criterio para poder
seleccionar las obras para trabajar: la claridad discursiva y la longitud de
las obras. Estos criterios permiten el abordaje de obras de diversos géneros,
estilos y procedencias en ambos años, sin necesidad de realizar una
distribución cronológica pero garantizando la apreciación de obras de música
clásica, romántica y contemporánea.
ASIGNATURA: HISTORIA DE LA DANZA
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
El alumno del profesorado de Danza Clásica y
Contemporánea tiene que comprender y conocer aspectos relacionados con la
función de la Danza a través del tiempo. En el profesorado se selecciona lo
referido a la Danza escénica a partir de la Revolución Francesa ya que se
considera que en el nivel anterior ya han aprendido los períodos
correspondientes a la Historia de la danza desde la Prehistoria hasta dicho
momento histórico.
El conocimiento de la danza escénica desde un punto de
vista social e histórico ofrece herramientas para incorporar en sus futuras
prácticas pedagógicas y en su trabajo creativo como intérpretes de la Danza
Clásica y Contemporánea.
En primer lugar se comienza con la reforma artística
de Jean Georges Noverre (1727-1810), considerado
justamente como “reformador de la danza”, ya que fue él verdaderamente quien
convirtió el ballet en género artístico completo e independiente.
Se vincula a la danza con el contexto histórico pre y
post Revolución francesa y la importancia de las nuevas ideas que produjeron un
nuevo punto de vista del lugar del hombre en la Danza.
El ballet Romántico del SXIX convierte al individuo en
tema del arte. La sensibilidad y la imaginación se instalan sobre la razón. El
ballet se convierte en expresión de sentimientos personales bajo una forma que
se diferencia de los gestos estrictamente codificados desde hacía un siglo y
medio. Es el período en el que se comienza con el uso de las zapatillas de
punta. Surgen grandes obras que continúan representándose hasta hoy como La Sylphide y Giselle. Lo femenino se consideró a partir de
una visión ideal de la mujer lo que produjo la aparición de las grandes
bailarinas románticas:
María Taglioni, Fanny Elssler, Carlota Grissi, Lucille Grahn, Fanny Cerrito.
Se estudia la escuela francesa de ballet para después
relacionarla con la expansión que se produjo en el extranjero en la escuela
italiana y en la escuela de Copenhague.
Se continúa con el estudio del Ballet Académico con la
escuela de San Petersburgo y la importancia de Marius
Petipa, bailarín francés, contratado en 1847 como
primer bailarín de la misma, profesor de la Escuela Imperial de Ballet y más
tarde coreógrafo.
Se estudian las características y los aportes de los
grandes ballets académicos: la búsqueda estética, alejada de la historia que se
está contando en la obra, pasa por la belleza formal del movimiento de la danza
clásica y se lleva la técnica al punto extremo de artificialidad. Se toman como
ejemplo: Don Quijote, La Bayadère, La Bella
Durmiente, El Lago de los Cisnes, Raymonda, Corsario,
El Cascanueces.
Posteriormente se sigue con el Neoclasicismo y los
primeros intentos por romper con el formalismo académico. Surgen los Ballets
rusos de Diaghilev, Fokine,
Nijinsky, Balanchine y Serge Lifar.
El estudio de la Danza Moderna incluye a la escuela
americana. Isadora Duncan. Loïe
Fuller. Ruth Saint-Denis. Ted Shawn.
La Denishawnschool. El Bennington
College. Charles Weidman.
Doris Humphrey. José Limón. Martha Graham. Merce Cunningham. Paul Taylor. Twyla Tharp y los post modernos. Lester
Horton. Alvin Ailey.La escuela alemana. Emile
Jaques-Dalcroze. Rudolf von
Laban. Mary Wigman. Kurt Joos. Alwin
Nikolais. Carolyn Carlson.
La danza en el mundo contemporáneo se trabaja a partir
de ejemplos de las grandes compañías y las grandes escuelas de danza del mundo.
El Bolshoi, el Kirov, el
American Ballet, el Royal Ballet de Londres, el Nederlands
dance Theater y Jiri Kylian, Pina Bausch y el Wuppertal Dance Theater, Maurice Bejart, el Ballet de la Opera de París y, otras compañías
de Danza Contemporánea del mundo.
La danza escénica en Argentina también se incluye en
este espacio curricular considerando tanto los ámbitos oficiales como los de la
danza independiente. Se estudian los grandes coreógrafos y bailarines
argentinos. Se considera el desarrollo de la danza clásica y de la danza
contemporánea a partir del conocimiento de por un lado el Ballet del Teatro
Colón y su escuela y por el otro el Ballet Contemporáneo del Teatro General San
Martín y su escuela.
ASIGNATURA: REPERTORIO Y PARTENAIRE I
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
Es una materia práctica, con análisis teórico y
práctico de los diferentes fragmentos de los ballets del repertorio clásico y
sus estilos, especialmente del ballet romántico y académico. Dentro del marco
teórico, se atiende al aspecto histórico-social de la evolución coreográfica
del siglo XVIII al XIX.
La propuesta es seleccionar obras de distintos estilos
con el fin de proporcionar un panorama del ballet romántico, ballet académico,
etc. El alumno tiene la oportunidad de conocer la coreografía, el argumento, la
música, el vestuario, la iluminación y la historia de cada repertorio.
Como se propone que el alumno comprenda y analice los
elementos compositivos a través de la práctica la propuesta es que interprete
piezas de repertorio de la danza clásica, con la naturalidad del dominio
técnico y la pureza de estilo de la obra.
Analizar danzas en grupo, papeles de solista y ballets
completos, conocer y diferenciar los ballets más significativos de las
diferentes épocas y tendencias artísticas, profundizando en la variedad de
estilos y matices son parte de los contenidos a trabajar.
Para realizar el trabajo del partenaire hombre hay que
tener una buena preparación física y mucha práctica para realizar los diferente
“portes”. Se realizan ejercicios para la espalda y los brazos con la finalidad
de aumentar su fuerza en las levantadas. Se trabajan fragmentos de ballets con
partenaire, sincronización de movimientos, equilibrios, etc.
ASIGNATURA: REPERTORIO Y PARTENAIRE II
REGIMEN: ANUAL – 2 HORAS SEMANALES
Es una materia práctica, con análisis teórico y
práctico de fragmentos de obras de repertorio neoclásico, moderno y
contemporáneo. Se analiza dentro del marco teórico, el aspecto histórico-social
de la evolución coreográfica del siglo XX al XXI. Las coreografías propuestas
son de creadores nacionales e internacionales.
Con respecto a la idea de la clase con orientación al
Partenaire contemporáneo surge la situación de problematizar y comprender de
qué manera la función del partenaire se transforma en la danza contemporánea.
En estas clases, se motiva la rotación del rol masculino y femenino
constantemente para ampliar el espectro de las posibilidades de interpretación.
Esta asignatura está interrelacionada con Danza
Contemporánea con elementos de Contact ya que se
trabaja el equilibrio en las distintas calidades de movimiento desde la
perspectiva del trabajo con otro. También es necesario saber cómo levantar,
agarrar, sostener, bajar, tirar, suspender, apoyar o girar explorando todas las
variantes del trabajo con un compañero, en tríos y en grupos más numerosos.
ASIGNATURA: ELEMENTOS DE COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA
RÉGIMEN: ANUAL 2 horas
La composición coreográfica es el proceso de construir
y diseñar movimientos/ideas.
El objetivo general de esta materia es el conocimiento
de la problemática vinculada a las condiciones de la puesta en escena y la
creación de coreografías.
Se espera que los alumnos puedan desarrollar sus
capacidades para componer, brindándoles herramientas teóricas y prácticas
básicas y que puedan participar en improvisaciones para crear estructuras
coreográficas. El trabajo de composición implica una selección que estimula la
invención.
Algunos de los lineamientos a trabajar son la técnica,
el tema, la forma, el espacio, el análisis de los movimientos corporales (la
construcción de un lenguaje coreográfico), las calidades y la energía, el
tiempo, la improvisación. También se proponen ejercitaciones con distintos
materiales y su forma de organización (solos, dúos, tríos), analizando y
comprendiendo una aproximación a distintos tipos de proyectos de producción.
La propuesta pedagógica que se presenta, se basa en la
metodología de estudio y análisis del movimiento desarrollada por Rudolph Von Laban, uno de los
pilares de la investigación del análisis del movimiento y creador de la danza
moderna en Europa.
Tiempo – Espacio - Energía son las tres variables que
se aprenden a distinguir con claridad para transformarlas y para crear
materiales y organizar estructuras. A partir de los trabajos propios realizados
por los alumnos se ofrecen pautas básicas para la construcción de escenas
coreográficas.
ASIGNATURA: COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA I: Danza Clásica
RÉGIMEN: cuatrimestral 2 horas
En este espacio curricular se abordan las características
de la composición coreográfica de la Danza Clásica Los conocimientos adquiridos
en Elementos de composición coreográfica son la base para organizar las
propuestas.
En este espacio el eje está puesto en la elaboración y
creación de composiciones coreográficas con la Danza Clásica. Para este fin, se
propone distinguir los distintos momentos en el proceso de creación
coreográfica a través del conocimiento y aplicación de herramientas de
composición coreográfica tales como, el vocabulario corporal y gestual, los
elementos coreográficos propios del estilo clásico (pas
de deux, variaciones, cuerpo de baile), el análisis
de las formas en el espacio total y parcial, la relación con la música y la
temática de la obra (argumental o abstracta).
Se crean situaciones para que los alumnos puedan
inventar y proponer pequeñas composiciones coreográficas personales. De esta
manera, la capacidad del alumnado para coreografiar, formando un todo,
coherente y equilibrado, organizando los distintos elementos estudiados es una
de las capacidades a desarrollar. Como futuro docente el alumno tiene que ser
capaz de enseñar a sus alumnos a crear sus coreografías.
Dentro del grupo de alumnos se propone la rotación de
los roles de intérprete o coreógrafo para poder realizar una reflexión crítica
tanto de sus producciones como de sus maneras de elaborar las consignas.
En esta asignatura se interrelacionan los aprendizajes
anteriormente adquiridos en Repertorio y Partenaire, Historia de la Danza,
Elementos de composición coreográfica y los distintos talleres realizados.
ASIGNATURA: COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA II: Danza Contemporánea
RÉGIMEN: cuatrimestral 2 horas
En este espacio curricular se abordan las
características de la composición coreográfica de la Danza Contemporánea. Los
conocimientos adquiridos en Elementos de composición coreográfica son la base
para organizar las propuestas.
En este espacio se exploran y practican técnicas de
Improvisación como herramienta fundamental de la creación coreográfica. Se
estudia el binomio espacio/tiempo problematizándolo en diferentes propuestas.
También se tiene en cuenta las posibilidades de interrelación que existen ente
la composición coreográfica con las otras artes y con los medios audiovisuales.
Se crean situaciones en las que se explora la estructura, y el movimiento
usando estrategias personales.
La organización desde lo sintáctico y temático,
permite definir el nivel de construcción y el de significado. Se utiliza el
triple eje: material - organización - discurso para determinar tipos generales
en la relación coreográfico.
Los alumnos trabajan a partir de una pequeña
composición en la que integran alguna de las técnicas de danza contemporánea
estudiadas. Es importante que el alumno aprenda a componer una obra
coreográfica para que en su futuro rol de docente, sepa enseñar a sus alumnos a
realizar sus coreografías. Las secuencias coreográficas creadas por los alumnos
se transmiten a los otros compañeros, para alternar los roles de coreógrafo e intérprete.
La reflexión sobre la propia creación y sobre las composiciones de los otros
son parte de la tarea.
Se valora la capacidad del alumnado para asumir su
papel como intérprete, como miembro de un grupo y también su responsabilidad en
la unidad del conjunto. También se destaca, la adecuación del papel de cada
intérprete de manera personal y creativa y el vínculo que se establece con el
público en variados contextos.
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Este taller se propone como un espacio para que los
futuros docentes integren algunas nociones fundamentales del lenguaje teatral a
su formación. Los conocimientos incorporados desde el teatro acompañan y
favorecen su práctica de la Danza ya que utilizan el cuerpo y la voz para
exteriorizar y comunicar ideas, emociones y sensaciones.
Asimismo, se propone que los modos de expresión y
comunicación de la situación argumental, del rol y de las características del
personaje que el bailarín interprete, sean acordes con la forma teatral elegida
para representar. Para los casos en que la trama del argumento exija la
representación de roles con rasgos lineales o esenciales de carácter (Giselle, Coppelia, Romeo y Julieta, Petrushka;
la ingenuidad, la violencia, la seducción, el tedio, la alucinación, la
soledad) se presenta un estilo de actuación que facilite traducir en los
gestos, la voz, la expresión corporal y el movimiento en el espacio la síntesis
de los aspectos físicos y psicológicos de esos personajes.
La observación y análisis de actitudes corporales y
gestuales, y la decodificación de estados de ánimo es una tarea fundamental
para la propuesta. Los alumnos analizan los gestos y los movimientos en
posturas propias, de los compañeros y de otros “personajes” de la vida diaria.
También pueden observar la gestualidad en bailarines y actores en
representaciones de ballet de repertorio, de farsas, sainetes, melodramas, etc.
La creación de situaciones en conflicto con otros
personajes, la representación de cortas escenas resueltas sin palabras
partiendo de la música o del sonido y elaborando la escenografía y el vestuario
que la complementen, son actividades que ayudan a que el alumno se ejercite en
decodificar intenciones y encontrar los modos de comportamiento de los
personajes en la escena observada. El propósito es que logren utilizar el
cuerpo para expresar una actitud o el estado de emoción de un determinado
personaje.
ASIGNATURA: TALLER DE VESTUARIO, MAQUILLAJE Y CARACTERIZACIÓN
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
La escenografía, la iluminación, la música así como el
vestuario, el maquillaje, la interpretación de los actores o bailarines y
otros, son partes de un todo con los que el director teatral compone el
significado de su puesta en escena. Dentro del proyecto total de una
representación, ninguno de estos medios está aislado ya que se articulan entre
sí como signos de una misma concepción escénica. No obstante, es posible
estudiarlos como elementos para conocer las posibilidades técnicas que ofrecen.
Este taller se propone como un espacio para delinear y
explorar algunas nociones principales de los elementos escenográficos y
luminotécnicos con los cuales se ambienta el espacio escénico. También, por lo
antedicho, se propicia la realización de trabajos articulados con el taller de
Vestuario, Maquillaje y Caracterización.
El concepto de que la escenografía debe describir un
ambiente con decorados u ornamentaciones que imiten la realidad, y de que las
luces iluminen el escenario sólo “para que se vea” ha caído en desuso.
Actualmente se considera que el fin de ambos lenguajes dentro de un
espectáculo, es el de crear espacios que pongan en evidencia y subrayen los
sucesos, las acciones, los climas propuestos por el texto original y por la
idea de la puesta en escena.
En lo referente a escenografía, además de conocer la
evolución histórica del espacio escénico y la arquitectura relacionada con los
edificios teatrales, se ofrecen al alumno conocimientos elementales de la escenotecnia clásica (telones, bambalinas, practicables,
rompimientos, aparejos), se realizan proyectos de una planta escenográfica, así
como las formas de representarlos, por ejemplo, mediante plantas, bocetos,
maquetas.
Un concepto importante a atender es la relación entre
el espacio escénico y el del espectador: su función de acuerdo a los propósitos
comunicativos; los límites y conveniencias de cada elección de acuerdo a las
posibilidades del espacio con que se cuenta y con la estética elegida; las
múltiples formas de resolución de espacios convencionales o no convencionales
(a la italiana, circular y semicircular; espacios múltiples, espacios móviles,
etc.)…
En estrecha vinculación con los contenidos de
escenografía se incluyen los aspectos relacionados con el Diseño de la
iluminación. Se espera que el alumno conozca distintos sistemas de luces
(consolas analógicas y digitales) y adquiera nociones técnicas mínimas de
luminotecnia que le permitan distinguir diferentes formas de producción de luz
y su aplicación, el alcance y la significación del color, del flujo o la
potencia así como de la dirección de la luz.
Comprender la función que tienen estos elementos en
los espectáculos o en las puestas experimentales que realizan los alumnos
permite pensar la complejidad de la combinación de elementos que confluyen en
un espectáculo teatral y las sensaciones que pueden llegar a provocar en el
público que observa la puesta en escena completa.
La visita a distintos teatros y lugares de espectáculo
donde los alumnos puedan observar varios y diferentes escenarios y fuentes de
iluminación es el complemento a los conceptos que se estudian en el taller.
ASIGNATURA: TALLER DE ESCENOGRAFÍA Y DISEÑO DE ILUMINACIÓN
REGIMEN: ANUAL 2 horas semanales
El vestuario, el maquillaje, las máscaras, la
interpretación de los actores o bailarines así como la escenografía, la
iluminación, la música, son elementos de un todo con los que el director
teatral compone el significado de su puesta en escena.
Como todos los elementos plásticos y sonoros de la
representación, vestuario y maquillaje también se constituyen en un signo para
el espectador y tienen, como función semiótica, la de revelar datos del
carácter, la personalidad, la condición social del personaje. Dentro del
proyecto total de una representación, ninguno de estos medios está aislado ya
que se articulan entre sí como signos de una misma concepción escénica. No
obstante, es posible estudiarlos como elementos para conocer las posibilidades
técnicas que ofrecen como recursos expresivos.
Este taller se propone como un espacio para delinear y
explorar algunas nociones principales de los medios que el bailarín utiliza
para completar la caracterización de su personaje en un espectáculo. También,
se propicia la realización de trabajos articulados con el taller de
Escenografía y Diseño de Iluminación ya que es importante que el maquillaje se
ajuste a las condiciones espaciales y a la luminosidad de la escena,
En el espectáculo, se puede considerar vestuario todo
aquello que el bailarín se pone para caracterizar el personaje que interpreta.
En este sentido sería vestuario no solamente la ropa (vestidos, capas, telas
envolventes, velos) sino también los accesorios que ayudan a tipificar o
identificar el personaje (máscaras, coronas, peinetas, varitas mágicas,
flores).
Al bocetar un vestuario se debe atender, además de la
caracterización general, las exigencias físicas que la coreografía impone al
bailarín para que el vestuario no entorpezca sus posibilidades expresivas. Para
prever posibles dificultades y poder intercambiar opiniones con el creador del
vestuario el alumno debe estar informado sobre calidades y eficacia de las
telas, tipos de adorno de los trajes, accesorios para complementarlo, etc.
El vestuario de la danza en la escena depende de la
concepción de la moda en los distintos períodos históricos. Relacionar la
evolución de la moda del vestido con los procesos políticos, sociales y
culturales vigentes en cada época, da herramientas para entender las razones
del pasaje de la imagen suntuosa y ornamentada del siglo XVII a la
simplificación o la abstracción de la actualidad.
El maquillaje es también un complemento del vestuario
utilizado para caracterizar el personaje. En escena el maquillaje debe
magnificar las finalidades de su uso en lo cotidiano (embellecer un personaje),
o acentuar rasgos representativos del rol o del carácter (hechicero, malvado) o
subrayar elementos de teatralidad (máscaras, rasgos exagerados y/o coloreados).
Desde el punto de vista técnico es importante que el alumno tenga conocimiento
de los productos (bases cremosas o compactas, barra de cera, aplicación de
postizos, matizadores para el cabello, etc.) y
adquiera habilidades para maquillar y/o caracterizar personajes: Es importante
que tenga conocimiento de los productos confiables preparados profesionalmente
para evitar daños peligrosos para la salud.
Tanto en Vestuario como en Maquillaje se aplicarán los
conceptos aprendidos a proyectos puntuales de realización de espectáculos.
Asistir a ver espectáculos donde los alumnos puedan
observar varias y diferentes resoluciones de vestuario, maquillaje y
caracterización de personajes es el complemento a los conceptos que se estudian
en el taller.
ASIGNATURA: TALLER DE PRODUCCIÓN ARTÍSTICA Y EJECUTIVA DE ESPECTÁCULOS
REGIMEN: ANUAL– 4 horas semanales
El taller propone una visión global de algunas
técnicas para la producción de un espectáculo de danza. Partiendo de los conocimientos
ya incorporados en la propia práctica se trata de que el alumno profundice los
temas de organización, gestión y administración de un espectáculo mediante
instrumentos actuales de producción para hacerlo más viable.
En este profesorado, el taller de Producción de
espectáculos, es un espacio para tener en cuenta todos los aspectos presentes
en la gestión de las producciones que crean los alumnos y que se consideran
adecuadas para comunicar a otros públicos.
Se tienen en cuenta, los tiempos de elaboración y
ensayos, la producción de escenografías, vestuario o las necesidades técnicas
que se requieran en el momento de la representación. También se deben
considerar los recursos humanos y financieros con los que se cuenta para la
gestión del espectáculo: diseño de costos, subsidios u otras formas de
financiación y las características requeridas para la presentación de
proyectos, promoción y difusión, información sobre circuitos oficiales,
alternativos, festivales; etc.
En este taller se debe realizar un trabajo de
articulación con los talleres de Escenografía y Diseño de Iluminación, y el de
Vestuario, Maquillaje y Caracterización para diseñar la producción total del
proyecto.
El taller promueve el encuentro con productores de distintos
tipos de espectáculos con el fin de referir y comentar sus experiencias
profesionales así como la visita a los teatros oficiales de la ciudad
pertenecientes al Complejo Teatral de Buenos Aires y al Teatro Colón y al
Teatro Nacional Cervantes.
7.4.6 Espacios curriculares del campo de la formación
específica del Profesorado de Danzas Folklóricas y Tango
ASIGNATURA: DANZAS FOLKLÓRICAS ARGENTINAS
REGIMEN: ANUAL – 4 HS. SEMANALES
(DANZAS FOLKLÓRICAS ARGENTINAS I, II, III y IV)
La asignatura propone la profundización y el
perfeccionamiento del patrimonio coreográfico folklórico, incluyendo versiones
y variantes coreográficas regionales, históricas y vigentes, con particular
énfasis en el estilo que los diferentes contextos socioculturales imprimen a la
forma danzada. La inclusión de una selección de danzas originales, de
proyección folklórica o nativistas que no integran el patrimonio oral
tradicional por ser danzas de autor, obedece a la fuerte aceptación social que
poseen y que ha hecho posible su permanencia en los ámbitos urbanos.
El objetivo general en la formación de los docentes se
orienta hacia dos finalidades complementarias: una pone el énfasis en el
dominio técnico, expresivo de las danzas, y la otra, en la práctica pedagógica.
Estos docentes podrán transmitir los valores de la cultura oral-tradicional a
partir de la reflexión del hacer y el disfrute de bailar integrados a una
práctica artística-pedagógica.
Asimismo se fomenta la investigación, desde una
concepción del Folklore como campo dinámico, en el que los comportamientos
folklóricos son interpretados en los contextos culturales donde se producen.
Igualmente se abordan trabajos de investigación actualizados, que aportan
nuevos enfoques y estrategias metodológicas tendientes a conformar una visión
disciplinar en constante renovación.
Se proponen dos tramos de dos años de duración cada
uno. Con esta organización se apunta a un estudio riguroso del repertorio desde
la dimensión práctica y teórica del movimiento y la coreografía en vistas a la
futura transferencia didáctica según los niveles educativos para los que
estarán habilitados.
Los contenidos organizados por núcleos temáticos se
realizan en base a la taxonomía de las danzas del musicólogo argentino Carlos
Vega.
TRAMO 1: DFA I y DFA II
El primer tramo abarca primer año (DFA I) y segundo
año (DFA II). Se propone el afianzamiento de las coreografías tipo -de acuerdo
con la bibliografía que se sugiere-, de las cuales los alumnos por haber
cursado el nivel medio o haber aprobado el nivel del ingreso, poseen
conocimiento general.
Se complementa la práctica con el análisis
morfológico, estilístico y fraseológico, la correlación entre los diseños
coreográficos, la música, la poética, el tipo y estilo regional del zapateo. La
representación gráfica de las trayectorias, la aplicación de la terminología
específica y el uso de la clasificación pertinente son algunas cuestiones
ineludibles para comprender la metodología a utilizar en la enseñanza.
Para trabajar la contextualización de las danzas se
utilizan los conceptos de áreas de la cultura criolla tradicional (espacio
geográfico) y el de generaciones coreográficas (espacio histórico) que permiten
tomar distancia de un inventario de formas para situarlas en un espacio de
representación y como la representación de esos espacios.
En cuanto a las danzas de alcance nacional se trabajan
en la región donde registran mayor antigüedad sumando las particularidades de
las otras áreas cuando corresponda.
TRAMO 2: DFA III y DFA IVI
En el segundo tramo integrado por tercer año (DFA III)
y cuarto año (DFA IV) se acrecienta el corpus coreográfico en la práctica y en
la teoría a partir de la contribución de las investigaciones regionales y
documentales (ver bibliografía) referidas a las variantes y versiones de las
danzas consideradas en el primer tramo, puntualizando la diversidad de estilos
que las distingue de manera diacrónica y sincrónica. Constituye también un
aporte valioso los encuentros con informantes o agentes sociales contemporáneos
para el traspaso de sus propios “modos de hacer”.
La selección de danzas de proyección tiene en cuenta a
aquéllas que, consagradas por el uso social, han alcanzado mayor divulgación y
continuidad en el tiempo. El abordaje didáctico se realiza a partir de la
metodología aplicada para las danzas tradicionales.
DANZAS FOLKLORICAS ARGENTINAS
PRIMER TRAMO
DFA I DFA II
Área cultural del noroeste y centro
Danzas de pareja:
♦ suelta independiente
♦ pareja suelta interdependiente (picarescas,
apicaradas, señoriales, gravevivas, vivas, animadas)
Subárea cultural de la Puna
Danzas colectivas.
Danzas de pareja
♦ suelta independiente
♦ suelta interdependiente (picarescas,
apicaradas, vivas)
Área cultural cuyana
Danzas de pareja
♦ suelta independiente
♦ suelta interdependiente (picarescas,
apicaradas, señoriales, gravevivas, vivas)
Área cultural patagónica
Danzas de Pareja
♦ suelta e independiente
Área cultural pampeana
Danzas de pareja:
♦ suelta e independiente
♦ suelta interdependiente
♦ enlazada (picarescas y apicaradas, señoriales,
gravevivas, vivas, animadas)
Área cultural del nordeste
Danzas de pareja
♦ enlazada
♦ suelta e independiente
Danzas en las zonas de hibridación:
Cuyana – Noroeste. Cuyana-Pampeana.
Noroeste-Pampeana. Noroeste- Nordeste.
Patagónico-Cuyana
Danzas en las zonas de hibridación:
Noroeste- Nordeste. Nordeste-Pampeana.
Noroeste-Pampeana. Patagónico-Pampeano.
Pampeana-Cuyana
Periodización (sugerida)
1776-1810, / 1811-1830 / 1831-1850 / 1851-1880 /
1881-1920 / 1921-1950 / 1951-2009
Contexto social
rural, urbano, suburbios, salón, según época y región
SEGUNDO TRAMO
DFA III DFA IV
Versiones y variantes coreográficas de las danzas
tratadas en DFA I.
Modalidades coreográficas regionales vigentes
Versiones y variantes coreográficas de las danzas
tratadas en DFA II.
Modalidades coreográficas regionales vigentes
Repertorio seleccionado de Danzas de proyección
folklórica
Repertorio seleccionado de Danzas de proyección
folklórica
BIBLIOGRAFIA
La selección bibliográfica que se presenta cumple el
fin de orientar la tarea docente sobre las coreografías que se desarrollarán en
cada uno de los Tramos propuestos para DFA. No refleja todo lo publicado sobre
el tema.
BIBLIOGRAFIA PARA EL TRAMO 1: DFA I y DFA II
ARICO, H. (1988). Las danzas folklóricas argentinas.
Guía técnica para el estudio integral. Bs. As.
BARRETO, T., CAMPINS, G y otros. (1980). Danzas
folklóricas argentinas. Bs. As. Fascículos 2 a 6
BENVENUTO, E. (1965). Danzas Folklóricas Argentinas. Cesarini. Bs. As.
CONESA, E. (1997). El nuevo desafío de las danzas
folklóricas en la E.G.B. I Parte. Río Gallegos,
DURANTE, B, BELLOSO, W. (1985). El método para la
enseñanza de las danzas folklóricas argentinas.
Bs. As.
N° 3389 - 29/3/2010 Separata del Boletín Oficial de la
Ciudad de Buenos Aires N° 175
MUÑOZ, M. A. (1977). Argentina y sus danzas. Filmediciones Valero. Bs. As.
NELLI, R., PEREZ DEL CERRO, H. (1953/1955). Compendio
de danzas folklóricas argentinas. Bs. As. Vol. 1 y 2
ZUGARO, R. (1969). Guía para la enseñanza de las
danzas folklóricas en la escuela primaria. Bs. As.
BIBLIOGRAFIA PARA EL TRAMO 2: DFA III y DFA IV
ARICO, H. (2008). Danzas tradicionales argentinas. Una
nueva propuesta. Bs. As.
BELTRAME, A. (1931 -1935). Bailes criollos.
Bs. As.
BERRUTI, P. (1976). Coreografías de danzas nativas
argentinas. tomo 1. Ed. Escolar. Bs. As.
CHAZARRETA, A. (1950/1952) Coreografía de las danzas
nativas argentinas. Bs. As. Vol. 1 y 2
FURT, J. (1927). Coreografía gauchesca; apuntes para
su estudio. Bs. As.
LADAGA, M. (2002). Bailes tradicionales bonaerenses.
Olavarría. Vol. 1 y 2
LOMBARDI, D. (1948) Danzas pampeanas. Bs. As.
MELO, S. GUZMÁN, A, GULLI, A. (1988) 50 Danzas
argentinas. Vol. 1 y 2. Bs. As.
PIORNO, C. L. C. de. (1951) Orígenes y significación
de las danzas tradicionales argentinas. La Plata.
VEGA, C. (1944- 1954). Bailes tradicionales argentinos
(23 cuadernillos) Bs. As. Ricordi
REGIMEN: ANUAL – 4 HS. SEMANALES
Tango I, II, III y IV
Esta asignatura propone el abordaje del Tango desde la
práctica enfatizando el estilo que adquiere como expresión social popular, es
decir como baile de salón. A tal efecto, se estudia particularmente la poética
y la música que configuran distintas épocas. En este sentido, es necesaria la
referencia a las orquestas ya que son las que aportan elementos para la
comprensión de la incidencia de las mismas en las formas y estilos que adquiere
la danza. Asimismo, los encuentros con informantes o agentes sociales
contemporáneos para el traspaso de sus propios “modos de hacer” son
indispensables para comprender al Tango como una manifestación artística en
continuo cambio.
Se promueve que los futuros docentes, desde el conocimiento
práctico del Tango y de otras danzas ciudadanas, (Vals cruzado y Milonga),
logren dominio de los elementos coreográficos y las particularidades
expresivas, y adquieran las herramientas metodológicas para la posterior
transferencia al campo educativo. La metodología apunta a la sincronización de
la pareja, la ejecución de ambos roles, del abrazo, de la postura, de las
marcas, de los desplazamientos, de la mecanización de las figuras básicas y sus
combinaciones, de la aplicación de variaciones rítmicas y estilísticas (tango
criollo, milonguero, canyengue, entre otros).
La pareja en el Tango se reconoce como unidad
expresiva y como creadora de su coreografía que desde la improvisación puede
plasmar una danza que constituye un desafío a la imaginación y a la técnica
guardando su cualidad de manifestación popular.
Hacia el final de los cuatro años de estudio se
promueven experiencias en las que los estudiantes elaboren sus propias puestas
en escena adecuadas a los diferentes ámbitos recreativos, artísticos y niveles
educativos.
Tango I Tango II
Tango de salón.
Posturas. Posiciones. Abrazo. La marca.
Caminatas.
Pasos y Figuras básicas. Acompañamientos.
Salidas. Resoluciones.
Recorridos.
Combinaciones, variaciones
Sistema paralelo y Sistema cruzado: acciones
Manejo rítmico musical
Tango criollo, milonguero, canyengue
Tango de Salón, Milonga y Vals cruzado
Posturas. Posiciones. Abrazo.
Salida y Resoluciones, variantes.
Figuras con giro. Variantes de figuras ,
acompañamientos y desplazamientos
Encadenamiento de figuras.
Cadencias. Ritmo. Estilo musical.
Diferenciaciones estilísticas de épocas
coreográficas.
Tango III Tango IV
Tango de salón. Milonga. Vals cruzado.
Figuras técnicas complejas.
Resoluciones espaciales. Adornos.
Combinación de elementos para desarrollar
coreográficamente
Diferenciación y análisis musical de las principales
orquestas y exponentes del género.
La influencia en la coreografía.
Códigos sociales de los espacios de práctica
Tango de salón. Milonga. Vals cruzado
Milonga: traspié,
Combinación de pasos y figuras más complejas.
Diferenciaciones estilísticas de épocas coreográficas,
su puesta en escena y montaje
Puestas experimentales con la utilización de los
contenidos coreográficos y en concordancia con los elementos estilísticos del
tango, de la milonga y del vals
Producciones improvisadas a desarrollar en los ámbitos
de práctica popular
Producciones con y sin argumento para la recreación
escénica. De estilo tradicional o de proyección
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
(Folklore I, II y III)
El Folklore es la disciplina antropológica que tiene
como objeto de estudio las características y la dinámica de la cultura oral
tradicional.
La cultura tradicional representa la suma de todos los
valores del pensamiento, de la expresión artística, de las costumbres y modos
de vida singulares de un grupo social enraizados en el pasado, en un pasado que
se vuelve presente en tanto las actuales generaciones lo asumen en la vida
cotidiana, con lo cual legitiman su permanencia histórica a la vez que
construyen su futuro.
Abordar el Folklore desde el análisis relacionado con
los actores sociales y con el patrimonio, requiere del estudio de los procesos
de cambio para explicar la compleja realidad del grupo portador y para
comprender las continuidades, las variaciones y transformaciones que los bienes
culturales presentan en cada pueblo y en cada momento histórico.
El propósito de la asignatura es la formación de
docentes capacitados para distinguir y valorar el caudal cultural popular y
anónimo, contribuyendo desde su labor profesional al fortalecimiento de las
identidades regionales y a su integración en el contexto argentino y
latinoamericano contemporáneos.
Folklore I – Folklore II
Se desarrollan los aspectos conceptuales de la
disciplina y la distribución del patrimonio tradicional según las áreas de
cultura, siendo la referencia cronológica un aspecto ineludible para la
contextualización. Esta propuesta permite articular con Danzas Folklóricas
Argentinas, Tango, Zapateo, Instrumentos Criollos y canto, Historia de la Danza
y del Tango, del Atuendo y otras materias específicas.
Los alumnos poseen saberes previos de la asignatura. En
este profesorado se considera la inserción de los hechos folklóricos
particulares en la problemática de vida de los portadores según el lugar, la
época y el sector social al que pertenecen. Tal perspectiva permite interpretar
el suceso como parte de la cosmovisión de un grupo social, de un tiempo y de un
espacio determinado.
Folklore III
Se profundizan los campos de aplicación de la ciencia
folklórica en la utilización del patrimonio tradicional para la solución de
problemáticas del propio medio social o en programas de salud, planes de
política cultural, de turismo y recreación, proyectos artísticos, etc. Es de
particular interés el Folklore aplicado en educación, considerando a la escuela
el lugar de privilegio para poner en acción estrategias tendientes al
afianzamiento de la identidad regional, al respeto por la memoria colectiva y a
la defensa de la diversidad cultural.
También se aborda el estado actual de los estudios
folklóricos a partir de los planteamientos que definen las líneas de
investigación de esta disciplina antropológica. Se tiene en cuenta el material
proveniente de las investigaciones regionales, de los congresos nacionales e
internacionales y de las instituciones dedicadas a la investigación o formación
profesional, seleccionando los aportes que se relacionan con la práctica
pedagógica.
ASIGNATURA: INSTRUMENTOS CRIOLLOS Y CANTO
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
(INSTRUMENTOS CRIOLLOS Y CANTO I, II, III y IV)
Esta asignatura se fundamenta en el perfeccionamiento
y profundización de los elementos técnicos, expresivos y performáticos
de los géneros musicales en relación a los aspectos líricos y coreográficos que
se abordan en las demás asignaturas (Danzas Folklóricas Argentinas I a IV,
Tango I a IV y Danzas Latinoamericanas I y II).
El objetivo general es que los docentes logren un
dominio técnico musical e interpretativo del canto como también del
instrumental tradicionalmente asociado al repertorio criollo y al Tango
argentino. Asimismo, se promueve la ejecución de los instrumentos en forma
intuitiva, la que posteriormente, se organiza en una sistematización de la
práctica individual y grupal.
La asignatura Instrumentos Criollos y Canto, ofrece al
estudiante la aplicación de las técnicas y recursos adecuados para el canto, y
la ejecución de los instrumentos orientada al autoacompañamiento
(armónico y rítmico) del canto o de una línea melódica instrumental. Las
distintas actividades y estrategias metodológicas posibilitan la comprensión,
interpretación y creación de los diversos géneros que integran el repertorio
tradicional folklórico y la música ciudadana argentina.
La selección de la información general y específica
con referencia a los instrumentos y a las formas de interpretación se plantea
en dos niveles distintos: uno en relación a la praxis pedagógica (trasposición
didáctica) y otro dirigido al fortalecimiento de la propia formación musical y
musicológica.
La finalidad es que los futuros docentes cuenten con
herramientas para el enriquecimiento de su práctica pedagógica. Los
conocimientos en torno al hecho musical desde la práctica musical misma
permiten apropiarse de la música de un modo más integral, sintiéndose capaces
de acompañar con instrumentos la danza con adecuada justeza rítmica, solvencia
y expresividad.
Se proponen dos tramos de dos años cada uno
TRAMO 1:
Primer año
Los estudiantes poseen conocimientos generales de un
repertorio musical-lírico y coreográfico por haber cursado el nivel medio o
haber aprobado la instancia de ingreso. En el primer año se afianza la
interpretación de dicho repertorio seleccionado bajo el criterio de regiones de
influencia.
Abarca el conjunto de géneros correspondientes a
Danzas Folklóricas Argentinas I, desde la perspectiva del análisis musical y
coreográfico hasta la definición de estrategias metodológicas pensadas para la
enseñanza en el aula, en los distintos grados y niveles educativos, de acuerdo
con las posibilidades de los destinatarios.
Segundo año
En este año se fortalece el dominio técnico musical y
se amplia el repertorio correspondiente al programa
de estudios de la asignatura Danzas Folklóricas Argentinas II, a lo que se le
adicionará lo concerniente a Tango. Milonga y Vals y Danzas Latinoamericanas.
Se tienen en cuenta la propuesta y la metodología de cada una de las materias
realizando un una reflexión crítica acerca de los aspectos técnicos pedagógicos
para un adecuado desarrollo del proceso de enseñanza aprendizaje.
TRAMO 2
Tercer año
En este año se consolidan los géneros musicales de
materias troncales como ser Tango, variantes de especies líricas y
coreográficas de Danzas Folklóricas Argentinas y versiones músico-coreográficas
del cancionero folklórico latinoamericano.
Cuarto año
En este último año se consolidan los conocimientos
técnicos musicales, expresivos y performáticos que se
evidencian en la práctica instrumental y el autoacompañamiento
del canto y las danzas. Los géneros musicales que se abordan, corresponden a
materias troncales como ser Tango, Milonga y vals, variantes de especies
líricas y coreográficas de Danzas Folklóricas Argentinas I, versiones
músico-coreográficas del cancionero folklórico latinoamericano y el cancionero
folklórico infantil aplicables según el nivel en el que desarrollará el futuro
docente.
INSTRUMENTOS CRIOLLOS Y CANTO
PRIMER TRAMO
INSTRUMENTOS CRIOLLOS Y CANTO I INSTRUMENTOS CRIOLLOS
Y CANTO II
Instrumentos: Guitarra – Bombo - Caja.
Repertorio: Géneros líricos y coreográficos del área
NOROESTE y CENTRO
De acuerdo a DFA de 1º año y Baguala – Vidala -
Vidalita
Instrumentos: Guitarra
Repertorio Géneros líricos y coreográficos del área
PAMPEANA
De acuerdo a DFA de 2º año y Milonga- Cifra –
Estilo
Instrumentos : Guitarra – Bombo - Caja Pinkullo-
Siku - Charango
Repertorio: Géneros líricos y coreográficos del
Subárea PUNA
De acuerdo a DFA de 1º año y Yaraví - Toques de
Siku: Marcha , Diana, Adoraciones, etc.
Instrumentos : Guitarra -Tambores
Repertorio: Géneros líricos y coreográficos del
área NORDESTE
De acuerdo a DFA de 2º año y Compuesto -
Charanda
Instrumentos: Guitarra.
Repertorio: Géneros líricos y coreográficos del área
CUYANA
De acuerdo A DFA de 1º año y Tonada Cuyana.
Instrumentos: Guitarra.
Repertorio: Géneros líricos y coreográficos del área
PATAGÓNICA
De acuerdo a DFA de 1º año y Tonada Neuquina
Repertorio: Especies líricas y coreográficas de las
zonas de hibridación:
Noroeste- Nordeste / Nordeste-Pampeana
Noroeste-Pampeana / Patagónico-Pampeano
Pampeana-Cuyana
Repertorio: Especies líricas y coreográficas de las
zonas de hibridación:
Cuyana – Noroeste / Cuyana-Pampeana
Noroeste-Pampeana / Noroeste- Nordeste
Patagónico-Cuyana
Continuación nivel I
Instrumentos: Bombo - Caja – Pinkullo - Siku
-
Charango - Cajón - Tambores – otros.
Repertorio: Géneros líricos y coreográficos de
todas las áreas y ritmos rioplatenses: Tango – Vals
–Milonga
Cancionero folklórico latinoamericano, teniendo en
cuenta el repertorio coreográfico de la materia afín.
SEGUNDO TRAMO
INSTRUMENTOS CRIOLLOS Y CANTO III INSTRUMENTOS
CRIOLLOS. Y CANTO IV
Continuación niveles anteriores
Instrumentos: Bombo - Caja – Pinkullo - Siku
-
Charango - Cajón - Tambores – otros.
Repertorio:
Variantes de las especies líricas y
coreográficas de acuerdo con repertorio
DFA de 1ºaño.
Rioplatense: Tango – Vals – Milonga.
Cancionero folklórico latinoamericano,
teniendo en cuenta el repertorio
coreográfico de la materia afín.
Continuación niveles anteriores
Instrumentos: Bombo - Caja – Pinkullo - Siku
-
Charango - Cajón - Tambores – otros.
Repertorio:
Variantes de las especies líricas y
coreográficas de acuerdo con repertorio
DFA de 1º año.
Rioplatense: Tango – Vals – Milonga.
Cancionero infantil folklórico.
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
ZAPATEO I, II, III y IV
La asignatura se fundamenta en el aprendizaje de
Zapateo Folklórico argentino para la aplicación de técnicas de enseñanza adecuadas
a esta etapa superior de formación.
La metodología principal que se utiliza -de creación
argentina y única hasta la actualidad- es la mecanización de movimientos.
Ideada en principio para Zapateo se aplicó luego a otras disciplinas de danza
en tanto favorece el análisis preciso y detallado del movimiento. El objetivo
es la formación de docentes que puedan aplicar sistemática y técnicamente la
mecanización de figuras y mudanzas del zapateo para su transferencia didáctica.
Los alumnos poseen saberes previos del nivel medio de
la especialidad o han acreditado esos saberes mediante un ingreso. El estudio
se focaliza en una cuidada ejecución de las mudanzas, en las sincronizaciones,
en las modalidades de estilo y en el análisis con la técnica de mecanización
expuesta. Se incorpora en los últimos años mudanzas de creación propia y/o de
libre interpretación pensadas en función de un espectáculo y la selección de
mudanzas de acuerdo con fines didácticos. Se agregan otras técnicas de
mecanización, por compás y/o por estructura.
La asignatura se estructura en dos tramos de dos años
cada uno, organizados con el criterio de áreas culturales para el primer tramo
y desde la estructura formal según el tipo de producción para el segundo tramo.
En los niveles II y III se trabajan los zapateos básicos para las danzas
latinoamericanas que se trabajen en la asignatura específica.
TRAMO 1
En los niveles I y II se trabajan las mudanzas de
acuerdo con las áreas de cultura tradicional, distinguiendo particularidades de
ejecución regionales acorde con el ritmo y los instrumentos musicales
acompañantes, para la elaboración de puestas experimentales de malambos y para
su inclusión en las coreografías. La interrelación con la asignatura Danzas
Folklóricas permite el trabajo técnico en paralelo y posibilita la definición
del carácter que asume el zapateo en los bailes.
TRAMO 2
En los niveles III y IV se trabaja con las mudanzas
que se trataron sistemáticamente en I y II componiendo secuencias para los
diversos tipos de Malambo.
En el nivel IV el tratamiento de la complejidad se
puntualiza en una perfeccionada ejecución en que se destaque la precisión,
limpieza, justeza, carácter, selección de movimientos, fonéticas, mixturas
rítmicas, correspondencia con el acompañamiento musical, aspectos a tener en
cuenta en la composición del Malambo, así como el reconocimiento de estructuras
de Malambos tradicionales, Malambos en función didáctica y en función de
espectáculo, Malambos de recreación y de creación para el armado de
producciones artístico-escénicas.
ZAPATEO
PRIMER TRAMO
ZAPATEO I ZAPATEO II
Área cultural Noroeste y centro
Mudanzas básicas y variantes.
Mudanzas: con desplazamiento, con salto, con
punta, con giro, con flexión. Variantes.
Repiques básicos y variantes.
Enlaces con la danza, entre mudanzas, entre
mudanzas y repiques.
Secuencias.
Mudanzas y repiques para danzas particulares.
Puestas Experimentales de MALAMBO
Área cultural pampeana
Mudanzas básicas y variantes.
Mudanzas: con desplazamiento, con salto,
con punta, con giro, con flexión. Variantes.
Repiques básicos y variantes.
Enlaces con la danza, entre mudanzas,
entre mudanzas y repiques.
Secuencias.
Mudanzas y repiques para danzas
particulares
Puestas Experimentales de MALAMBO
Subárea cultural de la Puna
Figuras y repiqueteos para Cueca
Área cultural del nordeste
Mudanzas regionales y para danzas
particulares.
Puestas Experimentales de MALAMBO
Área cultural cuyana
Mudanzas regionales y para danzas
particulares
Puestas Experimentales de MALAMBO
LATINOAMÉRICA
Zapateos para las danzas desarrolladas en el
espacio curricular correspondiente.
SEGUNDO TRAMO
ZAPATEO III ZAPATEO IV
Combinaciones de Zapateos
Mudanzas compuestas.
Dobles. Punteadas. Perfiladas. Repiqueteos.
Variantes. Combinaciones.
Variedades fonéticas y rítmicas
Secuenciación de complejidades
Entradas y cierres de Malambo
LATINOAMÉRICA
Zapateos para las danzas desarrolladas en el
espacio curricular correspondiente.
Zapateo Aplicado
El zapateo en función didáctica
Sistematización: Enseñanza del zapateo
desde otras técnicas de mecanización:
• por movimiento
• por compás
• por estructura
El zapateo tradicional .El zapateo en la
danza: El zapateo como lenguaje expresivo
El zapateo como concepto de manifestación
artística de creación personal
Reelaboración, adaptación o creación de
figuras para elaboración del malambo
MALAMBO
1. Estructura: -Entrada. -Remate. -Cierre
2. Tipos de Malambos: -Individual. –
Conjunto.
–Contrapunto. -A devolver. –Dúo. –
Cuarteto.
3. Elementos Técnicos de composición:
Armado de secuencias de mudanzas:
selección, combinaciones rítmicas, canon,
sucesión, alternancia, variaciones.
Diseño espacial. Fraseo musical.
Acompañamiento musical
MALAMBO
1. Malambos de distintos estilos: -por
áreas,
-por épocas.
2. Otros tipos de Malambos: -con
elementos,
-con obstáculos
3. Malambo tradicional
4. Malambo de recreación o de creación.
5. Malambo en función didáctica
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LA DANZA FOLKLÓRICA Y DEL TANGO
REGIMEN: Anual – 3 hs. semanales
Las transformaciones que se han producido en la
realidad socio- cultural contemporánea y que han supuesto un cambio importante
en el panorama educativo, demandan del mismo modo, un fuerte replanteo de los
fundamentos científicotécnicos- pedagógicos en la
formación de profesores especializados en un área de la cultura tradicional.
El objetivo de la asignatura es proporcionar a los
estudiantes la formación inherente a su función profesional en relación con la
enseñanza de las Danzas Folklóricas y el Tango desarrollando el conocimiento
teórico – práctico sobre los elementos y componentes fundamentales del proceso
de enseñanza – aprendizaje de esta área, según su aplicación en los diferentes
ciclos y modalidades del sistema educativo o en diversas realidades sociales.
El abordaje de la materia requiere de los saberes
construidos en el campo de las asignaturas específicas, de los provenientes de
la Didáctica General y de las experiencias realizadas durante las instancias de
Proyecto de Práctica I, II, III y IV.
Estos espacios constituyen soportes de Proyecto de
Práctica V, en el que tiene lugar la práctica pedagógica concreta de los
alumnos a través de la Residencia.
La Didáctica especializada en consecuencia es la
disciplina que sistematiza los conocimientos de los otros campos formativos y
promueve la reflexión y la adquisición de una mirada crítica que permiten a los
futuros docentes reconstruir conscientemente sus acciones e identificar las
intenciones educativas que pretenden.
El logro del saber enseñar las danzas requiere del
manejo preciso de los contenidos disciplinares de la especialidad y la
interpretación de la problemática de enseñanza aprendizaje que se plantea en la
realidad del aula. Estos aspectos se asocian con el conocimiento de las
características de los alumnos a quienes va dirigida la práctica y el
reconocimiento del contexto en el que se produce la acción docente.
La planificación didáctica, la elaboración del diseño
de la enseñanza en cuanto a objetivos, selección y secuenciación de los
contenidos y organización de actividades, la problemática de la transposición
didáctica, las metodologías y recursos, los modos de evaluación, contenidos
trabajados en el campo de formación docente componen el marco
teórico-conceptual, que debe articularse con el universo artístico cultural de
las danzas folklóricas y del tango.
CICLO COMPLEMENTARIO DE FORMACIÓN ARTÍSTICA
ASIGNATURA: ANATOMIA FUNCIONAL Y BIOMECÁNICA PARA DANZAS FOLKLÓRICAS Y
TANGO
REGIMEN: ANUAL 3 HORAS
Esta asignatura pretende sentar los conocimientos y la
comprensión básica acerca de las posibilidades anatómico-funcionales del
movimiento humano, sus estructuras, sistemas y funciones específicamente del
aparato locomotor. Por este motivo, requiere abordar el estudio de las leyes
que rigen el movimiento humano partiendo del desarrollo normal y con un
tratamiento teórico práctico en el que se incluye la adquisición de un lenguaje
técnico específico.
Analizar el movimiento de la danza desde los enfoques
anatómico funcional y biomecánico permite conocer y
comprender la eficiencia y economía del movimiento saludable, y las leyes que
conducen el movimiento humano voluntario.
Se propone la observación, la exploración y el
análisis del movimiento ofreciendo al futuro docente, las herramientas
conceptuales necesarias para el cuidado del propio cuerpo y el de sus alumnos.
Se estudia el desarrollo evolutivo del ser humano y su implicancia en los
procesos de enseñanza y aprendizaje de la danza. Es imprescindible una
permanente retroalimentación con las otras asignaturas prácticas de Danzas
Folklóricas, Zapateo y Tango.
Dentro de los contenidos a desarrollar se incluyen los
relacionados con el aparato locomotor teniendo en cuenta sus características
morfo-funcionales y el desarrollo evolutivo; los cambios y adaptaciones de todo
tipo que ocurren durante el movimiento (la circulación sanguínea, la
contracción muscular, la elongación, el equilibrio, la coordinación, entre
otros), los sistemas que se interrelacionan:(el sistema nervioso central y
periférico), el sistema sensorial, los sentidos somáticos (táctil y de
posición, termorreceptores y de dolor) y las
sensaciones somáticas (exterorreceptivas, propioceptivas, viscerales, profundas).
También se incluyen las leyes del movimiento
considerando los principios de inercia, de masa, de acción y reacción, la ley
de gravedad, la base de sustentación y los movimientos de rotación y traslación.
Se propone el estudio de la estructura biomecánica: con los sistemas de
referencias dados por los planos y los ejes y la postura y el esquema corporal.
En este estudio deben incluirse también los contenidos
relacionados con las cualidades físicas (fuerza, resistencia, flexibilidad,
velocidad, reacción), con la ergonomía (esfuerzos al realizar palancas,
tracción, torsión) y las alteraciones anatómicas y biomecánicas durante el
desarrollo del cuerpo humano.
ASIGNATURA: EDUCACIÓN PARA LA SALUD Y LA DANZA
REGIMEN: ANUAL - 2 HS SEMANALES
Esta materia propone a los alumnos comprender la
relación estrecha e imprescindible entre la danza y la salud concibiendo a la
danza como generadora de salud. Por este motivo, un docente de danza es un
profesional que se asume como agente de salud.
En el desarrollo de la materia se promueve el cuidado
del propio cuerpo atendiendo a las condiciones para sostener una buena calidad
de vida. Las prácticas de prevención se construyen a través de implementar
hábitos corporales sanos y la conciencia de la necesidad de una preparación
psicofísica de la persona que danza.
Se abordan los conceptos de salud que propone la
Organización Mundial de la Salud junto con consideraciones sobre la importancia
de una buena nutrición para el desarrollo de cualquier actividad física y en
especial para aquellos que eligen la danza como profesión. Se presta especial
atención a los diversos trastornos y alteraciones de la alimentación y las
maneras de detectarlos y prevenirlos.
También se incluyen los aspectos que previenen y
atienden las lesiones más frecuentes en la práctica de la danza como las
tendinitis, los esguinces, las patologías crónicas y, las lesiones por
sobreesfuerzos. Por eso, también se atiende a la relajación y a una buena
utilización de la energía y el tono muscular.
Pensar en una materia de danza y salud implica
concebir al cuerpo como una unidad en la que se integran factores psicológicos,
biológicos y sociales. Las emociones y las características personales son los
puntos de partida para comprender la función que puede cumplir la práctica de
la danza en el desarrollo de cada persona. Se tiene en cuenta permanentemente
la responsabilidad de los futuros docentes en relación a la prevención y los
cuidados que implica la práctica de cualquier danza. Están incluidos también
los aportes de las neurociencias y de la psiconeurobiología
ASIGNATURA: APRECIACIÓN MUSICAL
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
APRECIACIÓN MUSICAL I y II
El reconocimiento de elementos técnicos musicales y
expresivos de diversos géneros del folklore argentino y latinoamericano
consiste en la identificación auditiva de los mismos y la posibilidad de
diferenciar (a través de la escucha) ciertos patrones estructurales típicos de
cada género en sus versiones tradicionales.
La metodología sugerida para esta asignatura parte del
contacto con la música en forma empírica, usando el cuerpo, la voz y los
instrumentos.
La internalización de los patrones y las formas
musicales se logra a través de una acción donde se integran el cuerpo, la mente
y la percepción, evitando una práctica centrada en el conteo de tiempos y en el
análisis meramente morfológico. Del mismo modo, los ritmos, melodías y enlaces
armónicos se reproducen e improvisan en forma vocal y corporal previamente al
abordaje instrumental.
Como consecuencia de la internalización global e
integrada de los elementos técnicomusicales, se llega
a la comprensión de la partitura y a la práctica de la lectoescritura
entendiéndola como un medio de representación gráfica de la música, en tanto
lenguaje musical codificado simbólicamente.
Los géneros que conforman este recorrido y se
distribuyen a lo largo de los dos años son: huayno, carnavalito, bailecito,
zamba, gato, cueca norteña, chacarera, vals, milonga, habanera, tango en
articulación con DFA, Zapateo y los Instrumentos autóctonos.
El cancionero se divide en dos niveles y se sugiere
tomarlo como criterio para la distribución de contenidos en los dos años ya que
además está relacionado con la distribución de las danzas en áreas culturales.
Se tienen en cuenta los géneros y estilos, la
estructura de la obra (secciones, partes, temas, frases) los motivos rítmicos y
melódicos, la estructura formal (enlaces de acordes característicos en las
escalas en los modos Mayor y Menor), el sistema armónico (tonal y modal),
rítmico y de acompañamiento, las formaciones instrumentales del Folklore
(tradicionales y modernas), las relaciones entre la fraseología y el movimiento
corporal (libre u organizado en figuras coreográficas).
APRECIACIÓN MUSICAL I
• Occidental
o Ternaria colonial
o Criollo occidental
• Tritónico
• Pentatónico
APRECIACIÓN MUSICAL II
• Platense
• Oriental
o Binaria colonial
o Criolla oriental
• Riojano
• Europeo antiguo
ASIGNATURA: COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA I y II
La asignatura está orientada al conocimiento de las
reglas compositivas generales de la danza teatral para su aplicación a la
realidad de las DFA y el Tango. Para ello es fundamental considerar el hecho
coreográfico dentro de las prácticas sociales considerando los cambios que se
han producido, en la relación entre coreógrafo – bailarín – audiencia.
La experimentación y la reflexión son los ejes en el
proceso de enseñanzaaprendizaje, para el
descubrimiento de la propia potencialidad creativa y para la adquisición de los
códigos y las convenciones que se pondrán en juego en la creación de obras
coreográficas y en la futura tarea docente.
El objetivo es que los alumnos adquieran herramientas
conceptuales y procedimentales para la elaboración de producciones artísticas y
para su puesta en escena. Estas composiciones personales y grupales se proponen
como una manera de interpretar el mundo folklórico y el del tango para
contribuir a la valoración de la cultura popular y anónima y a la divulgación
artística. Asimismo, se espera que los alumnos sean capaces de elaborar
diferentes propuestas referidas a situaciones de folclore y de tango para ser
representadas en contextos diversos (escuelas primarias comunes, medias
artísticas, teatros, festivales, etc.).
Composición Coreográfica I
El cuerpo como centro de prácticas significantes. El
movimiento danzado. Identificación de unidades básicas (movimientos o figuras
de la danza folklórica o el tango). La selección y la combinación de unidades
básicas.
El movimiento en situación de representación. Forma.
Simetría. Asimetría Sucesiones. Oposiciones. Alternancias. Dinámicas. Texturas.
Planos. Diseño. Trayectorias. La palabra y la gestualidad. El ritmo. La música.
Organización del movimiento en las danzas folklóricas y en el tango.
Estructura coreográfica: diferentes inicios,
desarrollos y finales. El fraseo. Los motivos. La repetición. La variación.
Análisis de la composición musical. Relaciones de analogía y contraste con la
propuesta coreográfica.
Modos de representación: por imitación naturalista de
los personajes o situaciones, por mayores niveles de abstracción o metaforización. Las puestas experimentales contemplan
producciones en tango y en folclore. Se incluyen trabajos para solista (se
considera a la pareja de tango como unidad expresiva), dúos, tríos o grupos y
para solista-grupo, grupo-grupo, dúo-grupo, etc.
Composición Coreográfica II
La composición coreográfica total. Temática. Los
personajes. Acciones dramáticas. El uso del espacio en función dramática. Los
elementos escenográficos, la iluminación, el vestuario, el maquillaje y la
puesta en escena.
Lo coreográfico y la práctica compartida con los
músicos en escena. La obra coreográfica en el espacio físico teatral. La obra
coreográfica en espacios no convencionales.
La recreación de los rasgos distintivos de las danzas
folclóricas y del tango. La estilización folklórica y el tango de escenario.
Las puestas experimentales contemplan producciones en tango y en folclore tanto
de recreación tradicional como de estilización o de escenario.
ASIGNATURA: HISTORIA DEL ARTE ARGENTINO Y LATINOAMERICANO
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3HS. SEMANALES
Esta asignatura tiene como objeto de estudio el arte
que se ha desarrollado en nuestro país, partiendo en corte diacrónico desde el
advenimiento y nacimiento del estadonación hasta la
actualidad, estableciendo un puente hacia el arte Contemporáneo y el Arte
Originario de los pueblos de América.
Se presta especial importancia a la deconstrucción de
los contenidos vernáculos americanos, sin hacer un trasvasamiento
de los modos morfológicos formalistas del arte europeo.
La disciplina adopta una mirada problematizadora
de la historia y una la lectura los objetos artísticos a partir del presente.
Involucra las instancias de producción, de expectación y el texto, abierto a
nuevas miradas actuales. Se aborda por un lado el análisis de los componentes y
vinculaciones de contenido y forma de las obras, por el otro se trabajan los
aspectos temporales que contienen y a través de éstas, se correlaciona el
tiempo histórico. Para ello es menester trabajar desde una metodología abierta
a modo de red, conectando los conocimientos en un entramado configurado por
diferentes disciplinas que hacen al discurso histórico y artístico.
A lo largo de la asignatura se desarrollan contenidos
relacionados con distintos momentos, corrientes estéticas y referentes que
tuvieron anclaje en el arte de nuestro país y en relación con otros países de
América. Se trabaja el arte de los 90’, 80’ y 70’ en Argentina; el pop
americano y latinoamericano; el arte óptico y cinético, el arte concreto, el
arte Madí, el Surrealismo en América Latina, el
muralismo latinoamericano y el grupo Orión, el nuevo realismo de la década del
40-30; el modernismo latinoamericano; el grupo de Florida; el grupo de Boedo; el grupo Nexos; los artistas
de La Boca; el modernismo latinoamericano y la
generación del 80’.
ASIGNATURA: HISTORIA DE LA DANZA LATINOAMERICANA Y ARGENTINA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 2 HS. SEMANALES
Desde la aproximación teórica a los interrogantes y
problemas de la danza en las diversas realidades sociales de Argentina y
Latinoamérica, la propuesta aspira a brindar herramientas conceptuales que
posibiliten al alumno acrecentar la competencia disciplinar y contar con
mejores medios en su tarea de educar. Pensar la danza como hecho de cultura
requiere examinar su emplazamiento dentro de las prácticas sociales, por
consiguiente el estudio se orienta hacia una actividad humana organizada
vinculada con la recreación, con las creencias y con la experiencia estética en
sí misma. Al ser parte de un universo cultural y simbólico es atravesada por
los cambios que acontecen en la vida social e histórica del grupo, generando
variaciones en la coreografía, modificaciones en el sentido, reinvención de la
forma, entendiendo las transformaciones como la adecuación dinámica de patrones
tradicionales a circunstancias, lugares y comportamientos diferentes, que le
asegura la vitalidad en tanto sea sostenida y defendida como elemento de
identificación grupal.
En el tratamiento de la materia se pone el acento en
la conexión causal del hecho coreográfico con los acontecimientos ocurridos en
el eje diacrónico de la dimensión histórica.
El corpus de las danzas folklóricas se organiza por
generaciones coreográficas. Este ordenamiento (desde el siglo XV hasta la
actualidad) tiene en cuenta, la organización formal, el carácter y el tipo de
danzas. Así se analizan los bailes colectivos e individuales, los bailes de dos
o de pareja suelta, los bailes de cuatro o canciones de bailar en hileras y
cadenas, los bailes enlazados y los bailes de pareja abrazada, los bailes
picarescos y apicarados, las danzas señoriales y ceremoniales.
Contenidos relacionados con el proceso de gestación de
las formas, la influencia de los centros culturales hegemónicos, los aportes de
contactos interculturales, la acción de los maestros de danza, la correlación
con el repertorio occidental general, los itinerarios de la danza en America, constituyen cuestiones principales para el dictado
de esta asignatura.
Otros aspectos asociados con el género bailable a
considerar son la poética, el canto, los instrumentos musicales, el atuendo,
los ámbitos de práctica, los modelos circenses y teatrales, y los referidos a
la moda, la tecnología y los medios masivos de comunicación.
ASIGNATURA: HISTORIA DEL TANGO
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 2 HS. SEMANALES
Esta instancia curricular, propone el estudio de los
momentos, circunstancias y elementos que a través de un proceso multifacético,
dieron como resultado el género Tango. El propósito es brindar a los alumnos
elementos que les permitan construir propuestas didácticas significativas en
relación al tema.
El encuadre teórico es similar al planteado en
Historia de la Danza Argentina y Latinoamericana, entendiendo al fenómeno danza
como parte del universo cultural de los pueblos. Contextualizar los comienzos o
los momentos pasados es una manera de comprender su continuidad, cambios y su
permanencia a través del tiempo.
Se focaliza en la estructura que promueve al tango
como danza inauguradora del ciclo de pareja abrazada e innovadora de una forma
coreográfica distintiva. Aspectos del contexto social, desde las últimas
décadas del siglo XIX hasta la actualidad (la inmigración, las casas de baile,
los cultores, el teatro, el cine, la moda, la tecnología, la globalización) así
como los relacionados con la poética y la música (las orquestas típicas, el
bandoneón, el tango canción, los estribillistas)
serán de consideración para conocer los hechos causales que marcan variaciones,
adaptaciones, recreaciones de pasos, figuras, ritmo y estilos de baile y que
posibilitaron su existencia hasta hoy como danza triunfante del mundo
occidental moderno.
El tratamiento de otras danzas que comparten con el
tango las preferencias sociales, vals y milonga, posibilita al alumno una
visión abarcadora del repertorio de bailes abrazados representativos de nuestra
cultura ciudadana.
ASIGNATURA: TECNICA DEL MOVIMIENTO APLICADA A LA DANZA
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
TECNICA DEL MOVIMIENTO APLICADA A LA DANZA I, II y III
El espacio brindado a esta asignatura apunta a la
práctica del movimiento corporal para la identificación de los elementos que
constituyen el soporte para las asignaturas troncales.
El eje principal está dado en la exploración de los
elementos del movimiento: cuerpo como entidad física, dinámica, espacio,
acción. El uso de movimientos codificados pertenecientes a un estilo de danza
es complementario y relacionado con la naturaleza de las danzas folklóricas o
del tango.
Se parte del trabajo consciente del movimiento del
cuerpo para conocer sus posibilidades dinámicas, estáticas y su funcionamiento
para evitar lesiones. El conocimiento del eje corporal, apoyos, equilibrio,
peso y del tono muscular, posibilidades de resistencia, fuerza, así como las
calidades de movimiento apunta a la proyección del cuerpo en el espacio, con
distinción de niveles, planos, direcciones. El contacto y la comunicación con
los otros y con los objetos desde el movimiento, la mirada, la voz son recursos
complementarios que se ponen en juego en la elaboración e improvisación de
trabajos articulados con los géneros musicales y literarios del folklore y del
tango.
Desde la experimentación los alumnos pueden observar y
entender la significación del movimiento constituido en danza, técnica procedimental
que los estimula como intérpretes, les brinda instrumentos para la producción
artística y les provee de recursos para el desempeño profesional docente.
ASIGNATURA: DANZAS LATINOAMERICANAS
DANZAS LATINOAMERICANAS I y II
REGIMEN: Anual – 2 horas semanales
Esta instancia curricular tiene el propósito de que el
futuro docente experimente un acercamiento a la cultura de Latinoamérica
mediante el abordaje de prácticas referidas a los bailes y danzas típicas, y que
a partir de las vivencias adquiera interés en la investigación.
La asignatura abarca una selección de coreografías de
diversos países latinoamericanos. Se analizan los elementos, las figuras, los
diseños, los zapateos y la expresividad en concordancia con la composición
musical y el atuendo.
El enfoque apunta a la interpretación del repertorio
tradicional histórico y vigente sin inclusión de estilizaciones o de estilos
coreográficos que se alejen de la propuesta de trabajar sobre formas originales
identitarias de los pueblos. Sin embargo, la
multiplicidad de factores (económicos, tecnológicos, comunicacionales) que
inciden en la vida social y en las manifestaciones artísticas, se instalan como
temas de discusión y promueven la reflexión sobre la transferencia didáctica de
bienes del pasado en un presente en continuo cambio.
La metodología de enseñanza es análoga a la utilizada
en las danzas argentinas, con secuenciación del desarrollo coreográfico,
mecanizaciones, fonética y rítmica de movimientos. El corpus incluye los bailes
criollos, indígenas y/o de la cultura negra, de carácter ceremonial o
recreativo. La música, instrumentación y toques deben ser concordantes con las
formas seleccionadas.
Los encuentros con conjuntos y ballets, maestros,
coreógrafos de las colectividades son experiencias enriquecedoras para
profundizar repertorio y estilos.
Como criterio de distribución de las danzas en los dos
años, en el primer año se proponen los bailes de países limítrofes. Es
necesario reflexionar sobre las diferencias y similitudes con nuestras danzas
desde la noción de áreas culturales. En el segundo año, la propuesta es
trabajar sobre los bailes y danzas de otros países latinoamericanos.
ASIGNATURA: HISTORIA DEL ATUENDO
REGIMEN: ANUAL – 2 horas semanales
La asignatura aporta la relación cultura – atuendo,
considerando que la vestimenta es parte integrante de la compleja serie de
comportamientos sociales. Al estar estrechamente vinculado con la moda posee cierta
frivolidad, pero al analizar su conexión con las ideas, las costumbres, la
artesanía, la industria, se advierte como manifestación significativa en la
vida cotidiana de los hombres.
El estudio del atuendo desde un panorama histórico-
regional y en correspondencia con el quehacer coreográfico promueve la
integración de dos prácticas sociales representativas de la idiosincrasia de
los pueblos. Consecuentemente resulta de particular eficacia instrumental la
interrelación con las asignaturas prácticas de danza. Los contenidos apuntan
tanto al abordaje de conceptos básicos del atuendo como al entrenamiento en el
análisis de fenómenos culturales relacionados con la moda y la tradición. Son
temas a considerar, la función y la ocasión de uso, los diseños según el
ambiente social, según la época (desde la Colonia hasta la actualidad), según
regiones (Argentina y Latinoamérica). Se incluyen
entre otros aspectos, los tocados, peinados, adornos, calzados y los
accesorios.
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
En esta asignatura se trabaja sobre nociones
fundamentales del lenguaje teatral para la formación docente de los
estudiantes. Los conocimientos que incorporen desde el Teatro les brindan
herramientas para servirse del cuerpo y de la voz para exteriorizar y comunicar
ideas, emociones y sensaciones.
Asimismo, se busca que los modos de expresión y
comunicación de la situación argumental, del rol y de las características del
personaje que el bailarín interprete, sean acordes con la forma teatral elegida
para representar.
Para los casos en que la trama exija la representación
de personajes con rasgos lineales o esenciales de carácter (matón, compadrito,
seductor, tonto, gaucho perseguido o pendenciero), se trabaja un estilo de
actuación que permita traducir en los gestos, la voz, la expresión corporal y
el movimiento en el espacio la síntesis de los aspectos físicos y psicológicos
de esos personajes.
La observación y análisis de actitudes corporales y gestuales,
y la decodificación de estados de ánimo es una tarea fundamental para la
propuesta. Los alumnos se ejercitan en analizar los gestos y los movimientos en
las posturas propias, en las de los compañeros, en otros “personajes” de la
vida diaria u observando las técnicas empleadas por bailarines y actores en
representaciones de cuadros argumentales o estampas, de farsas, sainetes,
melodramas, etc. La práctica de registrar e imitar gestos, posturas, ritmos y
movimientos les ayuda a crear la habilidad necesaria para componer y tipificar
estos personajes.
Las imitaciones de situaciones observadas y realizadas
sin palabras, la creación de situaciones en conflicto con otros personajes, la
elaboración del vestuario característico, la representación de cortas escenas
partiendo de la música o del sonido, son actividades que ayudan a que el alumno
se ejercite en decodificar intenciones y encontrar los modos de comportamiento
de los personajes en la escena a ser representada.
ASIGNATURA: TALLER DE VESTUARIO, MAQUILLAJE Y CARACTERIZACIÓN
REGIMEN: ANUAL – 2 HS. SEMANALES
El vestuario, el maquillaje, las máscaras, la
interpretación de los actores o bailarines así como la escenografía, la
iluminación, la música, son elementos de un todo con los que el director
teatral compone el significado de su puesta en escena.
Como todos los elementos plásticos y sonoros de la
representación, vestuario y maquillaje también se constituyen en un signo para
el espectador y tienen, como función semiótica, la de revelar datos del
carácter, la personalidad, la condición social del personaje. Estos medios
están articulados entre sí y son signos representativos de una misma concepción
escénica. No obstante es posible estudiarlos por separado para conocer las
posibilidades técnicas que ofrecen como recursos expresivos. Este taller se
propone como un espacio para delinear y explorar algunas nociones principales
de los medios que el bailarín utiliza para la caracterización de su personaje
en un espectáculo.
Se puede considerar vestuario todo aquello que el
intérprete se pone para caracterizar al personaje. En este sentido sería
vestuario no solamente ropa o calzado (vestidos, bombachas, botas, alpargatas,
trajes, zapatos de taco) sino también los accesorios que ayudan a tipificar o
identificar el personaje (vinchas, cinturones, rebenques, espuelas, sombreros,
pañuelos al cuello, máscaras).
Realizar el boceto de un vestuario implica contemplar,
además de la caracterización, las exigencias físicas que la coreografía
impondrá al bailarín para que el vestuario no entorpezca sus posibilidades
expresivas. Desde el punto de vista técnico el taller promueve que el alumno
tenga conocimiento de calidades y eficacia de las telas, tipos de adorno de los
trajes, accesorios para complementarlo, etc.
El vestuario de la danza en la escena depende de la
concepción de la moda en los distintos períodos. Relacionar la evolución de la
moda del vestido con los procesos políticos, sociales y culturales de cada época,
ayudaría a entender la funcionalidad del atuendo en la danza folklórica.
El maquillaje es también un complemento del vestuario
utilizado para caracterizar el personaje. En escena el maquillaje debe
magnificar las finalidades de su uso en lo cotidiano (embellecer un personaje),
o acentuar rasgos representativos de rol, carácter (gaucho, rufián, seductor) o
subrayar elementos de teatralidad (máscaras, rasgos exagerados y/o coloreados).
Desde el punto de vista técnico es importante que el alumno tenga conocimiento
de los productos (bases cremosas o compactas, barra de cera, aplicación de
postizos, matizadores para el cabello, etc.) y
adquiera habilidades para maquillar y/o caracterizar a su personaje. El taller
promueve que el alumno tenga conocimiento de los productos confiables
preparados profesionalmente para evitar daños peligrosos para la salud.
Tanto en Vestuario como en Maquillaje se aplican los
conceptos aprendidos a proyectos puntuales de realización de espectáculos.
El taller promueve la visita a espectáculos donde los
alumnos puedan observar varias y diferentes resoluciones de vestuario,
maquillaje y caracterización de personajes.
ASIGNATURA: TALLER DE ESCENOGRAFÍA Y DISEÑO DE ILUMINACIÓN
REGIMEN: ANUAL 2 horas semanales
La escenografía, la iluminación, la música así como el
vestuario, el maquillaje, la interpretación de los actores o bailarines y
otros, son partes de un todo con los que el director teatral compone el
significado de su puesta en escena. Dentro del proyecto total de una
representación, ninguno de estos medios está aislado si no que, articulados
entre sí, son signos representativos de una misma concepción escénica.
No obstante es posible estudiarlos en sus elementos
para conocer las posibilidades técnicas que ofrecen.
Este taller se propone como un espacio para delinear y
explorar algunas nociones principales de los elementos escenográficos y
luminotécnicos con los cuales se ambienta el espacio escénico. También, por lo
antedicho, se propicia la realización de trabajos articulados con el taller de
Vestuario, Maquillaje y Caracterización.
El concepto de que la escenografía debe describir un
ambiente con decorados u ornamentaciones que imiten la realidad, y de que las
luces iluminen el escenario sólo “para que se vea” ha caído en desuso.
Actualmente se considera que el fin de ambos lenguajes dentro de un
espectáculo, es el de crear espacios que pongan en evidencia y subrayen los
sucesos, las acciones, los climas propuestos por el texto original y por la
idea de la puesta en escena.
En lo referente a escenografía, además de conocer el
edificio teatral, su arquitectura y su evolución histórica, se acerca al alumno
a conocimientos elementales de la escenotecnia
clásica (telones, bambalinas, practicables, rompimientos, aparejos), se
proponen proyectos de una planta escenográfica, así como las formas de
representarlos, por ejemplo, mediante plantas, bocetos, maquetas.
Un concepto importante a atender es el de la relación
entre el espacio escénico y el del espectador: su función de acuerdo a los
propósitos comunicativos; los límites y conveniencias de cada elección de
acuerdo a las posibilidades del espacio con que se cuenta y con la estética
elegida; las múltiples formas de resolución de espacios convencionales o no
convencionales (a la italiana, circular y semicircular; espacios múltiples,
espacios móviles, etc.)
En estrecha vinculación con los contenidos de
escenografía se incluyen los aspectos relacionados con el Diseño de la
iluminación. Se espera que el alumno conozca distintos sistemas de luces
(consolas analógicas y digitales) y adquiera nociones técnicas mínimas de
luminotecnia que le permitan distinguir diferentes formas de producción de luz
y su aplicación, el alcance y la significación del color, del flujo o la
potencia así como de la dirección de la luz.
Comprender la función que tienen estos elementos en
los espectáculos o en las puestas experimentales que realizan los alumnos
permite pensar la complejidad de la combinación de elementos que confluyen en
un espectáculo teatral y las sensaciones que pueden llegar a provocar en el
público que observa la puesta en escena completa.
La visita a distintos teatros y lugares de espectáculo
donde los alumnos puedan observar varios y diferentes escenarios y fuentes de
iluminación es el complemento a los conceptos que se estudian en el taller.
ASIGNATURA: TALLER DE PRODUCCIÓN ARTISTICA Y EJECUTIVA DE ESPECTÁCULOS
REGIMEN: ANUAL– 4 horas semanales
El taller propone una visión global de algunas
técnicas para la producción de un espectáculo de danza. Partiendo de los
conocimientos ya incorporados en la propia práctica se trata de que el alumno
profundice los temas de organización, gestión y administración de un
espectáculo mediante instrumentos actuales de producción para hacerlo más
viable.
En este taller de producción se tiene en cuenta
optimizar todo aquello que tenga que ver con la elaboración y la puesta en
escena de una creación coreográfica: ensayos, equipamiento, espacios. También
debe considerar los recursos humanos y financieros con los que se cuenta para
la gestión del espectáculo: diseño de costos, subsidios u otras formas de
financiación, presentación de proyectos, promoción y difusión, información
sobre circuitos oficiales, alternativos, festivales; etc.
Los alumnos pueden concluir el taller realizando un
trabajo de articulación con los otros talleres que se encargan de la puesta en
escena de un espectáculo de danza (“Escenografía e Iluminación”, “Vestuario,
Maquillaje y Caracterización”) para diseñar la producción total del proyecto.
El taller promueve el encuentro con productores de
distintos tipos de espectáculos con el fin de referir y comentar sus
experiencias profesionales.
7.4.7 Espacios curriculares del campo de la formación
específica del Profesorado de Artes Visuales
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 5 HS. SEMANALES, 3º y 4º
AÑO: ANUAL 4 HS.SEMANALES
Dibujo
La asignatura dibujo apunta a la adquisición por parte
del alumno del concepto de la estructura de la forma y su representación; eje
transversal a las demás disciplinas del campo de las artes visuales. Estas
enseñanzas están orientadas a estimular en el alumno el desarrollo del lenguaje
propio y la imagen creativa a partir de la modalidad de trabajo de taller.
Se establecen espacios destinados a la reflexión y
conceptualización compartidas, acerca de las realizaciones personales de los
alumnos, relacionadas con la autonomía del dibujo en la representación del
universo de las formas, el desarrollo de la capacidad de abstracción y de
procesos y modos de representación.
Se profundiza la sistematización de conocimientos que
intervienen en el desarrollo profesional, técnico y pedagógico con dominio
adecuado del lenguaje oral y escrito, considerando los diferentes modos de
resolución estética de la imagen. Se trabajan los conceptos específicos de la
asignatura, incluyendo en los análisis ejemplos de obras plásticas argentinas y
latinoamericanas, con el fin de que el futuro egresado tome conciencia de su
identidad cultural y valore la importancia de la diversidad.
Se promueve, por otra parte, la enseñanza de formas de
mantenimiento e higiene en cuanto al uso de materiales y herramientas.
Dibujo I
A través del estudio de conjuntos simples se
consideran aspectos que hacen a la representación y organización del conjunto
tales como: ubicación de los elementos visuales en el espacio plástico,
nociones de perspectiva, concepto de totalidad, ejes, proporciones, dirección.
Introducción al concepto de valor, valor de línea y plano y variaciones de
línea: forma tamaño y posición.
Dibujo II
Se profundizan los contenidos del primer año
complejizando los conjuntos y enfatizando los conceptos de valor, claves de
valor y claro-oscuro. Estructuración del espacio en superficie y en
profundidad, incrementando los conceptos de perspectiva Se incluye el estudio
de figura humana y cabeza, en sus aspectos estructurales básicos y en el
concepto y práctica de croquis. Los aspectos formales son tratados por medio de
distintas técnicas de representación.
Dibujo III
Se aborda el estudio de la figura humana, la
proporción, la profundidad, el escorzo, el ritmo y los ejes principales, realizando
dibujos de observación de la figura en distintas posiciones y movimientos.
También se trabajan aspectos tales como: la integración figura / fondo, planos
de valor, encuadres diversos, dibujo de conjuntos, secuencia, imagen sintética
y croquis, así como aspectos de carácter expresivo. Se desarrollan actividades
que complejizan conocimientos y técnicas adquiridas en años anteriores
incluyendo experiencias que incorporan actividades combinadas con otros
lenguajes: música, poesía y danza u otros.
Dibujo IV
Se ahonda en el tratamiento de los contenidos de
tercer año enfatizando el desarrollo de la imagen de acuerdo con cada temática
seleccionada y la relación de la misma con la construcción de la propuesta
personal de los alumnos contemplando el rasgo gestual, la abstracción u otras
propuestas que surjan durante las diferentes actividades, en esta instancia
resulta pertinente que los alumnos comprendan la importancia del concepto de
obra. Se incluyen experiencias de traslado a gran escala adecuadas para el
trabajo grupal y mural.
REGIMEN: 1º, 2º y 3º AÑO: ANUAL 4 HS. SEMANALES y 4º
AÑO: ANUAL 5 HS. SEMANALES
Pintura
Esta asignatura propone lograr el conocimiento
operativo del lenguaje pictórico, así como agudizar la percepción visual
principalmente en los aspectos concernientes al color, al estudio práctico de
los distintos enfoques y abordajes presentes en las realizaciones pictóricas.
Se promueven espacios de reflexión y
conceptualizaciones compartidas de las representaciones personales de los
alumnos, analizando características de la relación forma/contenido e
intencionalidad.
Se sistematizan los conocimientos que intervienen en
el desarrollo profesional, técnico y pedagógico con dominio adecuado del
lenguaje oral y escrito, considerando los diferentes modos de resolución
estética de la imagen.
Se promueve la capacidad de efectuar análisis de
obras, relativos a los conceptos pertinentes a la asignatura, y la inclusión en
este proceso de obras plásticas argentinas y latinoamericanas con el fin de que
el futuro egresado tome conciencia de su identidad cultural y valore la
importancia de la diversidad.
La indagación práctica permite a los alumnos conocer
nuevos procesos técnicos y también profundizar algunos que ya conocen, a través
del contacto con diversos materiales, herramientas y soportes, sean estos
tradicionales, no convencionales o derivados de las nuevas tecnologías.
Se promueve, por otra parte, la enseñanza de formas de
mantenimiento e higiene en cuanto al uso de materiales y herramientas.
Pintura I
A través de modelos simples se desarrollan contenidos
tales como: ubicación en el espacio, organización de la superficie, relación
figura fondo, concepto de valor y de color, contraste y pasaje de valor y de
color, paletas, implementando el concepto de modelado y empleando paletas
neutras y monocromas, incluyendo propuestas con luz difusa o dirigida.
Se proponen ejercicios orientados a la elaboración de
armonías simples y paletas restringidas, empleando colores análogos, cálidos,
fríos con diferentes niveles de complejización. Se
trabaja e concepto de color luz natural, teniendo en
cuenta para la organización de la paleta, los saberes relacionados con la
presencia del color y la luz en la naturaleza.
Los trabajos se realizan en pequeño y mediano formato,
se incluyen estudios sistemáticos relacionados con la observación, con la
exploración sobre diferentes aspectos que constituyen temáticas propias y la
realización de composiciones libres. Se emplean distintos soportes, utilizando
témpera, acrílicos, óleos y otros, con el objeto de introducirlos en el
conocimiento y manejo de técnicas propias.
Pintura II
Los contenidos de segundo año están orientados hacia
conceptos tales como modelado y modulado del color, paletas en base a triadas
armónicas y paletas complementarias, teniendo en cuenta la organización
espacial por recorrido de valor y/o recorrido cromático además de los enfoques
y núcleos de interés en relación a pases y contrastes.
Se efectúan estudios de naturaleza muerta y de
paisajes naturales y urbanos teniendo en cuenta la clave lumínica y
profundizando los conceptos de color luz.
Se introduce el estudio de cabeza a partir del modelo vivo,
atendiendo a los aspectos constructivos y compositivos, se proponen ejercicios
de memoria visual, de interpretación y abstracción con libre elección de paleta
Pintura III
Se efectúan estudios con modelo teniendo en cuenta el
análisis formal, las nociones de organización y recorrido planimétrico
y las nociones de perspectiva pictórica. Se profundizan los conceptos de color
local y color luz. Se desarrollan trabajos compositivos cuyo eje es la figura
humana empleando una paleta tonal, teniendo en cuenta el recorrido del color y
su significación por saturación y tono; tanto en el fondo como en la figura;
tratamiento del color en relación a atmósfera y clima emocional.
Se resuelve la organización del espacio por recursos matéricos, mancha, línea, tramas rítmicas. Se tratan
aspectos relativos a carga de materia, pincelada y rasgo de carácter. Se
incluyen trabajos a partir de propuestas personales figurativos o abstractos.
Pintura IV
Se complejizan los contenidos de tercer año,
profundizando el estudio de la figura humana y de las propuestas compositivas
que la tienen como eje, buscando distintos enfoques, fragmentos y series,
empleando paleta modulada. Se incluyen fondos complejos y modelos compuestos
que contienen más de una figura y /o elementos varios.
Se propone la elaboración de un proyecto personal que
abarque el desarrollo de obras tanto en la abstracción o en la figuración,
donde se puedan incluir técnicas y procedimientos no convencionales presentes
en propuestas contemporáneas.
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 4 HS. SEMANALES y 3º y 4º
AÑO: ANUAL 5 HS.SEMANALES
Esta asignatura promueve el desarrollo de la
organización tridimensional de la estructura visual con el fin de percibir
volumen y volcarlo en el trabajo escultórico, desde la masa compacta al
aligeramiento de pesos, a partir de la modalidad de trabajo de taller.
La propuesta es formar profesionales con buen nivel de
formación técnica, que sepan trabajar la sistematización de conocimientos que
intervienen en el desarrollo profesional, técnico y pedagógico; y que
transmitan conceptos y saberes propios de la disciplina con un dominio adecuado
del lenguaje oral y escrito.
Se crean espacios destinados a la reflexión y
conceptualización compartidas acerca de las realizaciones personales,
relacionadas con el reconocimiento de los elementos plásticos puros: línea,
plano, espacio, volumen composición valor y texturas. La indagación práctica
relacionada con la escultura permite conocer nuevos procesos técnicos y también
profundizar algunos que ya conocen, a través del contacto con diversos
materiales, herramientas y soportes, sean estos tradicionales, no
convencionales y los derivados de las nuevas tecnologías. Se trabajan los
conceptos específicos de la asignatura incluyendo en los análisis ejemplos de
obras plásticas argentinas y latinoamericanas, con el fin de que el futuro
egresado tome conciencia de su identidad cultural y valore la importancia de la
diversidad.
Se promueve el aprendizaje de normas de prevención y
seguridad en cuanto al uso de materiales y herramientas, mantenimiento e
higiene de las mismas.
Escultura I
Se introduce a los alumnos a la realización de
diferentes tipos de esculturas a través de propuestas que parten de la
geometría e incluyen suma y resta de formas, modelado de escultura de bulto y
trabajos de observación de elementos tales como hojas, huesos, pies, manos,
cráneos. Se le otorga especial importancia al modelado con diversos materiales,
la talla sobre diferentes superficies, a la escultura con metales, etc.
Se trabaja la figura humana y se analiza su
interacción con el medio, se realizan estudios de volumen, texturas, armonías,
estructuras y recorrido de la obra, la organización de superficies, expresiones
libres, figurativas, abstractas e informales del espacio envolvente, las formas
geométricas, alto- medio-bajo relieves, emplazamientos y bases, modelos y
creación de formas plásticas, composición de llenos y vacíos, intercalación de
cuerpos y planos, calidades de superficie y otros valores estructurales sobre
la base del estudio de obras antiguas y modernas.
Escultura II
Los contenidos a trabajar en segundo año tienen como
objetivo el desarrollo sistemático de conocimientos por parte de los alumnos
relacionados con observación y estudio de cabeza, análisis de proporciones,
resolución de estructura interna, planteo de ejes principales, reconocimiento
de volúmenes, planos y espacio. Se organiza el campo visual introduciendo
temáticas espaciales, utilizando para ello diversos materiales. Por medio del
modelado con diferentes pastas se accede al concepto de relieve y bulto
considerando la importancia del tratamiento expresivo de los mismos.
Se propone la realización de un molde y su
correspondiente vaciado. Se experimenta en el uso de distintas pátinas.
Escultura III
Se efectúan estudios sistemáticos con modelo vivo,
considerando las nociones de figura humana y el estudio de torso trabajados
previamente. Se propone el análisis de su estructura interna, los ejes principales,
las proporciones y su relación con el espacio. Los alumnos aplican en sus
producciones personales conceptos escultóricos relacionados con:
características de la producción tridimensional, espacio, forma, entorno,
equilibrio real y espacio real- Diferentes texturas del modelado. – Concepto de
estructura: ejes, planos, incidencia de la luz, valores. Se desarrollan
diferentes propuestas compositivas en el espacio, utilizando distintas
técnicas, técnicas directas,
talla, etc.
Escultura IV
Se complejizan los contenidos trabajados con los
alumnos durante el año anterior, profundizando en los saberes relacionado con
la figura humana en cuanto al estudio del desnudo. Se enseñan nuevas nociones
relacionadas con la organización del campo visual y de la composición,
profundizando conceptos desarrollados en años anteriores vinculadas a
composiciones espaciales, análisis de formas geométricas y orgánicas y su
interacción en el espacio.
Se elaboran proyectos de trabajo considerando como
punto de partida las propuestas personales representadas en la imagen propia.
Se utilizan distintas técnicas: directas y mixtas.
Materiales diversos (soldadura, talla, modelado).
REGIMEN: 1º- 4º AÑO: ANUAL 4 HS. SEMANALES
El grabado, asignatura perteneciente al campo de la
producción, está orientada a promover en los alumnos el reconocimiento de los
modos de representación propios del mismo, el desarrollo de su capacidad
perceptiva en lo concerniente al tratamiento de la forma y la textura, la
construcción gradual de su imagen personal y el reconocimiento y valoración de
la realizada por otros.
Se establecen espacios compartidos destinados al
intercambio de ideas, al análisis y la reflexión a partir de la producción y
observación de representaciones personales propias y de los pares.
Son analizados los elementos que intervienen en la
relación forma/contenido, vinculados a la intencionalidad, los modos de
expresión, a las técnicas, procedimientos, materiales, herramientas y soportes
utilizados, considerando la necesaria articulación que debe existir entre las
anticipaciones, los procesos y los resultados obtenidos.
Se enseñan conocimientos técnicos relacionados con la
imagen xilográfica: plano negro-blanco, línea negra-blanca, textura visual,
valores por textura visual. camafeo y ex libris. Pruebas de estado, tirajes.
Otras técnicas gráficas: monocopia, punta seca
(grabado en hueco). Impresión del grabado en hueco, tirada. Experiencias
gráficas, plantillas, grabado iluminado una aproximación a los procesos de
grabado en relieve, conceptos sobre la xilografía, boceto xilográfico, incisión
e impresión.
Cada procedimiento está relacionado con distintas
posibilidades de representación gráfica que los alumnos aprenden a identificar.
La indagación práctica relacionada con el grabado permite a los alumnos conocer
nuevos procesos técnicos y también profundizar algunos que ya conocen, a través
del contacto con diversos materiales, herramientas y soportes, sean estos
tradicionales, no convencionales y los derivados de las nuevas tecnologías
Se sistematizan los conocimientos que intervienen en
el desarrollo profesional, técnico y pedagógico con dominio adecuado del
lenguaje oral y escrito, considerando los diferentes modos de resolución
estética de la imagen.
Se aborda la producción visual como un proceso
complejo, que incluye la realización de bocetos, registros de imágenes propias
y del entorno, la realización de croquis en diferentes tiempos. Se ofrece un
espacio para las reflexiones personales y compartidas acerca de ideas,
correcciones y evaluaciones de proceso.
La enseñanza se orienta, en forma simultánea, al
aprendizaje de conceptos propios del grabado tales como reproductibilidad,
copia múltiple, libro de artista, copia de artista, etcétera, al uso de un
vocabulario apropiado a partir de las producciones de los alumnos, valorizando
e incluyendo los conceptos trabajados en la asignatura Visión.
Se trabajan los conceptos específicos de la asignatura
incluyendo en los análisis ejemplos de obras plásticas argentinas y
latinoamericanas, con el fin de que el futuro egresado desarrolle conciencia de
su identidad cultural y reconozca la presencia de la diversidad como valor en
sí mismo.
Se promueve el aprendizaje de normas de prevención y
seguridad en cuanto al uso de materiales y herramientas, mantenimiento e
higiene de las mismas.
Grabado I
Son trabajados los contenidos relacionados con
nociones de: matriz, impresión y estampa, resoluciones de positivo- negativo, inversión
de la imagen, línea negra/ blanca, textura visual como ornamentación y como luz
y sombra. El grabado en relieve.
Los alumnos construyen conocimientos relacionados con
los valores de claroscuro por textura visual, de la línea como trama en el grabado
en hueco, del color en la monocopia del pintor, de
los valores en la monocopia del dibujante, del texto
como imagen visual.
Se realizan producciones orientadas al reconocimiento
de los elementos y las técnicas que intervienen para la producción de diversas
texturas durante los procedimientos de realización de la monocopia:
camafeo, Ex libris, punta seca-grabado en hueco. Los alumnos comparten en forma
grupal el cuidado de las herramientas del taller, su limpieza y conservación y
el uso correcto de las herramientas como gubias, rodillos, etcétera.
Grabado II
Durante esta etapa de la formación de los alumnos, se
desarrollan conocimientos relacionados con las nociones de valor y clave tonal
en el camafeo, plano, línea, textura en la xilografía color. Bicromía,
tricromía, policromía, taco perdido, registros de color. Lo cóncavo y lo
convexo en el relieve. La línea, trama y textura en el grabado en hueco.
Los alumnos comparten en forma grupal el cuidado de
las herramientas del taller, su limpieza y conservación y el uso de nuevas
herramientas para incisión, como trincheta, lijas
gruesas de distinto tipo, punzones. Registros.
Grabado III
Los alumnos acceden a saberes relacionados con
nociones de matriz, impresión y estampa. Técnicas de grabado en hueco, Aguafuerte,
aguatinta, barniz blando, barniz blando a la manera del lápiz Gofrado. Textura
visual y trama en el proceso de aguafuerte. Línea modulada en el aguafuerte.
Línea como trama en el grabado en hueco. Los valores en el proceso de
aguatinta. collagraph. Proceso de entintado en el
grabado en hueco, entintado por zonas de color, impresiones con el proceso de
chinee colle. Entintado a la poupée.
Los alumnos comparten en forma grupal el cuidado de
las herramientas del taller, su limpieza y conservación y el uso correcto de
las herramientas como puntas, bruñidor e impresión correcta con el tórculo.
Grabado IV
Se efectúan propuestas personales y grupales
relacionadas con la producción de experiencias gráficas aplicando conocimientos
relacionados con la impresión de matriz, impresión y estampa. Técnicas de
grabado en hueco, aguafuerte, aguatinta, aguafuerte y aguatinta color.
Registros. Mezzotinta. Técnica de grabado al azúcar.
Litografía. Serigrafía. Concepto de libro de artista.
Los alumnos comparten en forma grupal el cuidado de
las herramientas del taller, su limpieza y conservación y el uso correcto de
las herramientas como puntas, bruñidor e impresión correcta con el tórculo.
REGIMEN: 1º AÑO: ANUAL 3 HS. SEMANALES y 2º, 3º y 4º
AÑO: ANUAL 2 HS.SEMANALES
Esta asignatura perteneciente al campo
teórico-práctico de las artes visuales, orienta el estudio al conocimiento de
los elementos plásticos, sus cualidades y propiedades; estudia las leyes de la
percepción visual; las estructuras de las formas orgánicas, inorgánicas,
tectónicas, y arquitectónicas; las formas compositivas y los distintos modos de
representación. Incorpora problemáticas relacionadas con la denotación,
significación, y connotación de la imagen, considerando los elementos plásticos
en sus aspectos más simples en los dos primeros años y en la unidad de la obra
en tercero y cuarto año.
El conocimiento del lenguaje requiere de
procedimientos prácticos que se resuelven en el espacio bi
y tridimensional, la indagación práctica permite a los alumnos conocer nuevos
procesos técnicos y también profundizar los ya conocidos, a través del análisis
de obra, del ensayo de propuestas plásticas y del contacto con diversos
materiales, herramientas y soportes, sean estos tradicionales, no
convencionales y los derivados de las nuevas tecnologías.
Se establecen espacios destinados a la reflexión y
conceptualización compartidas, acerca de las obras de distintas épocas y
corrientes artísticas, así como también de las realizaciones propias y de los
pares, con el objeto de contribuir desde la teoría al desarrollo y
enriquecimiento de la imagen propia.
Se trabajan los conceptos específicos de la asignatura
incluyendo en los análisis ejemplos de obras plásticas argentinas y
latinoamericanas, con el fin de que el futuro egresado tome conciencia de su
identidad cultural y valore la importancia de la diversidad
Se sistematizan los conocimientos que intervienen en el
desarrollo profesional, técnico y pedagógico con dominio adecuado del lenguaje
oral y escrito, considerando los diferentes modos de análisis de la imagen.
Visión I
Abarca el estudio de los elementos plásticos puros en
sus formas más simples, línea: posición, modulación, fuerza, tensión; valor:
claves, claroscuro, pasaje y contraste; forma: bidimensional, tridimensional,
abierta cerrada, calidad de superficie, color y sus variables, tono, valor
saturación, cálido y frío; composición: equilibrio, simetría, equilibrio
oculto, relaciones de figura fondo, agrupamientos. Al considerar las formas
compositivas, se incluye el estudio de las leyes de la visión.
Visión II
Se centra en la teoría del color, desarrollando
ejercicios técnicos y plásticos que consideran sus variables y combinaciones:
paletas simples, análogas, complementarias, tríadas alternos, armonías y
contrastes; mezcla aditiva y sustractiva. Se trata la línea y la forma en sus
funciones constructivas y expresivas y la representación del espacio tridimensional
visto en superficie bidimensional, espacio ingenuo, perspectiva jerárquica,
superposición y transparencia y los recursos de visión en profundidad,
perspectiva paralela, inversa, isométrica, múltiple, amplificada y punto fijo.
Armonía, equilibrio y ritmo.
Visión III
Abarca el análisis y la elaboración de trabajos
prácticos que estudian diversos modos de representación y expresión plástica en
las distintas disciplinas artísticas, épocas y corrientes, tales como clásico y
barroco; abordaje lineal y pictórico; luz difusa y dirigida; contrastes;
modelado y modulado; formas y recursos para representar la tridimensión
en la bi dimensión; recorrido, superficie de la obra;
volumen, volumen virtual, cóncavo convexo figuración y abstracción.
Expresividad, pincelada, significación y connotación, entre otros. Se incluye
también teoría del color, color luz, impresionismo y postimpresionismo.,
dimensiones del color, círculos cromáticos,
escalas y paletas armónicas y de contraste.
Visión IV
Se desarrollan los contenidos relacionados al estudio
del color luz y su comportamiento en la obra impresionista y
post-impresionista, incluyendo el tratamiento del espacio y la estructuración
de la forma a partir de la propuesta de Cezanne y la
ruptura del espacio y la profundidad. Se considera el espacio cubista, la
problemática espacio tiempo; el espacio funcional del cuadro, los elementos
plásticos liberados de significantes, la obra geométrica y la luz y movimiento.
Los análisis y ejercicios efectuados en la obra bi y
tridimensional. Se incluye: estructuración del espacio moderno, fragmentación,
encuadre no convencional, formas del postmodernismo, desfronterización
del lenguaje, objeto, libro objeto, intervención, instalación.
REGIMEN: 1º - 4º AÑO: ANUAL 3 HS. SEMANALES
La asignatura Historia del Arte, perteneciente al
campo teórico de las artes visuales, aborda el estudio de las manifestaciones
plásticas de las antiguas culturas y del arte plástico universal en sus
aspectos formales y expresivos; en su contexto históricosocial
y en el mundo simbólico correspondiente estableciendo relaciones con otras
disciplinas artísticas.
Se sistematizan los conocimientos básicos de la
disciplina, que posibilitan el abordaje del estudio histórico, tales como;
mediciones temporales, ubicación geográfica; procesos culturales, etapas y
períodos dentro de las culturas tratadas. Procurando que el alumno reconozca
características propias de los lenguajes plásticos correspondientes y
gradualmente sea capaz de distinguir diferencias sutiles dentro de las
manifestaciones de una misma cultura, así como comprender la relación entre la
imagen plástica, las corrientes de pensamiento y el momento histórico.
Se promueve en los alumnos el desarrollo de formas
adecuadas de expresión oral y escrita adecuada y se consideran los criterios y
documentos empleados en la construcción de la historia. Son enseñados métodos
relacionados con la consulta bibliográfica y la investigación; aspectos que intervienen
en el desarrollo profesional, técnico y pedagógico.
Se establecen espacios destinados a la reflexión y
conceptualización compartidas y se realizarán análisis plásticos, de rasgos
expresivos y simbólicos indagando estilos, épocas y corrientes.
Se procura que a través del conocimiento y comprensión
el alumno alcance la valoración del patrimonio artístico del país y del mundo,
como testimonio del la riqueza presente en la diversidad de las producciones
culturales.
Historia del Arte I
La construcción de conocimientos está centrada en la
valoración de los procesos culturales considerando el contexto simbólico. Las
manifestaciones plásticas en diversas fases y períodos de las culturas
prehistóricas y las históricas antiguas; tales como Mesopotámicas y del Asia
Menor; Sumeriana, Acadia, Babilónica Asiria, Persa,
Hititas y Neo-hititas, Egipcia y las primeras culturas del hierro, las culturas
cazadoras y agroalfareras de Argentina y las grandes
culturas americanas: Olmeca, Teotihuacan, Tolteca,
Maya, Nazca, Mochica, Inca, entre otras.
Historia del Arte II
Abarca las manifestaciones plásticas de las culturas
del Extremo Oriente, incluyendo India, China y Japón, desde los momentos
iniciales hasta aproximadamente siglo XV, poniendo énfasis en aquellas manifestaciones
artísticas más destacadas y considerando su relación y o contraposición con el
mundo Occidental. Por otra parte incluye las culturas del mundo mediterráneo,
Cretense y Etrusca, y las Clásicas Antiguas, Grecia y Roma, en sus diferentes
períodos y lenguajes.
Historia del Arte III
Abarca las manifestaciones artísticas y la presencia
de los distintos lenguajes en su contexto histórico, social y simbólico desde
la aparición del Cristianismo y la Baja Antigüedad hasta el Prerrenacimiento,
considerando el imperio de Occidente; el mundo Bizantino y el Islámico; la
Alta, Plena y Baja Edad Media. Se analizan las diferencias, interrelaciones,
influencias y proyecciones presentes en los ámbitos del pensamiento y de la
imagen.
Historia del Arte IV
Abarca el estudio de las grandes corrientes artísticas
desde el Renacimiento florentino, veneciano y flamenco, hasta el siglo XX y
XXI, pasando por los períodos Manierista, Barroco, Rococó, Clásico y
Neoclásico, Romántico y Realista, Naturalista, Paisajismo, Impresionismo y Post
impresionismo, Simbolismo, Fauvismo, Expresionismo.
Los movimientos Abstractos, Neoplasticismo, Cubismo, Futurismo, Surrealismo,
Expresionismo Abstracción Geométrica, Op y Pop, Nueva
Figuración, Conceptualismo, Performance, etc.
Toma los principales movimientos en sus exponentes de
mayor interés y se incluye en correlación temporal la plástica argentina desde
sus inicios hasta el mundo contemporáneo, procurándose en éste caso el contacto
con la obra directa y el trabajo de investigación.
CICLO COMPLEMENTARIO DE FORMACIÓN ARTÍSTICA
ASIGNATURA: GEOMETRÍA APLICADA A LAS ARTES PLÁSTICAS
REGIMEN: 1º - 3º AÑO: ANUAL 2 HS. SEMANALES
Esta asignatura constituye un camino paralelo de apoyo
técnico muy importante para las disciplinas: dibujo, pintura, grabado y todas
las relativas a las Artes Plásticas y es parte integrante de la formación
profesional general del alumno.
Se propone despertar el interés de los estudiantes por
la geometría para incorporar los conocimientos que se requieren en su formación
docente y artística.
Aprender a distinguir la composición áurea en obras
pictóricas y escultóricas su manifestación práctica, el conocimiento de la
perspectiva con el sustento de la geometría plana, del espacio y descriptiva, y
la perspectiva de las sombras e imágenes reflejadas, indispensables para la
formación profesional.
Se debe tener en cuenta al desarrollar cada tema la
evolución histórica de los mismos conectándolos con la Historia del Arte y
destacando siempre que lo que se está estudiando es una forma de representación
del espacio no siendo la única a lo largo de la historia ni en la actualidad,
realizando comparaciones con otras maneras de trabajar el mismo.
Se promueve el desarrollo de procesos creativos en los
alumnos donde plasmen lo aprendido acerca de las leyes geométrico matemáticas
más elementales en imágenes bidimensionales y tridimensionales (dibujos,
grabados, esculturas, pinturas) de su autoría.
Durante el desarrollo de la materia se promueve la precisión,
la prolijidad y el buen uso y cuidado de los elementos de geometría, aspecto
importante durante su formación docente.
Geometría I
1. Razón Aurea: Serie de Fibonacci.
División de un segmento en proporción áurea. Módulo de un rectángulo.
Rectángulo áureo, construcción. Ritmo estático y ritmo dinámico. Espiral
dinámica. Reconocimiento de la composición áurea en obras pictóricas,
escultóricas, etc.
2. Geometría Plana: Trazado de polígonos regulares y
polígonos estrellados. Movimientos en el plano: traslaciones, rotaciones y
simetrías. Movimientos a través de mosaicos.
3. Geometría del Espacio: Poliedros; poliedros
regulares. Construcciones. Simetrías. Cuerpos de revolución. Aplicación en
esculturas.
Geometría II
Sistemas de Representación.
1. Sistema Diedrico de
Proyección. Proyección del punto, de la recta con sus trazas, del plano con sus
trazas, de formas contenidas en el plano y de sólidos.
2. Sistema Triedrico de
Proyección: Planta, alzado y perfil. Proyección de puntos, rectas, planos y
sólidos.
3. Perspectiva Central o Cónica: elementos.
Perspectiva con un punto de fuga de cuerpos prismáticos y cuerpos redondos a
distinta distancia del plano de cuadro. Método de visuales. Medidores. Punto de
fuga accidental.
Perspectiva con dos puntos de fuga de cuerpos
prismáticos y redondos a distinta distancia del plano de cuadro.
Geometría III
1. Perspectiva Central o Cónica: uno y dos puntos de
fuga. Revisión de perspectiva de cuerpos prismáticos y redondos en distinta
posición y a distinta distancia del plano de cuadro. Perspectiva de
agrupamiento de volúmenes. Perspectiva de escaleras. Perspectiva de arcos.
2. Perspectiva de las Sombras: conceptos. Rayos
solares en distinta posición: de costado, delante y detrás del observador.
Sombra proyectada sobre planos horizontales, verticales e inclinados. Difusión
de tonos. Iluminación artificial: propiedades. Luz artificial suspendida en el
espacio.
Varios focos.
3. Reflejos: propiedades. Reflejos sobre superficies
horizontales y verticales.
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 2 HS. SEMANALES
Esta materia centra su marco teórico- práctico en el
conocimiento de la forma, en todos sus aspectos y manifestaciones, con el propósito
de que los alumnos logren reconocer los modos en los que se encuentra presente
en las estructuras visuales, tomando como una de las bases de sustento, la
teoría psicológica de la Gestalt, entre otras.
La propuesta de trabajo se desarrolla desde la
metodología de taller, aportando a los alumnos aspectos relacionados con el
conocimiento y desarrollo de los elementos que se encuentran incluidos en del
resto de las asignaturas, especialmente en Dibujo, considerando para ello la
importancia formativa que tiene para los alumnos en esta etapa desarrollar
diferentes niveles de síntesis de los aspectos prácticos y sensibles como parte
constitutiva del pensamiento.
Se promueve el desarrollo de conocimientos y
experiencias relacionados con el mundo de las formas, aprendiendo a reconocer y
apreciar las relaciones estructurales, estimulando los diferentes procesos
creativos por medio de la clasificación, de la búsqueda de analogías y
diferencias, de las causas, origen y desarrollo de las mismas, del sentido de orden,
canon o ritmo, de estructura. Se abordan las teorías estéticas de la forma en
sus múltiples manifestaciones y la actualización de la percepción humana en el
presente siglo.
Se abordan conceptos específicos de la asignatura
incluyendo en los análisis ejemplos de obras plásticas argentinas y
latinoamericanas, con el fin de que el futuro egresado tome conciencia de su
identidad cultural y valore la importancia de la diversidad.
Morfología I
Se desarrolla el análisis de las formas, en sus manifestaciones,
como lo geométrico y lo orgánico, lo natural y lo artificial. Las
transformaciones de las formas, las adaptaciones, en lo biológico, en los
vegetales y los animales. También de las estructuras del mundo mineral.
Las distintas posibilidades expresivas, la forma como
representación y como signo y símbolo, la iconicidad y la evolución de lo
conceptual y sus códigos. Macro y microfotografía, para comprender y visualizar
las estructuras.
Morfología II
La estructura del organismo elemental, forma y
función. La evolución de las especies, descubrimiento de las estructuras de la
naturaleza a través de la tecnología y de los avances de la óptica y la
informática. El ser humano, su evolución, su hábitat. Las posibilidades
creativas desde estos conocimientos y experiencias.
Conocimiento de las formas humanas naturales, la
estructura del esqueleto, articulaciones, Osteología y de su musculatura
superficial, ligamentos, tendones. Miología.
La ubicación, proporción y función. El movimiento y
las transformaciones, produciendo la variación de la forma. Diferenciación con
las formas de otros animales vertebrados. Se vale del dibujo analítico y
descriptivo. Conocimiento de las formas humanas idealizadas, concepto de canon.
Los principales cánones en la Historia del Arte.
7.4.8 Espacios curriculares del campo de la formación
específica comunes a todos los Profesorados de Artes Visuales con orientación
en Dibujo, Pintura, Escultura, Grabado
REGIMEN: ANUAL 5 HS. SEMANALES
DIBUJO I, II, III y IV
Esta es una asignatura troncal que atraviesa y está
presente en toda la carrera y en todas las especialidades, con un
funcionamiento y criterios complementarios a los otros talleres.
El dibujo tiene como objetivo fortalecer y profundizar
los saberes gráficos, adquiridos en otros tramos de la formación como así
también incorporar nuevos conocimientos, procedimientos y recursos,
constituyéndose en herramienta para la comprensión y producción artística, en
particular como instrumento para pensar imágenes, proyectar y objetivar
imágenes- ideas.
Se impulsa la sistematización de nuevos saberes, tanto
lo relacionado con el campo conceptual como con los aspectos técnicos y
procedimentales específicos del campo gráfico y su vinculación con otros que el
alumno ha construido en otros tramos de su formación, ya sea en esta misma
disciplina como a partir de los aportes de las otras.
Esta instancia se constituye como articuladora ya que
todo el alumnado converge posibilitando un ámbito de intercambio
interdisciplinario. Se espera que cada uno de los estudiantes aporte miradas y
saberes procedimentales propios, adquiridos en su formación específica. El
docente atiende esta diversidad, formulando propuestas diferenciales.
Se implementa la modalidad aula-taller que permite la
producción y realización conjuntamente con los procesos de reflexión y
conceptualización.
Dibujo I
En este tramo de la materia la producción gira en
torno a la investigación perceptual, profundizando y explorando la realidad
objetiva, el entorno visual; como así también las representaciones de los
dibujantes de todas las épocas.
Se investigan distinto tipo de experiencias gráficas
innovadoras ampliando y diversificando el uso de materiales, técnicas,
procedimientos, formatos y escalas.
Se analizan las nuevas posibilidades del dibujo
observando diversas manifestaciones artísticas, modos y códigos, orientado al
alumno a la capacitación técnico-teórica, al desarrollo de mayores niveles de contemplación,
reflexión, producción y entendimiento de los códigos plásticos, sus mecanismos,
posibilidades, articulaciones y usos.
Dibujo II
La producción de este tramo se centra en la indagación
del acto de dibujar en tanto etapa de gestación intelectual de la obra;
imaginando y prefigurando obras de diverso carácter (pictóricas,
tridimensionales, graficas, multimediales).
Se apunta al desarrollo de la capacidad de ver, como
herramienta o instrumento para alcanzar un cierto entendimiento de la
organización y construcción visual de la realidad.
Estos niveles de comprensión permiten pensar la
realidad incorporando un modelo para la puesta en obra, para la comunicación de
ideas, sensaciones, experiencias y emociones
Se intensifica la investigación perceptual,
profundizando y explorando la aprehensión de la realidad objetiva, tanto como
las representaciones de los dibujantes de todas las épocas.
Se trabaja en la integración de técnicas, con
diferentes posibilidades, estético - comunicativas, adecuadas a la necesidad de
la imagen e idea establecida por el alumno.
Dibujo III
En este nivel, la asignatura se centra en la
investigación para la objetivación de concepciones o representaciones
intelectuales. A lo largo de este tramo se pone el acento en el la implementación del dibujo vinculado a la comunicación
y a la cultura visual contemporánea.
El eje se centra en la realización gráfica en torno
del mensaje y los códigos e incluirá elaboración de:
- proto imagen: de la idea a
su configuración
- imagen: hacia la visualización y producción del
objeto.
- registro y reflexión del proceso, posicionamiento de
la obra: concientización y socialización de la experiencia; autocrítica,
crítica grupal y del docente.
Se trabaja en el desarrollo de un proyecto individual,
abordando la Investigación, el registro y optimización de la imagen y la obra
propia. Se atiende a la construcción del proceso de desarrollo y ejecución de
obra, utilizando como elemento de registro un “Diario de producción”.
A lo largo de la cursada se analiza la obra de
artistas plásticos que han recurrido a estas modalidades para el desarrollo de
su obra, contextualizándolas en la historia del arte y la contemporaneidad.
Dibujo IV
En este último nivel, se trabaja en la producción de
obra orientada hacia el medio social y la relación con el individuo: (qué se
comunica y a quién), el pasaje de la imagen personal a la confluencia con el
afuera y la comprensión del entorno.
La tarea incluye la elaboración de una obra
considerando la ubicación y actitud de la imagen, la relación imagen e
ideología, la situación del ámbito y la cultura. Se tiene en cuenta el contexto
y la comunicación, el proyecto ideológico, la postura conceptual y temporal de
la obra y su proyección en el ámbito especifico al que está destinada.
Se trabaja la profundización de la imagen individual,
en relación con ámbitos diversos; como así también el proyecto y realización de
una obra grupal, utilizando registros de los diferentes medios de producción.
Se apunta al fortalecimiento del campo conceptual-experimental
y estético del alumno, procurando generar una base investigativa
teórico-práctica.
La metodología de trabajo tendrá por objetivo la
investigación, reformulación y adecuación de los recursos estéticos conforme a
la necesidad de la idea, imagen y operatoria específica: del sujeto que
produce, a la obra como construcción en la cultura.
Las propuestas de trabajo se concentrarán en la
relación entre la idea, la concepción y la visión, entendiendo al lenguaje como
mediador instrumental para el registro y la producción del pensamiento y las
ideas.
ASIGNATURA: DIDÁCTICA DE LAS ARTES VISUALES
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
La asignatura apunta la construcción de conocimientos didáctico-pedagógicos
específicos y a la comprensión del proceso de enseñanza de las Artes Visuales.
Resulta relevante que los alumnos conozcan y
reflexionen acerca de los diferentes enfoques didácticos en la enseñanza de las
Artes Visuales en general y de los enfoques que se han desarrollado a través de
los años para identificar de qué manera estos modelos subyacen a los procesos
de enseñanza y el tipo de aprendizajes que promueven.
Se apunta a que los alumnos puedan conocer y analizar
aspectos referidos a la transposición didáctica, al planteo de situaciones
problemáticas y desarrollo de propuestas de trabajo en el aula como así también
a la evaluación de los procesos de enseñanza aprendizaje. Por este motivo es
importante una articulación de los contenidos de esta materia con los del campo
de la Práctica Profesional.
Es conveniente que al abordar estos conceptos se
trabajen en relación con las características y problemáticas específicas que se
plantean en los distintos niveles, ciclos y modalidades del Sistema Educativo,
en Educación Artística y Educación no formal.
7.4.9 Espacio curricular del campo de la formación
específica del Profesorado de Artes Visuales con orientación en Escultura
TALLER DE LA ORIENTACIÓN: ESCULTURA
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 12 HS. SEMANALES, 3º y 4º
AÑO: ANUAL 10 HS. SEMANALES
Esta asignatura corresponde a la especialidad elegida
por el alumno. Su desarrollo tiende a fortalecer y profundizar saberes y
habilidades relacionadas con la realización escultórica, se incorporan nuevos
conocimientos relacionados con la producción artística, y se amplían las
posibilidades para su apreciación y contextualización.
A partir de los conocimientos adquiridos en el
trayecto de Formación Básica en Artes Visuales, se enfrenta al alumno con las
realizaciones escultóricas tanto del pasado como contemporáneas, con el
objetivo de identificar los valores intrínsecos de creación y permanencia que
hay en ellas.
Desde los proceso de realización escultórica se
plantea el uso de técnicas variadas y complejas profundizando las ya conocidas
y especializándose en aquellas de elección del alumno. Se le da especial
importancia a la escultura en metales y soldadura, a la talla en madera,
mármol, piedra, así como al modelado en cera y la fundición.
Se impulsa la reflexión que permite una
sistematización de los saberes, tanto en lo relacionado con el campo conceptual
como con los aspectos técnicos y procedimentales. A partir de la experiencia se
desarrolla una mirada al campo de la enseñanza, en función de la formación
pedagógica de los alumnos y su futura acción docente.
Se implementa la modalidad aula-taller propia de la
actividad artística que permite el hacer en la disciplina y los procesos de
reflexión y conceptualización, posibilitando el seguimiento personalizado y
grupal.
Escultura I
En este tramo de la disciplina, se abordan distintos
procedimientos que derivan, tanto de la evolución de los materiales que
permiten la representación escultórica como del uso de nuevas herramientas
mecánicas y eléctricas.
Se trabaja en el estudio de modelos y en la creación
de formas plásticas personales, a partir del planteo de distintos problemas
propios de la escultura. Se aborda la composición de llenos y vacíos, la
intercalación de cuerpos y planos, distintas calidades de superficie y otros
valores estructurales sobre la base del estudio de obras antiguas y modernas.
Tras un escalonado progreso en la composición, de
volúmenes y espacios se llega a la etapa de creación y expresión escultórica.
Se abordan los tres modos fundamentales de producción escultórica: el modelado,
la talla directa, y la construcción o ensamblaje
Se trabaja en recorridos que abarcan desde el pequeño
formato a la dimensión urbana y territorial, con la problemáticas y resoluciones
propias de cada caso; asimismo se analizan los diversos modos de exposición y
emplazamiento correspondientes a cada tipo de escultura.
Escultura II
Se profundizan los procesos de indagación y
representación escultórica con el propósito de profundizar, ampliar y mejorar
las posibilidades de realización y concreción de la imagen; incluyendo en este
tramo de la disciplina la combinación y mixtura de procedimientos y mecanismos
de composición para el desarrollo y producción de imágenes volumétricas.
Se trabaja en la integración de técnicas, sus
diferentes posibilidades estéticocomunicativas,
adecuadas a la necesidad de la imagen e idea establecidas por el alumno
atendiendo a los diversos problemas de composición; a las diferentes funciones
y posibilidades en relación a la obra e imagen planteada, así como a las
modificaciones que surgen a partir de su realización con diferentes materiales,
procedimientos y escalas.
A lo largo de la cursada se analiza la obra de
escultores que han recurrido a estas modalidades para el desarrollo de su obra,
contextualizándolas en la historia del arte y la contemporaneidad.
Escultura III
A lo largo de este tramo de la disciplina se pone el
acento en la implementación del lenguaje escultórico vinculado a la
comunicación y a la cultura visual contemporánea.
Se desarrolla especialmente la relación escultura –
arquitectura; escultura- naturaleza y escultura en el espacio público urbano y
rural.
El contenido central se desarrolla en lo referido a la
realización escultórica relacionada con el concepto de mensaje, código y
comunicación e incluirá elaboración de:
- proto imagen: de la idea a
su configuración
- imagen: hacia la visualización y producción del
objeto.
- registro y reflexión del proceso, posicionamiento de
la obra: concientización y socialización de la experiencia; autocrítica,
crítica grupal y del docente.
Se trabaja en la realización de un proyecto
individual, así como en la investigación, registro (diario de producción) y
optimización de la obra propia.
Escultura IV
En este tramo se trabaja en la producción de obras
orientadas al medio social; lo que comunica la obra y a quién; la relación
entre la imagen personal y su confluencia con el entorno.
En los procesos de elaboración de las obras se trabaja
teniendo en cuenta el contexto, la intencionalidad comunicativa, el proyecto
ideológico, la postura conceptual y temporal de la obra y su proyección en un
ámbito especifico.
Se propone la profundización de la obra e imagen
individual en relación con ámbitos diversos como así también el proyecto y
realización de obra grupal promoviendo la investigación, reformulación y
adecuación de los recursos escultóricos conforme a la necesidad de la idea y a
la operatoria específica.
7.4.10 Espacio curricular del campo de la formación
específica del Profesorado de Artes Visuales con orientación en Grabado
TALLER DE LA ORIENTACIÓN: GRABADO
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 12 HS. SEMANALES, 3º y 4º
AÑO: ANUAL 10 HS. SEMANALES
Esta asignatura corresponde a la especialidad elegida
por el alumno. Su desarrollo tiende a fortalecer y profundizar saberes y
destrezas relacionadas con el grabado y adquiridas, tanto dentro de la misma
especificidad como en relación con otras disciplinas. Asimismo se incorporan
nuevos recursos que sirvan como herramientas para la apreciación, expectación,
comprensión y producción del grabado en el marco del lenguaje gráfico.
Se hace hincapié en el desarrollo del lenguaje visual
atendiendo a la especificidad gráfica en cuanto a las formas de resolución,
trabajando la mirada en aspectos que conducen a la exploración del detalle y su
relación con la imagen en su conjunto.
Se procura la ampliación del campo de las experiencias
visuales y estéticas con particular atención en aquellas que conciernen al
grabado desde la perspectiva contemporánea. Se impulsa la sistematización de
los saberes, tanto en lo relacionado con el campo conceptual como en los
aspectos técnicos y procedimentales, a fin de iniciar a los alumnos en las
experiencias de transposición.
Se desarrolla la unidad estético-pedagógica, en
función de la formación pedagógica de los alumnos y su futura acción docente.
Se implementa la modalidad aula-taller propia de esta
actividad, que permite el hacer en la disciplina y los procesos de reflexión y
conceptualización y posibilita el seguimiento personalizado y grupal.
Grabado I
Se trabaja en miras a la profundización de los
conocimientos del grabado y su apertura a modalidades de innovación y cuidado
del medio ambiente. Para ello se aborda el estudio del lenguaje tipográfico y
calcográfico (características visuales y lexicales, procesos y recursos
técnicos tradicionales e innovadores), experimentando distintas modalidades de
estampación, soportes y formatos y combinando modos tradicionales y
experimentales.
Se estudia y contextualiza la producción con el
repertorio gráfico histórico y contemporáneo.
Se tiene en cuenta los principios generales de cuidado
de medio ambiente orientados hacia un posicionamiento preservador a través de
la caracterización de materiales y procedimientos.
Se trabajan prácticas de investigaciones particulares
y grupales para la formación de proyectos profesionales.
Grabado II
Se continúa trabajando en la concientización acerca de
la preservación del medio ambiente, investigación y aplicación de procesos de
menor toxicidad y se aborda el repertorio de los artistas que han explorado
procedimientos de menor impacto ambiental. Se incorporan procesos de menor
toxicidad tanto tipográficos como calcográficos.
En este tramo de la disciplina se pone el acento en la
familiarización con herramientas manuales y electro-mecánicas (gubias, buriles,
roulettes, berceaux, criblè, torno, et.), así como en la exploración e invención
de herramientas y procedimientos por parte de los alumnos.
Se abordan distintas modalidades del trabajo
tipográfico (modalidades de xilo, lino, gofrados,
troquelados, collagraph) y calcográfico
(fotopolímero, hueco grabado directo, carburundum,
buril, punta seca, monotipos y monocopias)
apuntando a la investigación en la diversidad de sus posibilidades y en las
modalidades de estampación.
Se analiza la obra de artistas plásticos que han
recurrido a estas modalidades para el desarrollo de su obra gráfica,
contextualizándolas en la historia del arte y en la contemporaneidad.
Se promueven procesos de investigación para el
desarrollo de la producción grafica personal, grupal y de carácter
multidisciplinario.
Grabado III
A lo largo de este tramo de la disciplina se pone el
acento en la implementación lenguaje gráfico vinculado a la comunicación y a la
cultura visual contemporánea pública, tales como carteles, afiches, señalética, ilustración de libros, ex libris, ediciones
para bibliófilos, objetos de consumo como etiquetas, etcétera. Se trabaja el
grabado y la ilustración y su vínculo en el desarrollo científico y textos de
ficción. Estos contenidos se abordan desde la tradición histórica en el arte y
desde el concepto de ecología visual contemporánea.
Se analiza el empleo de nuevas tecnologías en
combinación con las técnicas tradicionales y experimentales, el uso de la
producción digital y la fotografía. Los alumnos trabajan en la investigación,
estudio y análisis para el desarrollo productivo de la Litografía y Serigrafía
y su protagonismo y trascendencia en la historia del arte.
Grabado IV
Este tramo propone ampliar el campo de experiencias
estéticas del grabado como disciplina artística, en el marco de posibilidades
multidisciplinarias o de conjugación de géneros diversos para la creación y
para el análisis de nuevos conceptos teóricos. Se trabaja en el fortalecimiento
de lo adquirido y el incremento del campo conceptualexperimental
y estético del alumno, procurando generar una base investigativa teóricopráctica para el universo del grabado contemporáneo
y su futura práctica docente.
Se aborda el estudio, análisis y aplicación de
diferentes expresiones visuales, disciplinas y lenguajes artísticos en la
gráfica y los conocimientos teórico-conceptuales sobre las experiencias
estéticas pluridisciplinarias, yuxtaposición de géneros y combinatorias,
contextualizándolas en la historia del arte y en el arte contemporáneo.
Se estudia e investiga el grabado en relación con la
escultura, pintura, arte textil, cerámica; su participación en el happening, la
performance, la ambientaciones e instalaciones, en el arte conceptual,
videoarte, etcétera.
Se propicia el trabajo multidisciplinario articulado
con otras asignaturas tanto de teoría como taller, impulsando el trabajo de
investigación y discusión socializada de las propuestas.
7.4.11 Espacio curricular del campo de la formación
específica del Profesorado de Artes Visuales con orientación en Pintura
TALLER DE LA ORIENTACIÓN: PINTURA
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 12 HS. SEMANALES, 3º y 4º
AÑO: ANUAL 10 HS. SEMANALES
Esta asignatura corresponde a la especialidad elegida
por el alumno y tiene como objetivo fortalecer y profundizar saberes
relacionados con la Pintura, adquiridos en otros tramos de la formación; así
como incorporar nuevos conocimientos, procedimientos y recursos para la
apreciación, comprensión y producción pictórica tanto lo relacionado con el
campo conceptual como los aspectos técnicos y procedimentales.
Se procura la ampliación del campo de las experiencias
visuales y estéticas con particular atención en aquellas que conciernen a las
relaciones cromáticas y al quehacer pictórico desde la perspectiva
contemporánea.
Se pone la mirada en algunos aspectos relacionados con
la adquisición de conocimientos, reflexionando acerca de algunos aspectos en
función de la formación pedagógica de los alumnos y su futura acción docente.
Se implementa la modalidad aula-taller que permite la
realización pictórica y también los procesos de reflexión y conceptualización
sobre dichos procesos y producciones.
Pintura I
En este tramo de la materia se investiga diferentes
variaciones técnicas, expresivas y/o conceptuales sobre representaciones
tradicionales y de la modernidad. Se trabaja en el estudio de modelos y en la
creación de forma pictóricas personales incluyendo distinto tipo de
producciones como el relieve pictórico, la pintura espacial, la aerografía, el
ensamblaje, etc.
La producción se fundamentara en los movimientos
pictóricos de todas las épocas y en la reflexión sobre nuevas posibilidades,
intensificando los conocimientos técnicos y analizando diversas manifestaciones
pictóricas, modos y códigos artísticos.
Por ser el color inherente a la disciplina, se
profundizará su estudio sobre bases científicas y se experimentarán modos
tradicionales y nuevos de aplicación.
Orientado a la capacitación técnica-teórica, se busca
capacidades para la contemplación, reflexión, producción y entendimiento
de los códigos plásticos, sus mecanismos, articulaciones y su empleo en la
pintura.
Pintura II
Se profundizan los procesos de indagación y
representación pictórica incluyendo en este tramo de la disciplina la mixtura
de procedimientos y mecanismos de composición desarrollo y producción de
imágenes pictóricas y objetos.
Se trabaja en la integración de técnicas, sus
diferentes posibilidades, estético comunicativas, adecuadas a la necesidad de
la imagen e idea establecida por el alumno. Se abordan los procedimientos
tradicionales y alternativos que derivan, tanto de la evolución de los
materiales como del uso de nuevas herramientas, mediante la inclusión de
elementos mecánicos, electrónicos y digitales. En este proceso se busca
desarrollar las capacidades de observación y de expresión como mecanismos de comunicación
intra e intersubjetivos.
A lo largo de la cursada se analiza la obra de
artistas plásticos que han recurrido a estas modalidades para el desarrollo de
su obra pictórica, contextualizándolas en la historia del arte y la
contemporaneidad.
Pintura III
A lo largo de este tramo de la disciplina se pone el
acento en la implementación de la pintura vinculada a la comunicación y a la
cultura visual contemporánea.
El eje se desarrolla en la realización sobre la
problemática de la concepción de la imagen y concepto del mensaje, códigos,
incluirá elaboración de: - proto imagen: de la idea a
su configuración
- imagen: hacia la visualización y producción del
objeto.
- registro y reflexión del proceso, posicionamiento de
la obra: concientización y socialización de la experiencia; autocrítica,
crítica grupal y del docente.
Se trabaja en proyectos individuales en la
investigación, registro y optimización de la imagen y obra propia, registrando
el proceso de desarrollo y ejecución de obra (Diario de producción).
Pintura IV
Se trabaja con la producción de obra orientada hacia
el medio social y la relación con el individuo, lo que comunico y a quién, la
imagen personal y su confluencia con el entorno. Se estudia la ubicación y
actitud de la obra, la relación imagen e ideología, su situación en el ámbito
de la cultura.
Se profundiza en la relación de la imagen individual
con ámbitos diversos, trabajando en la realización de una obra grupal y de una
obra participativa, registrando los procesos de producción.
Se trabaja en el fortalecimiento de lo adquirido e
incremento del campo conceptualexperimental y
estético del alumno, procurando generar una base investigativa teóricopráctica para el universo pictórico contemporáneo y
su futura práctica docente.
La metodología, tendrá por objetivo la investigación,
reformulación y adecuación de los recursos pictóricos conforme a la necesidad
de la idea, imagen y operatoria específica:
del sujeto que produce, a la obra como construcción en
la cultura.
7.4.12 Espacio curricular del campo de la formación
específica del Profesorado de Artes Visuales con orientación en Dibujo
TALLER DE LA ORIENTACIÓN: DIBUJO
REGIMEN: 1º y 2º AÑO: ANUAL 12 HS. SEMANALES, 3º y 4º
AÑO: ANUAL 10 HS.SEMANALES
Esta asignatura corresponde a la especialidad elegida
por el alumno y su desarrollo tiende a fortalecer y profundizar saberes y
habilidades relacionados con el dibujo como así también incorporar nuevos
recursos que permitan la apreciación, comprensión y producción gráfica. Se le
otorga especial importancia al dibujo en tanto representación completa,
compleja y autónoma.
A partir de los conocimientos adquiridos en el
trayecto de Formación Básica en Artes Visuales se enfrentará al alumno con
diversos conceptos relacionados con lo grafico; así como obras del pasado y
contemporáneas, permitiéndole identificar los valores intrínsecos de creación y
permanencia que hay en ellos. A lo largo de la cursada se utilizan técnicas y
procedimientos gráficos variados y progresivamente más complejos, profundizando
los ya conocidos y permitiendo que el alumno se especialice en aquellos de su
elección.
Se impulsa la sistematización de los saberes, tanto lo
relacionado con el campo conceptual como los aspectos técnicos y
procedimentales, en función de la formación pedagógica de los alumnos y su
futura acción docente.
Se implementa la modalidad aula-taller que permite el
hacer en la disciplina, conjuntamente con los procesos de reflexión y
conceptualización posibilitando el seguimiento personalizado y grupal.
Dibujo I
En este tramo se da continuidad al desarrollo de un
proceso sistemático y sensible de captación, interpretación y creación de la
forma, el tono y el espacio. Se procura inducir a la exploración de las
características de representación personales de cada alumno y de las nuevas
posibilidades disciplinares.
Se propone el estudio de modelos y la creación de
representaciones gráficas personales, sobre la base del estudio de obras
antiguas y modernas. Se intensifica el dominio de materiales y técnicas y se
alienta la libertad creadora, explorando composiciones de diverso género. Se
trabaja en distinto tipo de composiciones en los que la línea y el valor, las
estructuras lineales, etcétera, resultan elementos primordiales de la imagen y
adquieren autonomía propia en la representación.
Desde lo metodológico se abordan procesos de creación
e investigación teóricoprácticos en la
sistematización de los procesos cognitivos necesarios para la realización en
los aspectos profesionales y pedagógicos.
Dibujo II
Este tramo continúa los procesos de representación
gráfica e investigación técnicoteórica con el
propósito de profundizar, ampliar y mejorar sus posibilidades de realización y concreción.
Se incluye la combinación y mixtura de procedimientos y mecanismos de
composición, desarrollo y producción de imágenes.
Se trabaja la integración de técnicas, sus diferentes
posibilidades estéticocomunicativas, sus usos y
mecanismos para su adecuación a la idea establecida por el alumno,
profundizando en los problemas de la composición, su desarrollo y producción.
Se abordan los procedimientos tradicionales y
alternativos que derivan, tanto de la evolución de los materiales como del uso
de nuevas herramientas, mediante la inclusión de elementos fotosensibles,
electrónicos y digitales. En este proceso se busca desarrollar las capacidades
de observación y de expresión como mecanismos de comunicación intra e intersubjetivos.
Se analiza la obra de artistas que han recurrido a
estas modalidades para el desarrollo de su obra, contextualizándolas en la
historia del arte y la contemporaneidad.
Los alumnos desarrollan proyectos individuales, en los
que se incluye la investigación, y el registro de la propia obra y de su
proceso de ejecución (Diario de Producción); atendiendo a las diferentes
funciones y posibilidades de la obra como su inserción en series y en libros de
autor.
Dibujo III
A lo largo de este tramo de la disciplina se pone el
acento en la implementación las posibilidades de la gráfica vinculada a la
comunicación y a la cultura visual contemporánea. Se atiende especialmente a
las relaciones: dibujo – palabra, dibujoedición,
dibujo- naturaleza, dibujo- ciencia, dibujo – escenarios.
El eje se centra en la realización gráfica en torno
del mensaje y los códigos e incluirá elaboración de:
- proto imagen: de la idea a
su configuración
- imagen: hacia la visualización y producción del
objeto.
- registro y reflexión del proceso, posicionamiento de
la obra: concientización y socialización de la experiencia; autocrítica,
crítica grupal y del docente.
Dibujo IV
Se trabaja con la producción de obra gráfica orientada
hacia el medio social; lo que se comunica y a quién, la relación de la imagen
personal en confluencia con el entorno.
Los procesos de trabajo incluyen la consideración de
la ubicación y actitud de la obra, la relación imagen e ideología, su situación
en un ámbito específico y en el campo de la cultura.
Se profundiza la relación de la imagen individual con
ámbitos diversos, trabajando en el proyecto y realización de una obra grupal y
de una obra participativa, atendiendo y registrando los diferentes procesos de
producción. Con ello se apunta al fortalecimiento de lo adquirido y al
incremento del campo conceptual-experimental y estético del alumno, procurando
generar una base investigativa teórico-práctica para su propia producción
artística y su futura práctica docente.
CICLO COMPLEMENTARIO DE FORMACIÓN ARTÍSTICA COMÚN A
TODOS LOS PROFESORADOS DE ARTES VISUALES CON ORIENTACIÓN
ASIGNATURA: HISTORIA DEL ARTE I – Historia del Arte Argentino y
Americano
REGIMEN: ANUAL – 3 HS. SEMANALES
Esta asignatura tiene por objeto el abordaje de las
instancias de producción y de expectación que se inscriben sobre las
manifestaciones artísticas originarias del territorio americano. Los pueblos y
civilizaciones anteriores en el tiempo o de otros ámbitos geográficos, no
poseían la significación que tiene para nosotros el término Arte ni de sus
componentes constitutivos. Entendemos entonces el término “Historia” como un
proceso temporal dentro del devenir histórico cronológico, pero que puede ser
abordado desde el presente, desde la mirada actual y “Arte” como las
manifestaciones expresivo cognitivas que dichas grupos humanos realizan a modo
de representaciones tanto mítico-religiosas a través de establecer los
referentes simbólicos identitarios de dicha
comunidad.
Intentamos
superar la visión etnocentrista y eurocentrista
que prevaleció sobre las narrativas artísticas, que sustentaban un abordaje de
lo originario de otros pueblos, partiendo desde la alteridad a modo de reforzar el discurso hegemónico
europeo que sobre las artes se inscribió durante muchos años. Esta asignatura
deberá conectarse necesariamente con
Contenidos abreviados
Determinación y conceptualización del término cultura.
La cultura como mapa conceptual de las representaciones sociales. Las
manifestaciones expresivas a través de los diferentes lenguajes
representacionales. La representación visual como elemento identitario.
Los referentes simbólicos. Los diferentes métodos de análisis como herramienta
fundamental de la interpretación. La cultura de las grandes civilizaciones
americanas sus manifestaciones
artísticas. Sus creencias y sus representaciones. El arte subordinado a lo
metafísico. Las deidades y sus representaciones. La función de los objetos. La
decoración como elemento de adición de sentido. Las culturas originarias del
territorio argentino. Las manifestaciones expresivas de las comunidades del
oeste del actual territorio de EEUU.
ASIGNATURA: HISTORIA DEL ARTE II: Historia del Arte Argentino y de las Naciones de América
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
Esta
asignatura tiene como objeto de estudio el arte que se ha desarrollado en
nuestro país, partiendo en corte diacrónico desde el advenimiento y nacimiento
del estado-nación hasta finales del s XX, estableciendo un puente hacia el arte
de las otras naciones del continente así como al arte originario de los pueblos
de América,
Se presta
especial importancia a la deconstrucción de los contenidos vernáculos
americanos, sin hacer un trasvasamiento de los modos
morfológicos formalistas del arte europeo.
La
disciplina adopta una mirada problematizadora de la
historia y de la lectura de los objetos artísticos a partir del presente.
Involucra las instancias de producción, de expectación y el texto, abierto a
nuevas miradas actuales.
Se aborda
por un lado el análisis de los componentes y vinculaciones de contenido y forma
de las obras, por el otro se trabajan los aspectos temporales que contienen y a través de éstas, se
correlaciona el tiempo histórico. Para ello es menester trabajar desde una
metodología abierta a modo de red, conectando los conocimientos en un entramado
configurado por diferentes disciplinas que hacen al discurso histórico y artístico.
A lo largo
de la asignatura se desarrollan contenidos relacionados con distintos momentos, corrientes estéticas y referentes
que tuvieron anclaje en el arte de nuestro país y en relación con otros países
de América. Se comienza el trabajo de contenidos de arte con la generación del
80, el modernismo latinoamericano y los artistas de La Boca; el grupo Nexos, el
grupo de Boedo, el grupo de Florida; el nuevo
realismo de la década del 30 – 40, el muralismo latinoamericano y el grupo
Orión; el surrealismo en América Latina, el arte concreto, al arte Madí; el arte óptico y el arte cinético; el pop americano y
latinoamericano; el arte de los 70 y los 80.
ASIGNATURA: HISTORIA DEL ARTE III: Historia del Arte Contemporáneo
REGIMEN: ANUAL 3 HS. SEMANALES
Esta
disciplina trabaja con el Arte que se ha producido en nuestra época: el arte de
la actualidad. Este concepto, desde su anclaje temporal y desde un plano
general, entiende la contemporaneidad en el arte coincidente con el comienzo de
Se parte del
supuesto que la posmodernidad o contemporaneidad no es una prolongación de
Desde lo
metodológico se propone establecer a modo de “mapa”, múltiples conexiones desde
diferentes discursos que atraviesan el arte contemporáneo y desde diferentes
teorías, partiendo de la actualidad del arte y del hecho artístico, para
establecer líneas hacia un pasado mediato e inmediato.
Los
contenidos de esta disciplina desarrollan el problema del arte contemporáneo, sus
límites y extensiones, abordando la mixtura de géneros y estilos y la polisemia
en la acepción de Arte.
Se plantea
la revisión del análisis de la obra de arte y la mutación de las teorías de la
creatividad a lo largo del tiempo. Se plantea una revisión del modernismo
decimonónico, sus teorías y métodos, de las vanguardias históricas.
El
desarrollo troncal de contenidos abordará las 2° vanguardias de posguerra hasta
el arte actual: El apropiacionismo norteamericano, neoexpresionismo alemán, la transvanguardia
italiana y la figuración libre francesa, el arte de la décadas de los 70 – 80 y
90, el arte conceptual, el minimalismo, el arte povera,
la hipertextualidad y la intertextualidad, el arte
del cuerpo, las problemáticas del género y la multiculturalidad,
entre otros.
ASIGNATURA: HISTORIOGRAFÍA Y CRÍTICA DEL ARTE
REGIMEN: CUATRIMESTRAL - 2 HS.
No hay Arte ni obras sin discurso que los sustenten y
sin teorías que ls fundamenten y legitimen. Esta
asignatura promueve el abordaje de la historiografía y crítica del arte como
discurso legitimador de las diferentes teorías y postulados filosóficos. Se
desarrollan una serie de postulados filosóficos sobre el Arte, señalando sus
aportaciones y carencias y cómo estos discursos han sido siendo reemplazados
por otros; sumando una diversidad de enfoques que permiten aproximarnos a un
objeto artístico.
Se trabaja a partir de las problemáticas del presente
evitando limitarse a un abordaje historicista, lineal y cronológico. Los contenidos
se desarrollan en una multiplicidad conceptual con interconexiones permanentes
tanto a nivel asignatura como también en correlatividad
con las materias teóricas del profesorado. Se aspira con ello que los alumnos
puedan formar una trama discursiva, un sistema de conectividad permanente, como
constructores de sentido no lineal. Los contenidos de esta asignatura
desarrollan la intertextualidad entre el discurso histórico y crítico. Se
analiza la crítica del Arte en la actualidad, en los diferentes lenguajes
artísticos y como metadiscurso. Se trabajan los
distintos métodos que hacen a la historiografía del arte: el estudio en
base a las escuelas, estilos y cronología, el método
semiótico y sus aportes a la interpretación de la obra de arte, el historicismo,
el atribucionismo, el método positivista, el
determinismo, el método sociológico, la Historia Social y la Sociología del
Arte, los formalistas y los aportes de la iconología e iconografía.
ASIGNATURA: CONFIGURACIÓN I y II
REGIMEN: ANUAL - 4 HS. SEMANALES
Esta asignatura tiene, como objeto de estudio tanto
los procesos de percepción y como las distintas posibilidades de organización
de las obras visuales. Para ello parte de los conceptos estudiados por la
psicología de la percepción y de la investigación del acto perceptual, con la
finalidad de trasponer su organización a la estructura visual de la obra, lo
que implica la conjunción de los fundamentos teóricos con la práctica
artística.
Esta asignatura Configuración es de carácter
teórico-práctico. Y se plantea a partir de una dinámica experimental que
promueve la puesta en obra de los principios teóricos investigados, adoptando
las técnicas más adecuadas para cada problema.
Configuración I
En este tramo de la materia se investigan, progresiva
y ordenadamente, las estructuras perceptivas y operativas en sus aspectos
formales, cromáticos, texturales e integradores, sus relaciones entre sí y con
la totalidad y su importancia para la creación y la expresión artísticas. Se
abarca entre la organización del campo visual y teoría de la configuración, la
interrelación estructural, la percepción de la luz y del color, la percepción
de la forma, la textura y el espacio. El aborda el color como fenómeno visual y
sus aspectos vinculados a la composición, funciones expresivas, simbología y
aspectos psíquicos. Se trabajan los conceptos de partición del espacio y
simetría, percepción del movimiento, etcétera.
Configuración II
En este tramo de la disciplina se abordan los
elementos constitutivos inherentes a la organización visual en las creaciones
artísticas y en la comunicación visual. Se profundiza en el análisis de los
sistemas de representación y los modelos comunicacionales, conociendo la
Gramática Visual en cuanto a las distintas relaciones posibles que interactúan
ordenando dichos elementos con un propósito discursivovisual.
Se propone que los alumnos se encaminen desde lo perceptivo y/o gestáltico, al
conocimiento de la forma como discurso; como sistema; como estructura; como
poética de la observación y la imaginación, poniendo sentido e intención en
ello. Se espera que los estudiantes puedan generar un vocabulario y una
gramática como soportes de pensamientos visuales singulares y propios,
analizando modos de ver y de representar la realidad exterior e interior. Se
trabajan los sistemas de forma, la concepción fractal del universo formal, y
las variables de la organización en la bidimensión y
en la tridimensión. Se estudia el color en sus
significados e historia, sus funciones, las diferencias de uso en la creación
de los mensajes plásticos, en los productos de las disciplinas proyectuales y
funcionales, en las artes aplicadas y en los medios audiovisuales.
ASIGNATURA: TALLER DE INTEGRACIÓN Y EXPERIMENTACIÓN I
REGIMEN: ANUAL – 4 HS. SEMANALES
Las propuestas estéticas contemporáneas priorizan la
construcción de sentidos recurriendo un amplio abanico de recursos de lenguaje
así como una gran diversidad de materiales, recursos tecnológicos y procedimentales
de distintas disciplinas y géneros estéticos, en oposición a la clausura de las
limitaciones disciplinares. El propósito de este taller es familiarizar a los
alumnos con este tipo de propuestas estéticas reconociendo sus posibilidades y
la presencia y aportes de los distintos lenguajes, promoviendo la indagación
experimental así como sus posibles articulaciones. Se apunta a promover el
análisis y significación de las experiencias de yuxtaposición de géneros y
promover el planteo y la realización de propuestas experimentales y
multidisciplinares por parte de los alumnos. Se trabaja con una modalidad de
aula taller y mediante un mecanismo de tutorías de proyectos de trabajo
individuales y/o colectivos. El docente de la asignatura trabaja en pareja
pedagógica con los docentes responsables de cada una de las disciplinas
troncales de la especialidad (dibujo como especialidad, grabado, pintura,
escultura).
Asimismo se establecen vinculaciones con otras
asignaturas, como el “Seminario de apreciación estética”, “Materiales y
procedimientos”, “Arte y multimedia”, “Historia del arte” u otras, en virtud de
los requerimientos de los proyectos presentados por los estudiantes. Los
contenidos tratan la aproximación histórica y antropológica a las experiencias estéticas
multidisciplinares y de la performance: ecología, imágenes, objetualidad,
movimiento, en los espectáculos culturales del ritual a la performance y sus
géneros; las expresiones carnavalescas, dramáticas o fílmicas; a las
instalaciones y las experiencias enmarcadas en la estética de la emergencia y
la estética relacional. Se analizan las especificidades disciplinares y
modalidades posibles de articulación de
productos visuales como imágenes y objetos con prácticas, instituciones a través
de ideas e imaginarios. Se aborda el concepto de temporalidad como dimensión de
las artes visuales.
Se utilizan herramientas metodológicas para la
elaboración de proyectos de investigación (construcción de objetivos,
hipótesis, etc.).
ASIGNATURA: TALLER DE INTEGRACIÓN Y EXPERIMENTACIÓN II
REGIMEN: ANUAL – 4 HS. SEMANALES
Este taller se propone ampliar el horizonte de las
experiencias estéticas de los alumnos y proporcionar medios que les permitan el
análisis e interpretación de nuevas formulaciones y producciones en el campo de
la cultura, reconociendo los imaginarios y las propuestas teórico conceptuales
que las articulan. Los alumnos pueden reconocer las posibilidades de los
distintos lenguajes y encarar la realización de propuestas de trabajo
experimental y multidisciplinar mediante la indagación, a partir los recursos y
procedimientos de la disciplina de especialidad de origen de los estudiantes y
de sus articulaciones con otras. Se ejercitan metodologías de investigación y se
apunta a profundizar la lectura y el desciframiento de propuestas estéticas
diversas y facilitar sus códigos de aprehensión, tomando en cuenta la formación
docente y los procesos de transposición didáctica. Se abordan los distintos
elementos vinculados a la metodología de la investigación, herramientas teórico
conceptuales para la interpretación y la construcción de sentidos (marcos
teóricos y teorías estéticas) y herramientas para la elaboración de proyectos
de investigación (construcción de objetivos, hipótesis, etc.)
Se analiza la diversidad de vinculaciones genéricas
posibles en la gestación de distintos productos culturales a gran escala y en
la presencia de lo estético más allá de las artes. Se desarrollan los conceptos
de ecología visual, diseño, cultura urbana desde una mirada antropológica y
desde los estudios visuales. Se proponen experiencias relacionadas con la
producción seriada de escala urbana e industrial, formalizando intervenciones
en el espacio social.
La disciplina se centra en el trabajo teórico-práctico,
a partir de la apreciación de productos estéticos en experiencias directas como
también en la gestación y concreción de propuestas de trabajo individual y/o
grupal, trabajando para ello conjuntamente con otras disciplinas de la carrera.
Se trabaja con modalidad de aula taller y mediante
tutorías de proyectos de individuales o colectivos. El docente trabaja en
pareja pedagógica con los docentes responsables de las disciplinas troncales de
la especialidad (dibujo como especialidad, grabado, pintura, escultura).
Asimismo se establecen vinculaciones con otras asignaturas como el “Seminario
de apreciación estética”, “Materiales y procedimientos, “Arte y multimedia”,
“Historia del arte” y otras de acuerdo a los requerimientos de los proyectos presentados
por los estudiantes.
ASIGNATURA: ARTE DIGITAL Y MULTIMEDIA
REGIMEN: ANUAL – 4 HORAS SEMANALES
El arte digital es una disciplina que abarca tanto las
obras realizadas en soporte digital como así también los procesos de creación
en los que se utiliza dicha tecnología. Su desarrollo se apoya en el empleo de
distinto tipo de software, diversidad de programas, el uso de periféricos
auxiliares, etc. en función de las posibilidades que ofrece al área de las
artes visuales y la educación. Esta materia introduce al alumno en los
lenguajes multimedia, incentivando la producción de obras audiovisuales, con la
integración de imagen en movimiento, sonido y palabra, como fundamento para la
investigación creadora. La investigación y uso de software de arte y diseño
posibilitará el desarrollo de creativo de los alumnos para la creación de
imágenes virtuales fijas y en movimiento y la producción de presentaciones multimediales de contenidos artísticos y pedagógicos.
También se trabajan las posibilidades que ofrece el uso de las cámaras
digitales y su aplicación en la composición de obras de arte electrónico. La
impresión y presentación de los trabajos será tenida en cuenta como conclusión
del proceso creativo. Asimismo se analizan las modalidades de expectación y
realización que nacen a partir del uso de procedimientos digitales generando
una nueva estética e interrogando el papel del artista.
ASIGNATURA: TEORIA DE LOS MEDIOS Y DE LA COMUNICACION
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 2 HS
Esta asignatura tiene como fundamento, analizar la
importancia que los medios de comunicación ejercen sobre las manifestaciones y
el discurso artístico. Su objetivo es brindar a los alumnos las herramientas
adecuadas para que puedan hacer uso de los medios de la comunicación como
herramienta para la producción artística, como así poder interpretar los
heterogéneos discursos artísticos que circulan por la sociedad, a partir de la
utilización de los diferentes dispositivos mediáticos. Se aspira a que el
alumno conceptualice las transposiciones genéricas y estilísticas que promueve
el uso de un medio de comunicación en el hacer, el mostrar o el hablar sobre
las artes.Se atiende al desarrollo de las instancias
de producción y expectación partiendo de diferentes tipos de expresiones como
la fotografía, el cine, el video, los blogs, la web, la gráfica, la TV,
etcétera. Se analiza la influencia y el aporte de los medios de comunicación en
el arte a partir de la posguerra en las 2° vanguardias artísticas. Se trabajan
los componentes y las funciones de la comunicación (Roman
Jacobson), como también su predominio en la sociedad de masas, los diferentes
dispositivos de los medios de comunicación según su naturaleza y los mass-media como origen de obras artísticas. Se desarrollan
contenidos referidos a las relaciones de temporalidad entre los medios y la
imagen, los diferentes códigos de lectura según los dispositivos y las transposiciones
de la imagen en los diversos medios. Se establecen nodos de conexión entre los
contenidos de la asignatura, con otras disciplinas que atienden la problemática
de los medios de comunicación en función del Arte, de la obra y de su discurso.
REGIMEN: anual – 2 hs.
Esta asignatura da a conocer a los estudiantes las
diversas teorías del color que se han planteado a través del tiempo, basadas en
los aportes científicos principalmente de la psicología y la física. Se
desarrollan distintas formas de ordenamiento del color, desde los más antiguos
hasta las actuales., el conocimiento de estos sistemas proporciona los alumnos
una nueva visión de la naturaleza y del arte. La asignatura está orientada a
desarrollar en los alumnos el estudio objetivo y experimentado de las
propiedades, fundamentos y posibilidades del color, sentando las bases integrar
el fenómeno cromático como recurso básico interdisciplinar; para ponerla al
servicio tanto de la pintura, el diseño, las realizaciones tridimensionales, la
fotografía, el grabado y la comunicación audiovisual.
Los alumnos deben desarrollar habilidad práctica a
través de la experiencia, de forma simultánea o interrelacionada con la
comprensión teórica de las dimensiones del color. Los conocimientos adquiridos
se vuelcan en trabajos prácticos, en los que se evidencian los sistemas de
color estudiados. Se desarrollan, entre otros, los sistemas de Newton, Moses Harris, Goethe, Lambert,
Otto Runge, Itten, Herald Küppers, Chevreul, Ostwald, Munsell, CIE (Commission Internationale de l’Éclairage),
Pope, Villalobos-Domínguez, Johansson, Hickethier, Gerritsen, Kúppers, Sistema
Natural de los Colores (NCS Natural Color System), Coloroid (sistema de A. Nemcsics),
etc.
ASIGNATURA: TEORÍAS DE LA IMAGEN
REGIMEN: anual - 2 HS.
Esta asignatura hace hincapié en el análisis de las
imágenes estableciendo la diferenciación que subyace en el abordaje de las
mismas según las teorías que se utilicen. La imagen es concebida como “texto”
contenedor de materia significante a fin de establecer un análisis relacional
de las mismas, mediante cortes sincrónicos y diacrónicos. Se trabaja desde el
abordaje semiótico, iconológico e iconográfico de sus componentes, para arribar
a la interpretación según su naturaleza y su construcción. La semiótica permite
comprender e interpretar la construcción discursiva sobre el Arte y cobra valor
a partir de la segunda década del siglo XX con el surgimiento y desarrollo de
los medios de comunicación y la consideración de todos los fenómenos culturales
como fenómenos de comunicación. Esta asignatura tiene su conexión con
Historiografía del Arte, con Teorías Estéticas e Historia del Arte, brindando a
los alumnos las herramientas necesarias para arribar a nuevas interpretaciones
de las mismas. Asimismo se analizan las diferentes narrativas que sustentan el
discurso del Arte, identificando el carácter legitimador del Arte y de la
obra de los discursos artísticos. Se indaga sobre la diferenciación y los
sentidos que construye una imagen a partir de la decodificación su los signos
plásticos e icónicos.
Se analizan imágenes de diferentes vertientes
discursivas y de lenguajes artísticos, como la imagen gráfica, publicitaria,
televisiva, cinematográfica, digital, pictórica, tridimensional, etc.
registrando lo que se conoce como “campo expandido”. Se abordan los contenidos
a partir del análisis de obras como así también a partir de los hechos
estéticos de la artisticidad cotidiana. También se
desarrolla la discursividad y el abordaje de los
fenómenos artísticos inscriptos como fenómenos de comunicación, los aportes de
la lingüística; los signos y su afectividad, su relación con el objeto.
Se desarrollan contenidos vinculados a la poética y
las figuras retóricas. Se trabaja el plano de expresión y plano de contenido,
lo semántico y lo sintáctico, las relaciones sintagmáticas y paradigmáticas; el
signo plástico y el signo icónico. Se amplía el sentido semántico de las
imágenes, abordando la intertextualidad y metatextualidad
en las Artes y en el discurso artístico.
ASIGNATURA: METODOLOGÍA DE LA INVESTIGACIÓN
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 2HS.
Esta asignatura permite a los alumnos conocer
instrumentos para iniciarse en el proceso de investigación intelectual,
científica y artística. Comprende el estudio integral del proceso de
investigación, el conocimiento de los métodos modernos y el acercamiento a la
epistemología.
Se trabaja en el análisis del proceso de investigación
en sus distintas instancias y se aborda racionalmente la visión del objeto de
estudio empleando métodos y técnicas apropiados para cada caso. Se define el
problema a estudiar, se elabora el plan de investigación, considerando la
recolección de datos mediante técnicas de probada eficacia y el procesamiento
de los mismos.
Esta asignatura centra su atención en la formación de
los alumnos en el ámbito de la investigación, la que está orientada desde tres
instancias:
• La investigación teórica dentro del campo del
discurso artístico; en cuanto a su metodología, formato, presentación,
circunscripción a la temática y la elaboración del texto.
• Análisis de la investigación y metodología de la
investigación del quehacer artístico, referido a la exploratoria de la
instancia artística.
• Investigación didáctico- artística; en tanto docente
investigador de recursos de transposición adecuados.
Se establecen vinculaciones entre estas instancias,
pues una complementa a la otra desde la formación artística teórico práctica y
docente y por tal motivo es que esta asignatura aplica para su desarrollo un
trabajo de entramado conectivo. Se trabaja el método sistemático como
herramienta de trabajo en investigación y las distintas etapas de la
investigación: etapa heurística, hermenéutica, de Síntesis, de Exposición: y
los momentos dentro de cada etapa. Se analiza la objetividad en la
investigación; así como el cotejo y elección de las teorías y discursos que
sustenten la investigación y la fundamentación de su elección.
Se aborda la noción de exploratoria en la
investigación sobre el campo del hacer, los componentes del árbol de proyección
y las características que adopta la investigación en el quehacer artístico.
ASIGNATURA: MATERIALES Y PROCEDIMIENTOS
REGIMEN: Anual – 3hs.
En esta asignatura se estudia teórica y prácticamente
las operaciones y procesos y las condiciones para el proyecto y la ejecución de
la forma artística. El estudio metódico de materiales, procedimientos y
técnicas y de sus relaciones, conlleva los procedimientos de investigación y la
sistematización propios de las disciplinas científicas que aportan los
fundamentos necesarios para un conocimiento racional de los mismos.
Un enfoque multidisciplinario permite abordar la
asignatura de manera integral, analizando las vinculaciones de los distintos
materiales y procedimientos del arte con la historia de la tecnología y de la
ciencia, y con las relaciones de producción de las distintas sociedades
históricas en las que han surgido, se han desarrollado y han desaparecido o han
sido superados.
Se abordan tanto los materiales, medios y técnicas
tradicionales como el panorama de la experimentación y de las propuestas
contemporáneas, siendo objeto de estudio y base para la investigación de nuevas
posibilidades. Asimismo se analizarán procedimientos técnicos de grandes
artistas. La materia desarrolla algunas consideraciones sumarias acerca de los
distintos problemas de restauración y conservación, para comprender le cuidado del patrimonio artístico.
Se trabaja con una metodología anclada en la práctica
y en los resultados de la investigación científica. Se incorporan hábitos para
la protección de la salud.
7.5 Descripción de
los espacios curriculares del CAMPO DE LA FORMACIÓN PARA LA PRÁCTICA
PROFESIONAL
7.5.1 Espacios curriculares del campo de la formación para
la práctica profesional comunes a todos los Profesorados de Música con
Orientación en Instrumento (Guitarra, Piano, Percusión, Flauta Traversa,
Violín, Viola, Violonchelo, Contrabajo, Clarinete, Trompeta, Trombón,
Bandoneón), Canto y Educación Musical
El campo de la práctica tiene la característica de ser
un espacio de formación que articula conocimientos y saberes provenientes de
los otros campos (formación general y específica) al tiempo que se adquieren
conocimientos y saberes específicos del propio campo.
Se compone de distintas instancias formativas, cada
una de ellas con un objeto de estudio y propósito de enseñanza. Este campo es
fundamental como espacio de preparación de los futuros docentes para la
práctica educativa en tanto da oportunidades para desnaturalizar y someter a
análisis los componentes estructurales de las prácticas en tanto se las
convierte primeramente en objeto de análisis y posteriormente de intervención.
Este es un camino que permite evitar la reproducción acrítica de modelos y
estrategias de enseñanza en el ámbito escolar. El análisis de las prácticas y
la reflexión sobre ellas se realizan a partir de herramientas teóricas que
hacen más inteligible la realidad educativa.
La realización de trabajos de campo a través del
recorrido de la práctica, son instancias que desarrollan capacidades para
observar, entrevistar, escuchar, documentar, relatar, recoger y sistematizar
información, reconocer y comprender las diferencias, ejercitar el análisis,
trabajar en equipos y elaborar informes. A su vez se proponen trabajos de
participación progresiva en la práctica docente en las escuelas y en el aula.
Desde experiencias de observación participativa, pasando por prácticas de
enseñanza de contenidos curriculares delimitados, hasta la residencia docente
con proyectos de enseñanza extendidos en el tiempo. Los docentes a cargo de los
espacios de la práctica deberán garantizar la cantidad y diversidad de
observaciones e intervenciones en las escuelas, de manera tal que cada
estudiante acumule una experiencia significativa que le facilite el trabajo en
su último tramo de formación, al encarar la residencia docente.
TALLER:
PROYECTO DE PRÁCTICA I: LA ESCUELA COMO OBJETO DE ESTUDIO.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 1ºAÑO
Este primer espacio inicia, en forma gradual, un
trabajo sistemático de indagación acerca de las prácticas docentes. Se propone
que al inicio de la práctica profesional se anticipe el sentido global del
campo al tiempo que se distingan los sentidos otorgados a cada tramo.
En este espacio se brinda a los alumnos los rudimentos
metodológicos necesarios para la construcción de la “empírea” a partir de la
cual registrar la cotidianeidad de lo educativo; estas herramientas están
articuladas a un “objeto” ligado con un “propósito” de indagación.
Una cuestión muy relevante a desarrollar es la
desnaturalización de la mirada sobre la escuela que se apoya en la idea de
ofrecerles a los futuros docentes oportunidades para describir, analizar e
interpretar los componentes estructurales de las prácticas escolares,
convertirlos en objetos de análisis y no sólo de intervención con la idea de
evitar que se reproduzcan modelos en forma no crítica.
En este espacio se abordarán las categorías teóricas
sobre lo institucional en relación con:
1) aspectos organizacionales de las instituciones
educativas: normas, pautas, prescripciones, división del trabajo,
establecimiento de jerarquías y delimitación de planos de autoridad;
2) la micropolítica institucional,
poder, conflicto, negociación, intereses. Se abordan las instituciones
educativas en tanto formaciones culturales, desde sus aspectos simbólicos,
valores y creencias, que conforman perspectivas particulares del mundo. Abordar
las particularidades de la escuela, exige al estudiante el desarrollo de
ciertas competencias y el manejo de herramientas particulares. Por tal motivo,
se trabaja el uso de diversos instrumentos para la recolección y organización
de la información empírica, tales como la observación y la entrevista. Ambos se
sistematizan desde la perspectiva etnográfica y de la metodología de la
investigación.
Los momentos del proceso de observación, los diversos
modos de registro durante las observaciones, su comunicabilidad y análisis son
cuestiones centrales a abordar en este espacio. Por otra parte, se trabajan las
entrevistas en los distintos momentos (desde su preparación hasta su desarrollo
y análisis) atendiendo a la adecuada elección de colaboradores claves y a la
ética en la instrumentación de estas herramientas.
Orientaciones para el trabajo:
• A través de estudios de casos y trabajos de campo en
las escuelas y la comunidad, los estudiantes obtendrán información primaria
(observaciones y/o entrevistas con técnicas de registro) que se complementa
luego con información secundaria (análisis documental, búsqueda bibliográfica).
Con la elaboración de indicadores simples, cuadros comparativos y otros
instrumentos de análisis, estarán en condiciones de interpretar las
producciones simbólicas y las concepciones centrales de las instituciones
educativas.
• Se sugiere que los estudiantes realicen, a lo largo
de la cursada, un trabajo de campo donde desarrollen observaciones que
focalicen en lo institucional, si bien se plantea que incluya, entre otras
cosas, la observación de una clase de su lenguaje artístico, un acto escolar
y/o una muestra (ej: Semana de las Artes). A su vez
plantea el desarrollo de entrevistas con informantes claves.
• En esta instancia se propone la elaboración de un
informe escrito donde se incluyen los datos generales recabados en la escuela,
la descripción de cada una de las observaciones y entrevistas realizadas, y un
análisis reflexivo de la institución –ajustándose a los objetivos planteados
previamente y a la luz de bibliografía trabajada-.
TALLER:
PROYECTO DE PRÁCTICA II: EL ROL Y EL TRABAJO DOCENTE
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 1º AÑO
Este taller acerca a los estudiantes al estudio y a la
reflexión de distintas temáticas vinculadas con el trabajo, la profesión, el
rol y la posición docente. En este espacio se busca crear conciencia del
alcance y la responsabilidad social de la docencia en tanto profesión,
intentando profundizar en el análisis del rol y función del docente de Artes.
Se propone el desarrollo de un enfoque que propicia la
formación de docentes capaces de analizar y reflexionar sobre los aprendizajes
tácitos incorporados durante su autobiografía escolar. Por ello, se fomenta la
revisión de una parte del trayecto de formación de los alumnos entendido como
un proceso que se inicia mucho antes del ingreso a la institución formadora, y
en el que se pueden identificar diferentes momentos o etapas de impacto, que
conforman esta autobiografía escolar (producto de complejas internalizaciones
realizadas en la vida de alumno), la etapa de preparación formal
institucionalizada de la formación docente, la socialización profesional y la
formación docente continua.
Este espacio encara la deconstrucción y reconstrucción
del rol docente, desde:
a) El análisis de las características de la tarea
docente desde el punto de vista de la realización de una práctica profesional,
de un trabajo; sus problemáticas laborales, las condiciones de trabajo, el
papel dentro del sistema educativo, etc. Aquí es fundamental considerar al
docente como un trabajador y tener en cuenta las condiciones de salud laboral
del docente.
b) El análisis de la constitución de la identidad
docente, desde la conformación de un habitus y desde
los procesos de socialización e internalización de un determinado modelo de
actuar / pensar / sentir docente. A partir de las nociones de campo profesional
y de habitus se entienden las tradiciones y
tendencias en la formación de docentes, así como su presencia en las prácticas
actuales. Así, se aborda la conformación histórica de la tarea docente, con
especial referencia a las tradiciones argentinas y latinoamericanas.
c) La deconstrucción del rol desde la propia biografía
escolar. Se espera que el futuro profesor sea un profesional autónomo, que
piensa sobre la praxis cotidiana (para comprender la complejidad de los
procesos de enseñanza – aprendizaje) que conoce, evalúa e interviene en el
contexto en el que la acción se desarrolla. Así, se tornan nodales la reflexión
sobre la contribución del docente al sentido público de la escuela, y la
incidencia del trabajo docente en la construcción de la ciudadanía.
En esta asignatura la relación pedagógica que
involucra a docentes y a alumnos se analiza teniendo en cuenta el aspecto
vincular y relacional (el encuentro entre docente y alumnos, el significado de
la transmisión intergeneracional y el perfil de los
niños y adolescentes) y cómo esto contribuye al rol. En este sentido, este
espacio curricular está pensado como una herramienta o conjunto de herramientas
e instrumentos para que cada uno pueda pensarse a sí mismo como profesional
docente.
Orientaciones para el trabajo:
• A lo largo de la cursada, los estudiantes realizan
observaciones y entrevistas a docentes de Artes a cargo en las escuelas
visitadas, y a los alumnosii El trabajo sobre la
entrevista se prepara en forma grupal con el docente en el profesorado,
propiciando que -a través de las preguntas- se profundice en aspectos
vinculados con el rol docente, la historia profesional, la trayectoria escolar;
es decir, orientada a la biografía profesional docente. Los temas abordados
desde bibliografía específica, permitirá que los estudiantes elaboren un
trabajo final que incluya las entrevistas realizadas, y un análisis crítico de
las mismas sustentado desde un sólido marco teórico.
• Por otra parte, se trabaja el dispositivo de la
autobiografía escolar. Se propone un trabajo de escritura sobre la
autobiografía escolar de los futuros docentes para ponerla en diálogo con los
contenidos abordados en este espacio en pos de la reflexión sobre el rol
docente.
TALLER:
PROYECTO DE PRÁCTICA III: EL DISEÑO Y LA PROGRAMACIÓN DE LA ENSEÑANZA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 2º AÑO
En este espacio curricular se trabaja sobre el
análisis y diseño de programaciones de enseñanza. Planificar, programar,
gestionar, proyectar, diseñar son términos que hacen referencia a la
intencionalidad de organizar en el tiempo las acciones educativas, ya sea en el
sistema educativo, en una institución, en el aula. Se entiende a la
programación de la enseñanza como una hipótesis de trabajo que organiza las
ideas, los pensamientos y las imágenes del profesor. La programación no
finaliza en el trabajo que el docente realiza previamente al desarrollo de su
tarea con los alumnos, se completa cuando se han introducido todos los cambios
que la práctica de la enseñanza impone. En este espacio se abordan diferentes
modos de concebir la naturaleza del proceso de programación, sus alcances y su
valor para el mejoramiento de la enseñanza. Se diferencian dos enfoques
predominantes: el enfoque sistemático, racional o técnico y el enfoque
procesual o práctico. Aquí se trabajan los aportes y limitaciones de cada
enfoque, la definición de los componentes de la programación, su perspectiva
sobre las maneras de construir las intenciones educativas. También se
establecen las relaciones entre objetivos, propósitos, contenidos, estrategias
de enseñanza y actividades, así como los problemas y criterios en torno al
diseño de estrategias de enseñanza.
El Diseño Curriculariii es
un documento de consulta permanente al igual que el proyecto curricular
institucional como marco para la programación de la enseñanza. El conocimiento
de documentos curriculares vigentes (enfatizando el análisis de marcos
conceptuales generales y enfoques) y su confrontación con documentación
elaborada por docentes (programas, planificaciones) permite realizar un
análisis de contenidos y la secuenciación de los mismos. Este análisis
posibilita observar la correspondencia de la base teórica adquirida con la
intencionalidad pedagógica de los diversos niveles de concreción de los
documentos curriculares.
En este espacio curricular se plantea la necesidad de
analizar la operación de recontextualización que se
realiza sobre el contenido. El contenido producido en contextos especializados
en la producción (centros de investigación, medios académicos o cualquier
institución que desarrolle saberes especializados en el ámbito de las ciencias,
las artes o la producción cultural en general) es adecuado para su circulación
en contextos especializados en la transmisión. Es inevitable que los
conocimientos científicos, técnicos y profesionales sufran modificaciones en
las sucesivas operaciones de traducción o de recontextualización.
Particularmente en el abordaje de los contenidos se
vuelve relevante la reflexión sobre la distinción entre conocimiento musical y
el conocimiento acerca de la música, ambos ejes organizadores del objeto a
enseñar. En esta asignatura se trabajan criterios para el reconocimiento de los
distintos niveles de dificultad y finalidad de las propuestas de producción y
apreciación musical que se realizan en el ámbito escolar.
Orientaciones para el trabajo:
• Se propone el dispositivo de prácticas simuladas.
Dichas prácticas generan un espacio que, a modo de laboratorio o simulador,
permite poner en acto una propuesta de enseñanza sin las demandas y presiones
de la realidad. En estas situaciones surgirán decisiones basadas en
preconceptos y concepciones implícitas, así como también creencias explícitas
generadas a partir del trabajo con la teoría. El análisis de esas decisiones y
sus fundamentos constituye una fuente importante de aprendizaje para los participantes.
Así estas prácticas plantean tanto la enseñanza preactiva
en la que se diseña la clase que se va a desarrollar; la enseñanza interactiva,
que es el momento de la interacción con los alumnos, y, por último, la
enseñanza postactiva, que se centra en un análisis y
reflexión sobre lo ocurrido en clase y en la fase del diseño.
• Se espera que los alumnos narren la experiencia de
la puesta en escena de las primeras prácticas simuladas, y establezcan vínculos
y relaciones con sus relatos biográficos realizados en la asignatura de Rol y
trabajo docente.
• Se propone la realización de observaciones y
entrevistas a docentes. El foco de ambas es la comprensión del proceso de
programación y la puesta en acción de la hipótesis de trabajo.
• También se pone énfasis en la elaboración y
recolección de materiales musicales y las derivaciones didácticas para luego
tener un amplio repertorio de canciones, juegos, obras grabadas, recursos
literarios a partir de los cuales poner en juego secuencias didácticas.
TALLER:
PROYECTO DE PRÁCTICA IV: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La enseñanza
artística según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 2º AÑO
En este espacio se abordan diversos contextos en los
que se desarrollan prácticas docentes particularizando sobre:
a) la diversidad socioeconómica y cultural de la
comunidad escolar como elementos centrales en la comprensión y la producción de
proyectos pedagógicos,
b) la diversidad de modalidades pedagógicas y de
ofertas de la educación en la Ciudad y en el país, según diferentes criterios
de clasificación: escuelas domiciliarias, hospitalarias, carcelarias; escuelas
comunes y de educación especial; urbanas y rurales; formales y no formales; de
jornada simple y de jornada completa; etcétera,
c) diversidad de contextos de realización de lo
educativo que no se limitan a lo escolar: sociedades de fomento, centros
culturales, etc.
A su vez, se propone profundizar la identificación de las
singularidades de los niños y adolescentes, sujetos de la educación, (desde lo
cognitivo, socio-cultural, identitario), en los
diversos contextos de realización de lo educativo. Se propone la revisión y
reflexión en torno de las ideas rectoras que definieron las políticas
educativas y sustentaron los lineamientos curriculares de las últimas décadas:
educación para la inclusión, para la integración de las diferencias, la equidad
social, la diversidad cultural, entre otras.
En este espacio los futuros docentes transitan
experiencias tutoriadas de intervención docente en
forma gradual en distintos contextos, que a su vez están complementadas con
ateneos de reflexión que permiten la reconstrucción de dichas prácticas y su
análisis posterior.
Los alumnos programan propuestas de enseñanza
incluidas en proyectos más abarcativos, que
posibiliten distribuir y agrupar contenidos de distintos ejes a lo largo de
períodos más extensos (aunque no se concreten en el campo). Es decir trayectos
que den lugar a secuencias didácticas de complejidad y dificultad creciente.
Orientaciones para el trabajo
• Se propone que los estudiantes realicen
observaciones en clases de música de dos niveles y/o modalidades educativas,
diseñen programaciones de una secuencia de clases en forma conjunta con el
docente tutor (responsable de educación musical al frente del grupo), y
desarrollen prácticas breves de enseñanza.
• En la elaboración de dichas actividades, se tienen
en cuenta los lineamientos curriculares, y se establecen relaciones entre
éstos, los planes de clase, y, en el caso del nivel primario, los NAP de
validez nacional.
• Se sugiere que cada estudiante cumplimente, además,
observaciones en escuelas de Educación Especial. Se espera que en dichas
observaciones reconozcan las particularidades de la enseñanza musical dentro de
estas escuelas, considerando los puntos de coincidencia y diferencia entre la
formación profesional de los profesores de música y la de los musicoterapeutas que en general se hacen cargo del espacio
de la enseñanza musical en estas instituciones.
• A su vez, analizan proyectos educativos
institucionales para atender a la integración de problemáticas de diversa
naturaleza (por ejemplo la atención de niños con capacidades diferentes) y la
articulación con otras áreas del sistema educativo y de la comunidad.
• Se continúa con la elaboración y recolección de
materiales musicales y sus derivaciones didácticas. Esta actividad se mantiene
a lo largo de los diversos espacios de la práctica, con el objeto de enriquecer
paulatinamente la cantidad de materiales específicos a partir de los cuales
poner en juego las secuencias didácticas a futuro.
• Otro dispositivo que se sugiere instalar es el
ateneo, concebido como un tiempo y espacio para compartir las experiencias, y
realizar un análisis crítico de los resultados obtenidos, a fin de generar en
forma colectiva estrategias en algún sentido superadoras de las dificultades
detectadas.
TALLER:
PROYECTO DE PRÁCTICA V: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La enseñanza
artística según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: ANUAL – 6 HS. SEMANALES 3º AÑO
La residencia constituye el período de profundización
e integración del recorrido formativo realizado hasta el momento y ubica al futuro
docente de música con la práctica profesional docente, en forma intensiva y
sistemática, en los contextos reales en los que se desarrolla el trabajo
docente. A su vez, la residencia se articula con espacios de reflexión que
permiten la reconstrucción crítica de la experiencia, individual y colectiva.
En este espacio, confluyen de manera contundente los
saberes adquiridos en las asignaturas cursadas hasta el momento (del campo
específico y del campo de la práctica profesional), al ponerse en juego en la
elaboración, programación y desarrollo de acciones concretas en las escuelas.
El docente orientador, en esta instancia acompaña y guía el proceso de
elaboración, y ocupa el lugar de tutor (práctico experto) en el momento de la
intervención pedagógica. Los contenidos y actividades se orientan hacia la
elaboración de planificaciones de clases y de unidad, y la consulta de
documentos curriculares y documentos de apoyo existentes para dicha
elaboración, atendiendo también a la normativa vigente.
El aporte de la Didáctica de la Música, permite a los
estudiantes capitalizar los conocimientos adquiridos en torno a los aspectos
metodológicos específicos, tales como el reconocimiento de criterios estéticos,
socioculturales, históricos, políticos y pedagógicos que subyacen en las
distintas propuestas metodológicas tradicionales. También se incluyen los
enfoques más actuales que se están trabajando en torno a la enseñanza de las
Artes.
Se sugiere enfatizar el estudio de cuestiones
vinculadas con la dinámica de grupo, de manera que los estudiantes adquieran
capacidades para diseñar estrategias y modalidades de trabajo cooperativo y
estén en condiciones de poner en juego técnicas de coordinación e interacción
grupal. Los futuros docentes deben abordar cada grupo / clase de acuerdo a las
necesidades detectadas. Del mismo modo, se atiende a la evaluación como
dimensión didáctica. Se analizan
los diversos tipos de evaluación estudiando su pertinencia y eficacia. Se
elaboran instrumentos y estrategias que respondan a criterios definidos en
relación con los objetivos planificados para cada clase.
Orientaciones para el trabajo
• La elaboración y recolección de materiales musicales
se continúa, buscando algún modo de organización de dichos materiales, de
manera tal que se facilite la selección de recursos en el momento de definir
una actividad y/o una secuencia didáctica. Para la elaboración de los recursos
los estudiantes ponen en diálogo conocimientos adquiridos en todas las
asignaturas de la formación específica, con los saberes propios del campo de la
didáctica y la práctica pedagógica.
• Se sugiere que durante el primer cuatrimestre, los
estudiantes realicen observaciones y prácticas acotadas; y en el segundo cuatrimestre,
observen dos grupos: uno de nivel inicial y otro de nivel primario (de primer
ciclo) donde luego desarrollarán un período prolongado de clases. La
elaboración de los planes es tarea del residente, con la supervisión del
docente orientador, el
titular del espacio y el profesor de Didáctica de la Música, quienes trabajan
como un equipo de apoyo a los estudiantes.
• También se sugiere continuar con el dispositivo del
ateneo, habilitando un espacio para la revisión crítica de las prácticas.
• La evaluación por portafolios puede complementar el
trabajo durante la cursada, ofreciendo al estudiante una instancia más de
reflexión personal sobre el recorrido realizado.
TALLER:
PROYECTO DE PRÁCTICA VI: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La enseñanza
artística según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: ANUAL – 6 HS. SEMANALES 4º AÑO
En este último espacio curricular se integran todos
los conocimientos relativos a la praxis pedagógica adquiridos a lo largo de los
años anteriores en los proyectos de práctica. Esto significa que todas las
acciones tendientes a la consolidación del perfil profesional del futuro
docente incluirán análisis y elaboraciones de: planificaciones, criterios
e instrumentos de evaluación, desarrollo de actividades y materiales didácticos
teniendo en cuenta las prescripciones de los diseños curriculares
correspondientes a cada nivel en el que desarrollen su práctica.
Esta carrera docente habilita a sus egresados a
ejercer la docencia en los distintos niveles de la escolaridad: inicial,
primario y secundario. Por lo tanto, las observaciones, prácticas y residencia
deben cubrir todo el espectro. Para ello, se sugiere que los estudiantes,
durante el primer cuatrimestre, realicen observaciones y prácticas en nivel
medio. Los planes, elaborados por el residente, son supervisados por el docente
guía, y el titular del espacio de la práctica. En forma paralela, durante el
primer cuatrimestre se realizan observaciones en otro nivel educativo, y se
elaboran las planificaciones para hacerse cargo de un grupo durante el segundo
cuatrimestre de cursada. La residencia final es una práctica integral en aula y
debe abarcar un mínimo de un bimestre si se realiza en nivel inicial o
primario, o un trimestre si se efectiviza en el nivel medio.
El cúmulo de materiales musicales seleccionados
(repertorio de música para la audición, la producción instrumental y canciones)
y recursos didácticos elaborados en los espacios de la práctica cursados hasta
el momento facilitan la selección de los mismos en función de las necesidades
del proyecto de residencia que se elabore.
Orientaciones para el trabajo
• Al completar el período de residencia, cada
estudiante realiza una entrega final de memoria profesional, que cierra el
portfolio correspondiente a la Evaluación del desempeño docente.
• Durante el segundo cuatrimestre, los encuentros en
la sede del profesorado se utilizan para realizar presentaciones, intercambios,
exposiciones, y ateneos. De este modo, se enriquece la experiencia personal de
cada residente compartiendo y debatiendo las experiencias con sus pares. El
intercambio a realizar incluye la socialización de los recursos didácticos y
materiales musicales coleccionados, con un análisis crítico en relación con la
eficacia detectada al utilizarlos en las experiencias de clase durante la
residencia.
• Durante el tránsito por la residencia se sugiere el
trabajo con el dispositivo de diarios de formación, el portafolios, los diarios
de ruta, el registro de material visual (fotográfico, video).
7.5.2 Espacios curriculares del campo de la formación para la práctica
`profesional comunes a los Profesorado de Arte Cerámico, Artes Visuales y Artes
Visuales con orientación (en Dibujo, o en Pintura, o en Escultura o en Grabado)
El campo de la práctica tiene la característica de ser
un espacio de formación que articula conocimientos y saberes provenientes de
los otros campos (formación general y específica) al tiempo que se adquieren
conocimientos y saberes específicos del propio campo.
Se compone de distintas instancias formativas, cada
una de ellas con un objeto de estudio y propósito de enseñanza. Este campo es
fundamental como espacio de preparación de los futuros docentes para la práctica
educativa en tanto da oportunidades para desnaturalizar y someter a análisis
los componentes estructurales de las prácticas en tanto se las convierte
primeramente en objeto de análisis y posteriormente de intervención. Este es un
camino que permite evitar la reproducción acrítica de modelos y estrategias de
enseñanza en el ámbito escolar. El análisis de las prácticas y la reflexión
sobre ellas se realizan a partir de herramientas teóricas que hacen más
inteligible la realidad educativa. La realización de trabajos de campo a través
del recorrido de la práctica, son instancias que desarrollan capacidades para
observar, entrevistar, escuchar, documentar, relatar, recoger y sistematizar
información, reconocer y comprender las diferencias, ejercitar el análisis,
trabajar en equipos y elaborar informes. Todos estos dispositivos posibilitan
realizar un análisis de la presencia y modalidades de enseñanza de las Artes
Visuales en los distintos niveles educativos de nuestra Ciudad. A su vez se
proponen trabajos de participación progresiva en la práctica docente en las
escuelas y en el aula. Desde experiencias de observación participativa, pasando
por prácticas de enseñanza de contenidos curriculares delimitados, hasta la
residencia docente con proyectos de enseñanza extendidos en el tiempo.
Los docentes a cargo de los espacios de la práctica
deberán garantizar la cantidad y diversidad de observaciones e intervenciones
en las escuelas, de manera tal que cada estudiante acumule una experiencia significativa
que le facilite el trabajo en su último tramo de formación, al encarar la
residencia docente.
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA I: LA ESCUELA COMO OBJETO DE ESTUDIO.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 1ºAÑO
Este primer espacio inicia, en forma gradual, un
trabajo sistemático de indagación acerca de las prácticas docentes. Se propone
que al inicio de la práctica profesional se anticipe el sentido global del
campo al tiempo que se distingan los sentidos otorgados a cada tramo.
En este espacio se brinda a los alumnos los rudimentos
metoológicos necesarios para la construcción de la
“empírea” a partir de la cual registrar la cotidianeidad de lo educativo; estas
herramientas están articuladas a un “objeto” ligado con un “propósito” de
indagación.
Una cuestión muy relevante a desarrollar es la
desnaturalización de la mirada sobre la escuela que se apoya en la idea de
ofrecerles a los futuros docentes oportunidades para describir, analizar e
interpretar los componentes estructurales de las prácticas escolares,
convertirlos en objetos de análisis y no sólo de intervención con la idea de
evitar que se reproduzcan modelos en forma no crítica. Se pondrá la mirada,
centralmente, en el espacio que ocupan las Artes Visuales desde una perspectiva
institucional (tipo de presencia en el Proyecto Institucional, participación en
reuniones
de padres, etcétera). En este espacio se abordarán las categorías teóricas
sobre lo institucional en relación con:
1) aspectos organizacionales de las instituciones
educativas: normas, pautas, prescripciones, división del trabajo,
establecimiento de jerarquías y delimitación de planos de autoridad;
2) la micropolítica
institucional, poder, conflicto, negociación, intereses. Se abordan las instituciones
educativas en tanto formaciones culturales, desde sus aspectos simbólicos,
valores y creencias, que conforman perspectivas particulares del mundo. Abordar
las particularidades de la escuela, exige al estudiante el desarrollo de
ciertas competencias y el manejo de herramientas particulares. Por tal motivo,
se trabaja el uso de diversos instrumentos para la recolección y organización
de la información empírica, tales como la observación y la entrevista. Ambos se
sistematizan desde la perspectiva etnográfica y de la metodología de la
investigación. Los momentos del proceso de observación, los diversos modos de
registro durante las observaciones, su comunicabilidad y análisis son
cuestiones centrales a abordar en este espacio. Por otra parte, se trabajan las
entrevistas en los distintos momentos (desde su preparación hasta su desarrollo
y análisis) atendiendo a la adecuada elección de colaboradores claves y a la
ética en la instrumentación de estas herramientas.
Orientaciones para el trabajo:
• A través de estudios de casos y trabajos de campo en
las escuelas y la comunidad, los estudiantes obtendrán información primaria
(observaciones y/o entrevistas con técnicas de registro) que se complementa
luego con información secundaria (análisis documental, búsqueda bibliográfica).
Con la elaboración de indicadores simples, cuadros comparativos y otros
instrumentos de análisis, estarán en condiciones de interpretar las
producciones simbólicas y las concepciones centrales de las instituciones
educativas.
• Se sugiere que los estudiantes realicen, a lo largo
de la cursada, un trabajo de campo donde desarrollen observaciones que
focalicen en lo institucional, si bien se plantea que incluya, entre otras
cosas, la observación de una clase de su lenguaje artístico, un acto escolar
y/o una muestra (ej: Semana de las Artes), se
observen y analicen carteleras de plástica dentro y fuera de las aulas, se
analice y observe la iconografía escolar, etcétera. A su vez plantea el
desarrollo de entrevistas con informantes claves.
• En esta instancia se propone la elaboración de un
informe escrito donde se incluyen los datos generales recabados en la escuela,
la descripción de cada una de las observaciones y entrevistas realizadas, y un
análisis reflexivo de la institución y del espacio que tiene la enseñanza de
las Artes Visuales – ajustándose a los objetivos planteados previamente y a la
luz de bibliografía trabajada-
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA II: EL ROL Y EL TRABAJO DOCENTE
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 1º AÑO
Este taller acerca a los estudiantes al estudio y a la
reflexión de distintas temáticas vinculadas con el trabajo, la profesión, el
rol y la posición docente. En este espacio se busca crear conciencia del
alcance y la responsabilidad social de la docencia en tanto profesión,
intentando profundizar en el análisis del rol y función del docente de Artes
Visuales dentro del aula y en su inserción institucional.
Se propone el desarrollo de un enfoque que propicia la
formación de docentes capaces de analizar y reflexionar sobre los aprendizajes
implícitos incorporados durante su biografía escolar. Por ello, se fomenta la
revisión de una parte del trayecto de formación de los alumnos entendido como
un proceso que se inicia mucho antes del ingreso a la institución formadora, y
en el que se pueden identificar diferentes momentos o etapas de impacto, que
conforman esta autobiografía escolar (producto de complejas internalizaciones
realizadas en la vida de alumno), la etapa de preparación formal
institucionalizada de la formación docente, la socialización profesional y la
formación docente continua. Este espacio encara la deconstrucción y
reconstrucción del rol docente, desde:
a) El análisis de las características de la tarea
docente de artes visuales desde el punto de vista de la realización de una
práctica profesional, de un trabajo; sus problemáticas laborales, las
condiciones de trabajo, el papel dentro del sistema educativo, etc. Aquí es
fundamental considerar al docente como un trabajador y tener en cuenta las
condiciones de salud laboral del docente.
También se apunta a analizar el lugar del docente de
Artes Visuales como integrante de un equipo de trabajo, analizando los vínculos
con otros pares, los equipos de Conducción y la Supervisión escolar de su
disciplina.
b) El análisis de la constitución de la identidad
docente, desde la conformación de un habitus y desde
los procesos de socialización e internalización de un determinado modelo de
actuar / pensar / sentir docente. A partir de las nociones de campo profesional
y de habitus se entienden las tradiciones y
tendencias en la formación de docentes, así como su presencia en las prácticas
actuales. Así, se aborda la conformación histórica de la tarea docente, con
especial referencia a las tradiciones argentinas y latinoamericanas.
c) La deconstrucción del rol desde la propia biografía
escolar. Se espera que el futuro profesor sea un profesional autónomo, que
piensa sobre la praxis cotidiana (para comprender la complejidad de los
procesos de enseñanza – aprendizaje) que conoce, evalúa e interviene en el
contexto en el que la acción se desarrolla. Así, se tornan nodales la reflexión
sobre la contribución del docente al sentido público de la escuela, y la
incidencia del trabajo docente en la construcción de la ciudadanía.
En esta asignatura la relación pedagógica que
involucra a docentes y a alumnos se analiza teniendo en cuenta el aspecto
vincular y relacional (el encuentro entre docente y alumnos, el significado de
la transmisión intergeneracional y el perfil de los
niños y adolescentes) y cómo esto contribuye al rol. En este sentido, este
espacio curricular está pensado como una herramienta o conjunto de herramientas
e instrumentos para que cada uno pueda pensarse a sí mismo como profesional
docente.
Orientaciones para el trabajo:
• A lo largo de la cursada, los estudiantes realizan
observaciones y entrevistas a docentes de Artes Visuales y a miembros de los
equipos de conducción a cargo en las escuelas visitadas, y a los alumnosiv El trabajo sobre la entrevista se prepara en
forma grupal con el docente en el profesorado, propiciando que -a través de las
preguntas- se profundice en aspectos vinculados con el rol docente, la historia
profesional, la trayectoria escolar; es decir, orientada a la biografía
profesional docente. Los temas abordados desde bibliografía específica,
permitirá que los estudiantes elaboren un trabajo final que incluya las
entrevistas realizadas, y un análisis crítico de las mismas sustentado desde un
sólido marco teórico.
• Por otra parte, se trabaja el dispositivo de la
biografía escolar, diarios de ruta o cuadernos de bitácora, cuadernos de campo,
etc. Se propone un trabajo de escritura sobre la autobiografía escolar de los
futuros docentes para ponerla en diálogo con los contenidos abordados en este
espacio en pos de la reflexión sobre el rol docente.
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA III: EL DISEÑO Y LA PROGRAMACIÓN DE LA
ENSEÑANZA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 2º AÑO
En este espacio curricular se trabaja sobre el
análisis y diseño de programaciones de enseñanza. Planificar, programar,
gestionar, proyectar, diseñar son términos que hacen referencia a la
intencionalidad de seleccionar los contenidos de la enseñanza de las Artes
Visuales que integran las distintas acciones educativas y organizarlas en el
tiempo ya sea en el sistema educativo, en una institución, en el aula. Se
entiende a la programación de la enseñanza como una estructura o esquema
organizador de la tarea de enseñanza. La programación no finaliza en el trabajo
que el docente realiza previamente al desarrollo de su tarea con los alumnos,
se completa cuando se han introducido todos los cambios que la práctica de la
enseñanza impone.
En este espacio se abordan diferentes modos de
concebir la naturaleza del proceso de programación, sus alcances y su valor
para el mejoramiento de la enseñanza. Se diferencian dos enfoques
predominantes: el enfoque sistemático, racional o técnico y el enfoque procesual
o práctico, y se analiza la incidencia que estos dos tipos de enfoque tienen en
la programación específica de Artes Visuales. Aquí se trabajan los aportes y
limitaciones de cada enfoque, la definición de los componentes de la
programación, su perspectiva sobre las maneras de construir las intenciones
educativas. También se establecen las relaciones entre objetivos, propósitos,
contenidos, estrategias de enseñanza y actividades, así como los problemas y
criterios en torno al diseño de estrategias de enseñanza.
El Diseño Curricularv es un
documento de consulta permanente al igual que el proyecto curricular
institucional como marco para la programación de la enseñanza. El conocimiento
de documentos curriculares específicos de Artes Visuales y también los dirigidos
al Área de Artes vigentes (enfatizando el análisis de marcos conceptuales
generales y enfoques) y su confrontación con documentación elaborada por
docentes (programas, planificaciones) permite realizar un análisis de
contenidos y la secuenciación de los mismos. Este análisis posibilita observar
la correspondencia de la base teórica adquirida con la intencionalidad
pedagógica de los diversos niveles de concreción de los documentos
curriculares.
En este espacio curricular se plantea la necesidad de
analizar la operación de recontextualización que se
realiza sobre el contenido. El contenido producido en contextos especializados
en la producción (centros de investigación, medios académicos o cualquier
institución que desarrolle saberes especializados en el ámbito de las ciencias,
las artes o la producción cultural en general) es adecuado para su circulación
en contextos especializados en la transmisión. Es inevitable que los
conocimientos científicos, técnicos y profesionales sufran modificaciones en
las sucesivas operaciones de traducción o de recontextualización.
Se trabajará en la programación de propuestas,
teniendo en cuenta la relevancia de una apropiada selección de contenidos que
articulen los ejes de Producción, Apreciación y Contextualización;(tal como
aparecen en los Diseños Curriculares de la Ciudad de Buenos Aires) como así
también la selección de materiales, la organización de tiempos y espacios y los
diferentes aspectos que deberán estar en concordancia con las actividades y/o
el desarrollo didáctico de proyectos de trabajo para enseñar Artes Visuales en
el aula.
Particularmente en el abordaje de los contenidos se
vuelve relevante para los futuros docentes la distinción entre conocimientos de
las Artes Visuales (Apreciación y Producción) y el conocimiento acerca de las
Artes Visuales (Contextualización), ejes organizadores de los contenidos de la
enseñanza.
Orientaciones para el trabajo:
• Se propone el dispositivo de prácticas simuladas.
Dichas prácticas generan un espacio que, a modo de laboratorio o simulador,
permite poner en acto una propuesta de enseñanza sin las demandas y presiones
de la realidad. En estas situaciones surgirán decisiones basadas en
preconceptos y concepciones implícitas, así como también creencias explícitas
generadas a partir del trabajo con la teoría. El análisis de esas decisiones y
sus fundamentos constituye una fuente importante de aprendizaje para los
participantes. Así estas prácticas plantean tanto la enseñanza preactiva en la que se diseña la clase que se va a desarrollar;
la enseñanza interactiva, que es el momento de la interacción con los alumnos,
y, por último, la enseñanza postactiva, que se centra
en un análisis y reflexión sobre lo ocurrido en clase y en la fase del diseño.
• Se espera que los alumnos narren la experiencia de
la puesta en escena de las primeras prácticas simuladas, y establezcan vínculos
y relaciones con sus relatos biográficos realizados en la asignatura de Rol y
trabajo docente.
• Se propone la realización de observaciones y
entrevistas a docentes y miembros de los equipos de conducción. El foco de
ambas es la comprensión del proceso de programación y la puesta en acción de la
hipótesis de trabajo.
• Se propone también la lectura y análisis de
distintas planificaciones, relacionándolas con las observaciones las prácticas
de enseñanza en el aula. y las definiciones
curriculares para la escuela secundaria.
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA IV: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La
enseñanza artística según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 2º AÑO
En este espacio se abordan diversos contextos en los
que se desarrollan prácticas docentes particularizando sobre:
a) la diversidad socioeconómica y cultural de la
comunidad escolar como elementos centrales en la comprensión y la producción de
proyectos pedagógicos,
b) la diversidad de modalidades pedagógicas y de
ofertas de la educación en la Ciudad y en el país, según diferentes criterios
de clasificación: escuelas domiciliarias, hospitalarias, carcelarias; escuelas
comunes y de educación especial; urbanas y rurales; formales y no formales; de
jornada simple y de jornada completa; etcétera,
c) diversidad de contextos de realización de lo
educativo que no se limitan a lo escolar: sociedades de fomento, centros
culturales, etc. A su vez, se propone profundizar la identificación de las
singularidades de los niños y adolescentes, sujetos de la educación, (desde lo
cognitivo, socio-cultural, identitario), en los
diversos contextos de realización de lo educativo. Se propone la revisión y
reflexión en torno de las ideas rectoras que definieron las políticas
educativas y sustentaron los lineamientos curriculares de las últimas décadas:
educación para la inclusión, para la integración de las diferencias, la equidad
social, la diversidad cultural, entre otras.
En este espacio los futuros docentes transitan
experiencias tutoriadas de intervención docente en
forma gradual en distintos contextos, que a su vez están complementadas con
ateneos de reflexión que permiten la reconstrucción de dichas prácticas y su
análisis posterior.
Los alumnos programan propuestas de enseñanza
incluidas en proyectos más abarcativos, que
posibiliten distribuir y agrupar contenidos de distintos ejes a lo largo de
períodos más extensos (aunque no se concreten en el campo). Es decir trayectos
que den lugar a secuencias didácticas de complejidad y dificultad creciente.
Orientaciones para el trabajo
• Se propone que los estudiantes realicen
observaciones de clases de Educación Plástica de dos niveles y/o modalidades
educativas, diseñen una secuencia didáctica tomando seleccionando contenidos
acordes al Diseño Curricular. Dicha secuencia será supervisada por el docente
tutor y posteriormente se desarrollarán prácticas breves de enseñanza.
• En la elaboración de dichas actividades, se tienen
en cuenta los lineamientos curriculares, y se establecen relaciones entre éstos,
los planes de clase, y, en el caso del nivel primario, los NAP de validez
nacional.
• Se sugiere que cada estudiante cumplimente, además,
observaciones en escuelas de Educación Especial. Se espera que en dichas
observaciones reconozcan las particularidades de la enseñanza de las Artes
Visuales dentro de estas escuelas. En el caso de las escuelas de educación
Especial se analizan los aspectos coincidentes y las diferencias entre la
formación profesional de los profesores de Artes Visuales y la de los terapistas
ocupacionales que, en general, se hacen cargo del espacio de enseñanza en estas
instituciones.
• Se sugiere que cada estudiante cumplimente, además,
observaciones en escuelas que pertenezcan a las diferentes modalidades del
sistema educativo formal como por ejemplo Educación Especial, Educación de
Adultos, Hospitalaria, etcétera. Se espera que en dichas observaciones, futuros
docentes reconozcan los contenidos particulares que intervienen para que se
produzca la enseñanza de las Artes Visuales en esas instancias educativas, se
analicen los aspectos coincidentes y sean detectadas las diferencias existentes
entre la formación con la que cuentan los profesores de Artes Visuales y la que
tienen quienes en muchas circunstancias se encuentran dentro del espacio
curricular a cargo de la enseñanza de la asignatura en, a modo de ejemplo
podemos citar el de los terapistas ocupacionales, entre otros, ocupando ese
rol.
• A su vez, analizan proyectos educativos
institucionales para atender a la integración de problemáticas de diversa
naturaleza (por ejemplo la atención de niños con capacidades diferentes) y la
articulación con otras áreas del sistema educativo y de la comunidad.
• Otro dispositivo que se sugiere instalar es el
ateneo, concebido como un tiempo y espacio para compartir las experiencias, y
realizar un análisis de las prácticas de aula y de los distintos componentes
que han intervenido en las mismas a fin detectar sus aspectos más potentes y
generar en forma colectiva estrategias en algún sentido superadoras de las
dificultades detectadas.
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA V: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La
enseñanza artística según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: ANUAL – 6 HS. SEMANALES 3º AÑO
La residencia constituye el período de profundización
e integración del recorrido formativo realizado hasta el momento y ubica al
futuro docente de Artes Visuales con la práctica profesional docente, en forma
intensiva y sistemática, en los contextos reales en los que se desarrolla el
trabajo docente. A su vez, la residencia se articula con espacios de reflexión
que permiten la reconstrucción crítica de la experiencia, individual y
colectiva.
En este espacio, pensado para la articulación entre la
teoría y la práctica, confluyen de manera contundente los saberes adquiridos en
las asignaturas cursadas hasta el momento (del campo específico y del campo de
la práctica profesional), para ponerse en juego en la elaboración, programación
y desarrollo de acciones concretas en las escuelas.
El docente orientador, en esta instancia acompaña y
guía el proceso de elaboración, y ocupa el lugar de tutor (práctico experto) en
el momento de la intervención pedagógica. Los contenidos y actividades se
orientan hacia la elaboración de planificaciones de clases y secuencias
didácticas Para ello se orienta a la consulta de los documentos curriculares y
documentos de apoyo existentes para la selección de contenidos atendiendo al
enfoque y a la normativa vigente.
El aporte de la didáctica de las Artes Visuales es una
fuente fundamental que permite a los estudiantes capitalizar los conocimientos
adquiridos en torno a los aspectos específicos referidos a los contenidos, al
enfoque de la enseñanza, a la organización de tiempos y espacios, el
reconocimiento de criterios estéticos, socioculturales, históricos, políticos y
pedagógicos que subyacen en las distintas propuestas metodológicas
tradicionales. También se incluyen los enfoques más actuales que se están
trabajando en torno a la enseñanza de las Artes.
Se sugiere enfatizar el estudio de cuestiones
vinculadas con la dinámica de grupo en relación con la enseñanza de las Artes
Visuales, de manera que los estudiantes adquieran capacidades para diseñar
estrategias y modalidades de trabajo cooperativo y estén en condiciones de
poner en juego técnicas de coordinación e interacción grupal. Los futuros
docentes deben abordar cada grupo / clase de acuerdo a las necesidades
detectadas.
Del mismo modo, se atiende a la evaluación como
dimensión didáctica y se analizan los diversos tipos de evaluación estudiando
su pertinencia y eficacia en forma contextualizada. Se elaboran instrumentos y
estrategias de enseñanza y de evaluación que respondan a criterios definidos en
relación con los objetivos planificados para cada clase.
Orientaciones para el trabajo
• Para la elaboración de distintas propuestas y
recursos relacionados con las mismas, los estudiantes ponen en diálogo
conocimientos adquiridos en todas las asignaturas de la formación específica,
con los saberes propios del campo de la didáctica y la práctica pedagógica.
• Se sugiere que durante el primer cuatrimestre, los
estudiantes realicen observaciones y prácticas acotadas; y en el segundo
cuatrimestre, observen dos grupos: uno del 1º ciclo y otro del 2º ciclo nivel
primario donde luego desarrollarán un período prolongado de clases. La
elaboración de los planes es tarea del residente, con la supervisión del
docente tutor, y el profesor de didáctica de las Artes Visuales
, quienes trabajan como un equipo de apoyo a los estudiantes.
• También se sugiere continuar con el dispositivo del
ateneo, habilitando un espacio para la revisión crítica de las prácticas.
• La evaluación será implementada a partir de
instrumentos diversos, tales como el portafolios, los diarios de ruta, el
registro de material visual (fotográfico, video) puede complementar el trabajo
durante la cursada, ofreciendo al estudiante una instancia más de reflexión
personal sobre el recorrido realizado.
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA VI: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La
enseñanza artística según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: ANUAL – 6 HS. SEMANALES 4º AÑO
En este último espacio curricular se integran todos
los conocimientos relativos a la praxis pedagógica adquiridos a lo largo de los
años anteriores en los proyectos de práctica. Esto significa que todas las
acciones tendientes a la consolidación del perfil profesional del futuro
docente incluirán análisis y elaboraciones de: planificaciones, criterios e
instrumentos de evaluación, desarrollo de actividades y materiales didácticos
teniendo en cuenta las prescripciones de los diseños curriculares
correspondientes a cada nivel en el que desarrollen su práctica.
Este tramo se centra en el desarrollo de prácticas
relacionadas con la escuela media. Por lo tanto, las observaciones, prácticas y
residencia deben cubrir todo el espectro. Para ello, se sugiere que los
estudiantes, realicen observaciones y prácticas en escuelas de nivel medio que
tengan distintas orientaciones y características. Los planes, elaborados por el
residente, son supervisados por el docente guía, y el titular del espacio de la
práctica. En forma paralela, durante el primer cuatrimestre se realizan
observaciones en otro nivel educativo, y se elaboran las planificaciones para
hacerse cargo de un grupo durante el segundo cuatrimestre de cursada.
La residencia final es una práctica integral en aula y
debe abarcar un mínimo de un trimestre en el nivel medio y los recursos
didácticos elaborados en los espacios de la práctica cursados hasta el momento
facilitan la selección de los mismos en función de las necesidades del proyecto
de residencia que se elabore.
Orientaciones para el trabajo
• Al completar el período de residencia, cada
estudiante realiza una entrega final de memoria profesional, que cierra el
portfolio correspondiente a la Evaluación del desempeño docente.
• Durante el segundo cuatrimestre, los encuentros en
la sede del profesorado se utilizan para realizar presentaciones, intercambios,
exposiciones, y ateneos. De este modo, se enriquece la experiencia personal de
cada residente compartiendo y debatiendo las experiencias con sus pares. El
intercambio a realizar incluye la socialización de las distintas propuestas de
trabajo, con un análisis crítico en relación con la eficacia detectada al
utilizarlos en las experiencias de clase durante la residencia.
• Durante el tránsito por la residencia se sugiere el
trabajo con el dispositivo de diarios de formación, el portafolios, los diarios
de ruta, el registro de material visual (fotográfico, video).
7.5.3 Espacios
curriculares del campo de la formación para la práctica profesional comunes a
los Profesorado de Danza Clásica y Contemporánea y Danzas Folklóricas y Tango
El campo de la práctica tiene la característica de ser
un espacio de formación que articula conocimientos y saberes provenientes de
los otros campos (formación general y específica) al tiempo que se adquieren
conocimientos y saberes específicos del propio campo.
Se compone de distintas instancias formativas, cada
una de ellas con un objeto de estudio y propósito de enseñanza. Este campo es
fundamental como espacio de preparación de los futuros docentes para la
práctica educativa en tanto da oportunidades para desnaturalizar y someter a
análisis los componentes estructurales de las prácticas en tanto se las
convierte primeramente en objeto de análisis y posteriormente de intervención.
Este es un camino que permite evitar la reproducción acrítica de modelos y
estrategias de enseñanza en el ámbito escolar. El análisis de las prácticas y
la reflexión sobre ellas se realizan a partir de herramientas teóricas que
hacen más inteligible la realidad educativa.
La realización de trabajos de campo a través del
recorrido de la práctica, son instancias que desarrollan capacidades para
observar, entrevistar, escuchar, documentar, relatar, recoger y sistematizar
información, reconocer y comprender las diferencias, ejercitar el análisis,
trabajar en equipos y elaborar informes. Todos estos dispositivos posibilitan
realizar un análisis de la presencia y modalidades de enseñanza de la Danza en
sentido amplio incluyendo la clásica, la contemporánea, la folclórica y el
tango, en los distintos niveles educativos de nuestra Ciudad.
A su vez se proponen trabajos de participación
progresiva en la práctica docente en las escuelas y en el aula. Desde
experiencias de observación participativa, pasando por prácticas de enseñanza
de contenidos curriculares delimitados, hasta la residencia docente con
proyectos de enseñanza extendidos en el tiempo. Los docentes a cargo de los
espacios de la práctica deberán garantizar la cantidad y diversidad de
observaciones e intervenciones en las escuelas, de manera tal que cada
estudiante acumule una experiencia significativa que le facilite el trabajo en
su último tramo de formación, al encarar la residencia docente.
TALLER: PROYECTO DE
PRÁCTICA I: LA ESCUELA COMO OBJETO DE ESTUDIO.
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 1ºAÑO
Este primer espacio inicia, en forma gradual, un
trabajo sistemático de indagación acerca de las prácticas docentes. Se propone
que al inicio de la práctica profesional se anticipe el sentido global del
campo al tiempo que se distingan los sentidos otorgados a cada tramo.
En este momento se brinda a los alumnos los rudimentos
metodológicos necesarios para la construcción de la empírea a partir de la cual
registrar la cotidianeidad de lo educativo; estas herramientas están
articuladas a un “objeto” ligado con un “propósito” de indagación.
Una cuestión muy relevante a desarrollar es la
desnaturalización de la mirada sobre la escuela que se apoya en la idea de
ofrecerles a los futuros docentes oportunidades para describir, analizar e
interpretar los componentes estructurales de las prácticas escolares,
convertirlos en objetos de análisis y no sólo de intervención con la idea de
evitar que se reproduzcan modelos en forma no crítica. En este espacio se
abordarán las categorías teóricas sobre lo institucional en relación con:
1) aspectos organizacionales de las instituciones
educativas: normas, pautas, prescripciones, división del trabajo,
establecimiento de jerarquías y delimitación de planos de autoridad;
2) la micropolítica
institucional, poder, conflicto, negociación, intereses. Se abordan las
instituciones educativas en tanto formaciones culturales, desde sus aspectos
simbólicos, valores y creencias, que conforman perspectivas particulares del
mundo. Abordar las particularidades de la escuela, exige al estudiante el
desarrollo de ciertas competencias y el manejo de herramientas particulares.
Por tal motivo, se trabaja el uso de diversos instrumentos para la recolección
y organización de la información empírica, tales como la observación y la
entrevista. Ambos se sistematizan desde la perspectiva etnográfica y de la
metodología de la investigación. Los momentos del proceso de observación, los
diversos modos de registro durante las observaciones, su comunicabilidad y
análisis son cuestiones centrales a abordar en este espacio. Por otra parte, se
trabajan las entrevistas en los distintos momentos (desde su preparación hasta
su desarrollo y análisis) atendiendo a la adecuada elección de colaboradores
claves y a la ética en la instrumentación de estas herramientas.
Orientaciones para el trabajo:
• A través de estudios de casos y trabajos de campo en
las escuelas y la comunidad, los estudiantes obtendrán información primaria
(observaciones y/o entrevistas con técnicas de registro) que se complementa
luego con información secundaria (análisis documental, búsqueda bibliográfica).
Con la elaboración de indicadores simples, cuadros comparativos y otros
instrumentos de análisis, estarán en condiciones de interpretar las
producciones simbólicas y las concepciones centrales de las instituciones
educativas.
• Se sugiere que los estudiantes realicen, a lo largo
de la cursada, un trabajo de campo donde desarrollen observaciones que
focalicen en lo institucional, si bien se plantea que incluya, entre otras
cosas, la observación de una clase de danza, un acto escolar y/o una muestra, A
su vez plantea el desarrollo de entrevistas con informantes claves.
• En esta instancia se propone la elaboración de un
informe escrito donde se incluyen los datos generales recabados en la escuela,
la descripción de cada una de las observaciones y entrevistas realizadas, y un
análisis reflexivo de la institución y del espacio que tiene la enseñanza de la
Danza ajustándose a los objetivos planteados previamente y a la luz de
bibliografía trabajada.
TALLER: PROYECTO DE
PRÁCTICA II: EL ROL Y EL TRABAJO DOCENTE
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 1º AÑO
Este taller acerca a los estudiantes al estudio y a la
reflexión de distintas temáticas vinculadas con el trabajo, la profesión, el
rol docente. En este espacio se busca crear conciencia del alcance y la
responsabilidad social de la docencia en tanto profesión, intentando
profundizar en el análisis del rol y función del docente de Danzas dentro del
aula y en su inserción institucional.
Se propone un enfoque que propicia la formación de
docentes capaces de analizar y reflexionar sobre los aprendizajes implícitos
incorporados durante su autobiografía escolar. Por ello, se fomenta la revisión
de una parte del trayecto de formación de los alumnos entendido como un proceso
que se inicia mucho antes del ingreso a la institución formadora, y en el que
se pueden identificar diferentes momentos o etapas de impacto, que conforman
esta autobiografía escolar (producto de complejas internalizaciones realizadas
en la vida de alumno), la etapa de preparación formal institucionalizada
de la formación docente, la socialización profesional y la formación
Docente continua.
Este espacio encara la deconstrucción y reconstrucción
del rol docente, desde:
a) El análisis de las características de la tarea
docente de Danza desde el punto de vista de la realización de una práctica
profesional, de un trabajo; sus problemáticas laborales, las condiciones de
trabajo, el papel dentro del sistema educativo, etc. Aquí es fundamental
considerar al docente como un trabajador y tener en cuenta las condiciones de
salud laboral del docente. También se apunta a analizar el lugar del docente
como integrante de un equipo de trabajo, analizando los vínculos con otros
pares, los equipos de Conducción y Supervisión.
b) El análisis de la constitución de la identidad
docente, desde la conformación de un habitus y desde
los procesos de socialización e internalización de un determinado modelo de
actuar / pensar / sentir docente. A partir de las nociones de campo profesional
y de habitus se entienden las tradiciones y
tendencias en la formación de docentes, así como su presencia en las prácticas
actuales. Así, se aborda la conformación histórica de la tarea docente, con
especial referencia a las tradiciones argentinas y latinoamericanas.
c) La deconstrucción del rol desde la propia biografía
escolar. Se espera que el futuro profesor sea un profesional autónomo, que
piensa sobre la praxis cotidiana (para comprender la complejidad de los
procesos de enseñanza – aprendizaje) que conoce, evalúa e interviene en el
contexto en el que la acción se desarrolla. Así, se tornan nodales la reflexión
sobre la contribución del docente al sentido público de la escuela, y la
incidencia del trabajo docente en la construcción de la ciudadanía.
En esta asignatura la relación pedagógica que
involucra a docentes y a alumnos se analiza teniendo en cuenta el aspecto
vincular y relacional (el encuentro entre docente y alumnos, el significado de
la transmisión intergeneracional y el perfil de los
niños y adolescentes) y cómo esto contribuye al rol. En este sentido, este
espacio curricular está pensado como una herramienta o conjunto de herramientas
e instrumentos para que cada uno pueda pensarse a sí mismo como profesional
docente.
Orientaciones para el trabajo:
• A lo largo de la cursada, los estudiantes realizan
observaciones y entrevistas a docentes de Danzas viy
a miembros de los equipos de conducción a cargo en las escuelas visitadas, y a
los alumnosvii El trabajo sobre la entrevista se
prepara en forma grupal con el docente en el profesorado, propiciando que –a
través de las preguntas- se profundice en aspectos vinculados con el rol docente,
la historia profesional, la trayectoria escolar; es decir, orientada a la
biografía profesional docente. Los temas abordados desde bibliografía
específica, permitirá que los estudiantes elaboren un trabajo final que incluya
las entrevistas realizadas, y un análisis crítico de las mismas sustentado
desde un sólido marco teórico.
• Por otra parte, se trabaja el dispositivo de la
biografía escolar, diarios de ruta o cuadernos de bitácora, cuadernos de campo,
etc. Se propone un trabajo de escritura sobre la autobiografía escolar de los
futuros docentes para ponerla en diálogo con los contenidos abordados en este
espacio en pos de la reflexión sobre el rol docente.
TALLER: PROYECTO DE PRÁCTICA
III: EL DISEÑO Y LA PROGRAMACIÓN DE LA ENSEÑANZA
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 2º AÑO
En este espacio curricular se trabaja sobre el
análisis y diseño de programaciones de enseñanza. Planificar, programar,
gestionar, proyectar, diseñar son términos que hacen referencia a la
intencionalidad de seleccionar los contenidos de la enseñanza de la Danza que
integran las distintas acciones educativas y organizarlas en el tiempo ya sea
en el sistema educativo, en una institución, en el aula.
Se entiende a la programación de la enseñanza como una
estructura o esquema organizador de la tarea. La programación no finaliza en el
trabajo que el docente realiza previamente al desarrollo de su tarea con los
alumnos, se completa cuando se han introducido todos los cambios que la
práctica de la enseñanza impone.
En este espacio se abordan diferentes modos de
concebir la naturaleza del proceso de programación, sus alcances y su valor
para el mejoramiento de la enseñanza. Se diferencian dos enfoques predominantes:
el enfoque sistemático, racional o técnico y el enfoque procesual o práctico, y
se analiza la incidencia que estos dos tipos de enfoque tienen en la
programación específica de Danza. Aquí se trabajan los aportes y limitaciones
de cada enfoque, la definición de los componentes de la programación, su
perspectiva sobre las maneras de construir las intenciones educativas. También
se establecen las relaciones entre objetivos, propósitos, contenidos,
estrategias de enseñanza y actividades, así como los problemas y criterios en
torno al diseño de estrategias de enseñanza.
El Diseño Curricularviii es
un documento de consulta permanente al igual que el proyecto curricular
institucional como marco para la programación de la enseñanza. El conocimiento
de documentos curriculares específicos de Danza y también los dirigidos al Área
de Artes vigentes (enfatizando el análisis de marcos conceptuales generales y
enfoques) y su confrontación con documentación elaborada por docentes
(programas, planificaciones) permite realizar un análisis de contenidos y la
secuenciación de los mismos. Este análisis posibilita observar la
correspondencia de la base teórica adquirida con la intencionalidad pedagógica
de los diversos niveles de concreción de los documentos curriculares.
En este espacio curricular se plantea la necesidad de
analizar la operación de recontextualización que se
realiza sobre el contenido. El contenido producido en contextos especializados
en la producción (centros de investigación, medios académicos o cualquier institución
que desarrolle saberes especializados en el ámbito de las ciencias, las artes o
la producción cultural en general) es adecuado para su circulación en contextos
especializados en la transmisión. Es inevitable que los conocimientos
científicos, técnicos y profesionales sufran modificaciones en las sucesivas
operaciones de traducción o de recontextualización
que tiene en cuenta el nivel educativo de los alumnos (inicial, primario,
medio) o las necesidades de la formación del intérprete de las escuelas de
Educación Artística. Se trabaja en la programación de propuestas, teniendo en
cuenta la relevancia de una apropiada selección de contenidos en concordancia
con las actividades y recursos para enseñar Danza en el aula.
Orientaciones para el trabajo:
• Se propone el dispositivo de prácticas simuladas.
Dichas prácticas generan un espacio que, a modo de laboratorio o simulador,
permite poner en acto una propuesta de enseñanza sin las demandas y presiones
de la realidad. En estas situaciones surgirán decisiones basadas en
preconceptos y concepciones implícitas, así como también creencias explícitas
generadas a partir del trabajo con la teoría. El análisis de esas decisiones y
sus fundamentos constituye una fuente importante de aprendizaje para los
participantes. Así estas prácticas plantean tanto la enseñanza preactiva en la que se diseña la clase que se va a
desarrollar; la enseñanza interactiva, que es el momento de la interacción con
los alumnos, y, por último, la enseñanza postactiva,
que se centra en un análisis y reflexión sobre lo ocurrido en clase y en la
fase del diseño.
• Se espera que los alumnos narren la experiencia de
la puesta en escena de las primeras prácticas simuladas, y establezcan vínculos
y relaciones con sus relatos biográficos realizados en la asignatura de Rol y
trabajo docente.
• Se propone la realización de observaciones y
entrevistas a docentes y miembros de los equipos de conducción. El foco de
ambas es la comprensión del proceso de programación y la puesta en acción de la
hipótesis de trabajo.
• Se propone también la lectura y análisis de
distintas planificaciones, relacionándolas con las observaciones las prácticas
de enseñanza en el aula.
ASIGNATURA: PROYECTO
DE PRÁCTICA IV: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La enseñanza artística
según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: CUATRIMESTRAL – 3 HS. SEMANALES 2º AÑO
En este espacio se abordan diversos contextos en los
que se desarrollan prácticas docentes particularizando sobre:
a) la diversidad socioeconómica y cultural de la
comunidad escolar como elementos centrales en la comprensión y la producción de
proyectos pedagógicos,
b) la diversidad de modalidades pedagógicas y de
ofertas de la educación en la Ciudad y en el país, según diferentes criterios
de clasificación: escuelas domiciliarias, hospitalarias, carcelarias; escuelas
comunes y de educación especial; urbanas y rurales; formales y no formales; de
jornada simple y de jornada completa; etcétera,
c) diversidad de contextos de realización de lo
educativo que no se limitan a lo escolar: sociedades de fomento, centros
culturales, etc.
A su vez, se propone profundizar la identificación de
las singularidades de los niños y adolescentes, sujetos de la educación, (desde
lo cognitivo, socio-cultural, identitario), en los
diversos contextos educativos. Se propone la revisión y reflexión en torno de
las ideas rectoras que definieron las políticas educativas y sustentaron los
lineamientos curriculares de las últimas décadas: educación para la inclusión,
para la integración de las diferencias, la equidad social, la diversidad
cultural, entre otras.
En este espacio los futuros docentes transitan
experiencias tutoriadas de intervención docente en
forma gradual en distintos contextos, que a su vez están complementadas con
ateneos de reflexión que permiten la reconstrucción de dichas prácticas y su
análisis posterior.
Los alumnos programan propuestas de enseñanza
incluidas en proyectos más abarcativos, que posibiliten
distribuir y agrupar contenidos de distintos ejes a lo largo de períodos más
extensos (aunque no se concreten en el campo). Es decir trayectos que den lugar
a secuencias didácticas de complejidad y dificultad creciente. Orientaciones
para el trabajo
• Se propone que los estudiantes realicen
observaciones de clases de Danzas de dos niveles y/o modalidades educativas,
diseñen una secuencia didáctica tomando seleccionando contenidos acordes al
Diseño Curricular. Dicha secuencia será supervisada por el docente tutor y
posteriormente se desarrollarán prácticas breves de enseñanza.
• En la elaboración de dichas actividades, se tienen
en cuenta los lineamientos curriculares, y se establecen relaciones entre
éstos, los planes de clase, y, en el caso del nivel primario, los NAP de
validez nacional.
• A su vez, analizan proyectos educativos
institucionales para atender a la integración de problemáticas de diversa
naturaleza (por ejemplo la atención de niños con capacidades diferentes) y la
articulación con otras áreas del sistema educativo y de la comunidad.
• Otro dispositivo que se sugiere instalar es el
ateneo, concebido como un tiempo y espacio para compartir las experiencias, y
realizar un análisis de las prácticas de aula y de los distintos componentes
que han intervenido en las mismas a fin detectar sus aspectos más potentes y
generar en forma colectiva estrategias en algún sentido superadoras de las
dificultades detectadas.
TALLER: PROYECTO DE
PRÁCTICA V: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La enseñanza artística
según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: ANUAL – 6 HS. SEMANALES 3º AÑO
La residencia constituye el período de profundización
e integración del recorrido formativo realizado hasta el momento y ubica al
futuro docente de Danza con la práctica profesional docente, en forma
sistemática, en los contextos reales en los que se desarrolla el trabajo
docente. A su vez, la residencia se articula con espacios de reflexión que
permiten la reconstrucción crítica de la experiencia, individual y colectiva.
En este espacio, pensado para la articulación entre la
teoría y la práctica, confluyen de manera contundente los saberes adquiridos en
las asignaturas cursadas hasta el momento (del campo específico y del campo de
la práctica profesional), para ponerse en juego en la elaboración, programación
y desarrollo de acciones concretas en las escuelas.
El docente orientador, en esta instancia acompaña y
guía el proceso de elaboración, y ocupa el lugar de tutor (práctico experto) en
el momento de la intervención pedagógica. Los contenidos y actividades se
orientan hacia la elaboración de planificaciones de clases y secuencias
didácticas Para ello, se orienta a la consulta de los documentos curriculares y
documentos de apoyo existentes para la selección de contenidos atendiendo al
enfoque y a la normativa vigente. El aporte de la didáctica de la Danza es
fundamental porque permite a los estudiantes capitalizar los conocimientos
adquiridos en torno a los aspectos específicos referidos a los contenidos, al
enfoque de la enseñanza, a la organización de tiempos y espacios, el
reconocimiento de criterios estéticos, socioculturales, históricos, políticos y
pedagógicos que subyacen en las distintas propuestas metodológicas tradicionales.
También se incluyen los enfoques más actuales que se están trabajando en torno
a la enseñanza de las Artes.
Se sugiere enfatizar el estudio de cuestiones
vinculadas con la dinámica de grupo en relación con la enseñanza de la Danza,
de manera que los estudiantes adquieran capacidades para diseñar estrategias y
modalidades de trabajo cooperativo y estén en condiciones de poner en juego
técnicas de coordinación e interacción grupal. Los futuros docentes deben
abordar cada grupo / clase de acuerdo a las necesidades detectadas.
Del mismo modo, se atiende a la evaluación como
dimensión didáctica y se analizan los diversos tipos de evaluación estudiando
su pertinencia y eficacia en forma contextualizada. Se elaboran instrumentos y
estrategias de enseñanza y de evaluación que respondan a criterios definidos en
relación con los objetivos planificados para cada clase.
Orientaciones para el trabajo
• Para la elaboración de distintas propuestas y
recursos relacionados con las mismas, los estudiantes ponen en diálogo conocimientos
adquiridos en todas las asignaturas de la formación específica, con los saberes
propios del campo de la didáctica y la práctica pedagógica.
• Se sugiere que los estudiantes realicen
observaciones y prácticas en dos grupos: uno del 1º ciclo y otro del 2º ciclo
de nivel primario. La elaboración de los planes es tarea del residente, con la
supervisión del docente tutor, y el profesor de didáctica de la Danza quienes
trabajan como un equipo de apoyo a los estudiantes.
• También se sugiere continuar con el dispositivo del
ateneo, habilitando un espacio para la revisión crítica de las prácticas.
• La evaluación será implementada a partir de
instrumentos diversos, tales como el portafolios, los diarios de ruta, el registro
de material visual (fotográfico, video) puede complementar el trabajo durante
la cursada, ofreciendo al estudiante una instancia más de reflexión personal
sobre el recorrido realizado.
TALLER: PROYECTO DE
PRÁCTICA VI: LA RESIDENCIA EN CONTEXTOS DISTINTOS (La enseñanza artística
según los sujetos del nivel de escolaridad)
REGIMEN: ANUAL – 6 HS. SEMANALES 4º AÑO
En este último espacio curricular se integran todos
los conocimientos relativos a la praxis pedagógica adquiridos a lo largo de los
años anteriores en los proyectos de práctica. Esto significa que todas las
acciones tendientes a la consolidación del perfil profesional del futuro
docente incluirán análisis y elaboraciones de: planificaciones, criterios e instrumentos
de evaluación, desarrollo de actividades y materiales didácticos teniendo en
cuenta las prescripciones de los diseños curriculares correspondientes a cada
nivel en el que desarrollen su práctica.
Este tramo se centra en el desarrollo de prácticas
relacionadas con la escuela media y la media artística. Los planes, elaborados
por el estudiante, son supervisados por el docente del grupo y el titular del
espacio de la práctica. La residencia es una práctica integral en aula en el
nivel medio y los recursos didácticos elaborados en los espacios de la práctica
cursados hasta el momento facilitan la selección de los mismos en función de
las necesidades del proyecto de residencia que se elabore.
Orientaciones para el trabajo
• Al completar el período de residencia, cada
estudiante realiza una entrega final de memoria profesional, que cierra el
portfolio correspondiente a la Evaluación del desempeño docente.
• Durante el segundo cuatrimestre, los encuentros en
la sede del profesorado se utilizan para realizar presentaciones, intercambios,
exposiciones, y ateneos. De este modo, se enriquece la experiencia personal de
cada residente compartiendo y debatiendo las experiencias con sus pares. El
intercambio a realizar incluye la socialización de las distintas propuestas de
trabajo, con un análisis crítico en relación con la eficacia detectada al
utilizarlos en las experiencias de clase durante la residencia.
• Durante el tránsito por la residencia se sugiere el
trabajo con el dispositivo de diarios de formación, el portafolios, los diarios
de ruta, el registro de material visual (fotográfico, video).